Introducción al Arte Pictórico Ruso. La Galería Tretiakov

Introducción al Arte Pictórico Ruso. La Galería Tretiakov

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Introducción al Arte Pictórico RusoLa Galería Tretiakov

(1ª parte)

Dr. Juan José Puigbó

Capítulo 4

RESUMENEl propósito de este trabajo ha sido el de exponer una introducción

al auténtico “Arte Pictórico Ruso”, el cual desafortunadamente, es poco conocido en nuestro medio, para lograr una mayor divulgación del mismo en nuestro país.

El estudio se centra sobre la Galería Tretiakov, museo moscovita y uno de los de mayor importancia en la Unión Soviética así como uno de los más grandes del mundo el cual se ofrece una visión panorámica sobre el arte ruso. Su fundación se debió al magnate y filántropo Pavel Mijailovich Tretiakov, hombre culto y de excepcionales condiciones humanas. El movimiento de los denominados “Itinerantes” o Ambulantes, tuvo una significación histórica muy especial en el desarrollo del arte pictórico ruso.

Se hacen consideraciones sobre losorígenes del arte pictórico ruso, sobre todo en el campo de los magníficos. Íconos que en la actualidad es la más bella y completa colección de todo el país así como de los grandes artistas reconocidos en este género.

Se hace una breve síntesis sobre evolución de la pintura rusa destacándose la importancia de las denominadas “Reformas Petrinas” y de la fundación de la “Academia de las Artes”, en el desarrollo cultural y artístico de Rusia.

Se hace una enumeración de los magníficos monumentos que se encuenran en el interior del Kremlin y de las maravillosas obras de

Clemente Heimerdinger A, Briceño-Iragorry L, editores. Colección Razetti. Volumen VII. Caracas: Editorial Ateproca; 2009.p.39-126.

Colección Razetti. Volumen VII.

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arte contenidas en este recinto.En el trabajo se desarrolló en la primera parte, el Arte Ruso

Antiguo y la obra de las diferentes escuelas así como de los artistas sobresalientes en esa época. En la segunda parte se desarrolla el Arte Ruso en los siglos XVIII-XIX-XX y afines expositivos se sigue la clasificación en los siguientes géneros: 1) Pintura religiosa. 2) Pintura retratista. 3) Pintura histórica los cuales son los temas objetos del presente trabajo. Serán considerados en una siguiente presentación los temas restantes. 4) Pintura de género. 5) Paisajismo. 6) Naturaleza muerta. 7) Vanguardismo y Arte Revolucionario.

En los comienzos del siglo XX el arte ruso alcanza un notable grado de desarrollo y sobresale por la diversiad y complejidad de las búsquedas estéticas. Surge el Vanguardismo ruso. Con la instalación de la Nueva República Socialista emerge el Arte Soviético que impone una nueva orientaión al arte ruso y se enmarca dentro de un sistema político rígido.

SUMMARYThe purpose of this work has been to expose an introduction to the

authentic “Russian pictorial art”. Thus, achieving a larger divulgation of an art, which, unfortunately is not well known in our country. The study is centered on the Tetriakov Gallery, muscovite museum, considered to be one of the most important in all of the Soviet Union, as well as one of the largest museums in the world. It offers a panoramic view of the whole of Russian art. Its founder, the magnate Pavel Mijailovich Tetriakov, was a very cultured and one of exceptional human conditions. He kept good relations with “Itinerants”, a cultural movement of painters, who had a great deal of significance in the development of Russian pictorial art. The origins of the Russian pictorial art are here considered, making special attention to the field of the magnificent icons, which the most beautiful and complete collection in the whole territory, and to the greatest artists of this gender. The evolution of Russian art is explained in a concise manner, making emphasis on the importance of the denominated the “Petrine Reforms” and the foundation of the


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“Academy of the Arts”, making way to the cultural and artistic changes of Russian art. The magnificent monuments and wonderful works of art embedded inside the Kremlin are enumerated and highlighted. This work is arranged into two broad parts. The first one, dedicated to the ancient Russian art; the works of the different schools and the greatest artists to this period. The second part considers the Russian art happening in the eighteenth, nineteenth and twentieth centuries. In a way that makes it explicative, the following genders are classified: 1) Religious painting. 2) Portrait painting. 3) Historic painting (which is the main object of this work). In a following presentation, the rest of the subjects will be mentioned: 4) Gender painting. 5) Landscaping. 6) Dead nature. 7) Vanguardism and revolutionary art. In the beginning of the twentieth century, the Russian art achieves a notable degree of development, making it stand out for its diversity and complexity in the seeking of aesthetic search. The Russian vanguardism comes forth and with the installment of the New Socialist Republic, the Soviet art emerges imposing a new orientation over Russian art, now included in rigid political system.

INTRODUCCIÓN La Galería Tretiakov, es un museo dedicado al arte ruso que se

encuentra ubicado en la ciudad de Moscú. Constituye uno de los museos de mayor importancia en la Unión Soviética y está considerado como uno de los más grandes museos del mundo. Su valiosísima colección está constituida por más de cien mil obras representativas del arte ruso y del arte multinacional soviético, entre las cuales se encuentran pinturas, dibujos, grabados y esculturas, obras que han sido acumuladas a través de los siglos.

Contiene la más fina y numerosa colección de Iconos Rusos, que alcanza a más de cuarenta mil. Posee retratos de personajes famosos del siglo XVIII, pinturas de carácter histórico del siglo XIX y obras del período soviético.

El objeto de este capítulo es procurar la divulgación del



conocimiento sobre el arte pictórico ruso, el cual desafortunadamente es poco conocido en nuestro medio.

La trascendencia de la Galería TretiakovEstriba en que sus obras ofrecen una visión panorámica sobre el

arte ruso y su contenido, y que permite el seguimiento las diversas etapas evolutivas de la pintura rusa desde el siglo XI al siglo XXI y además nos muestra toda la riqueza y diversidad de su contenido artístico (1).

Los orígenesAlgunos hitos históricos relevantes

En la historia de Rusia es posible apreciar una búsqueda ascendente e incesante hacia el logro de una identidad cultural. Si bien, se nutre inicialmente del pasado, siempre agrega la influencia de su propia creatividad que la hace alcanzar posiciones cimeras en la historia del arte universal (2).

Algunos elementos históricos cobran gran importancia en este desarrollo, como son: 1) El proceso de introducción del cristianismo. Efectivamente con el establecimiento del primer estado ruso, entre 882-1054 cuyo centro era la ciudad de Kiev, durante el Reinado de Olga (945-962) se realiza la conversión al cristianismo (c.955) y el proceso de desarrollo ocurre durante el reinado de Vladimir (c.980-1015), tal como se practicaba esta religión en Bizancio. El cristianismo oriental pasaría a convertirse en la base del arte y la cultura. Los enviados del príncipe Vladimir quedaron impresionados por “el templo de Santa Sofia” e impulsó a los príncipes rusos a construir iglesias de una gran belleza en toda Rusia y contribuyó al desarrollo de la bella iconografía en Rusia, a la cual imprimió un sello cultural propio. 2) Otro elemento lo constituyó la expansión geográfica que ocurrió progresivamente hacia el Norte y hacia el Este. Las tribus nómadas del Asia nor-oriental bajo el mando del Gengis Khan (“El gobernante universal”) conquista a la China, Persia y sus huestes cruzaron el Caucaso para invadir Rusia, bajo el Comando de Batu (1237-1242), destruyendo a la ciudad de Kiev e impusieron una tremenda carga sobre el pueblo ruso, lo cual ocasionó


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un aislamiento de Europa y el retraso en su desarrollo. El sacrificio del pueblo ruso, impidió la invasión de Europa por los mongoles. La Rusia medieval quedó aislada de Europa Occidental durante los dos siglos y medio de duración de la dominación tártara. La antigua Rusia había adoptado el cristianismo de Bizancio. Con la toma de Constantinopla a mediados del siglo XV, Rusia pasó a convertirse en el estado Ortodoxo más importante e independiente y Moscú se constituyó en “La Tercera Roma” y en centro de la “Cristiandad”. El artista más sobresaliente de ese tiempo fue Andrei Rubiov (1370-1430), quien produjo los iconos que han sido considerados como las más grandes obras maestras de las artes visuales rusas. 3) Otro hito de importancia se va a producir con las denominadas Reformas Petrinas, entre otras, la occidentalización y la creación de la Academia de Ciencias.

En este proceso de evolución cultural, Rusia había desarrollado una autonomía, una independencia con respecto a otras tendencias prevalentes en la cultura occidental y produjo contribuciones cimeras y originales como es el caso de la Vanguardia Rusa.

Los orígenes del arte pictórico ruso como ya se expuso se remontan y entrelazan con el desarrollo del Arte Bizantino, cuya influencia se hace sentir a partir del siglo X, en las antiguas ciudades de Kiev y Novgorod, al mismo tiempo que surgían las grandes construcciones religiosas. Aparecen los frescos, los mosaicos y sobre todo los magníficos iconos (del griego eikon= imagen, parecido o semejanza) que son representaciones pictóricas de figuras sagradas, las cuales son objeto de veneración religiosa, generalmente pintadas sobre tablas o planchas de madera. Los pintores de iconos permanecían con frecuencia en el anonimato, pero en algunas ocasiones surgieron grandes figuras de renombre en este campo, como son las de Teófanes el Griego y Andrei Rubliov.

Una época de grandes cambios en RusiaCuando Pedro I el Grande (1672-1725) asciende al trono de

Rusia se abren las compuertas para la penetración en este país de las ideas de la iluminación y dentro de los lineamientos de su política, se



contemplaba la “occidentalización y la expansión territorial”, logró sacar a Rusia de los tiempos medievales y convertirla en un poderoso estado europeo. Logró el incremento del poder militar y derrotó a Suecia el antiguo rival de Rusia. Aumentó la autoridad e influencia del gobierno Ruso sobre la población y subordinó la Iglesia al estado (3). (Figura 4.1).

Es de señalar que el trono de Pedro I El Grande se conserva en el Museo del Kremlin en Moscú. Se le debe a él la fundación en 1703 de la grande y bella ciudad de San Petersburgo. Además la “Academia de Ciencias” fue fundada en 1724 en San Petersburgo por orden del Emperador. La “Academia Imperial de Bellas Artes” inició sus actividades más tarde en 1757, o sea 32 años después de la muerte de Pedro el Grande.

Figura 4.1. Pedro el Grande, Zar de Rusia (1672-1725). Paul Delaroche (francés)


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La Academia de las Artes (1757)Catalina II de Rusia o Catalina la Grande (1729-1796), continúa

la apertura hacia Occidente, consecuente con la filosofía de las luces y se convierte en una verdadera Mecenas de las artes, la literatura y la educación. Su reinado fue un período de estabilidad política y de expansión territorial. (Figura 4.2).

Apoyó a la Academia de Bellas Artes, para promover el desarrollo de la educación pictórica en Rusia. Surgen pintores de la talla de Rokotov, Leviski y Briulov y la ciudad de San Petersburgo pasó a convertirse en esa época en el epicentro cultural del país. Se establece un intercambio entre los artistas europeos y los rusos, del cual va a nacer el arte ruso propiamente dicho. La influencia del Renacimiento

Figura 4.2. Catalina la Grande, Zarina de Rusia (1729 - 1796). Vigiliu Erichsen (Danés).



Italiano y del Barroco Francés se hace sentir en la pintura, influencia que se combina con las tradiciones provenientes del arte autóctono. Pero es, durante el transcurso del siglo XIX que emerge un estilo nacional propiamente ruso. Catalina La Grande adquirió obras de grandes maestros franceses, italianos y holandeses para el Hermitage y gracias a sus comisionados, fue posible durante la revolución francesa, adquirir numerosas obras de arte.

Sin embargo, a pesar de la enorme contribución a la formación pictórica rusa de la Academia de Artes, en la segunda mitad del siglo XIX, se inicia un movimiento en contra de las pautas excesivamente conservadoras de la Academia. Moscú adquiere una importancia creciente en el transcurso de los siglos XV al XVIII, hasta convertirse en el epicentro artístico del país. Así tiene lugar la instalación de:

La Sociedad de Exposiciones Ambulantes de Artes (1870)Los itinerantes. Peredvizhniki

Se trataba de una organización integrada por un grupo de artistas que abrazaron una ideología democrática, a la par que mostraban una honda preocupación por las injusticias y las desigualdades que presentaba la sociedad rusa en esos tiempos.

La iniciativa se debió a cuatro artistas fundadores: pintores retratistas, de temas históricos y de género que fueron Ivan Kramskoy, Vassily Perov, Grigory Miasoyedov y Nicolai Gue (4,5).

Una breve síntesis sobre la pintura rusaLa gran contribución inicial de la pintura rusa se hizo en el campo

de la iconografía y de los frescos. A partir de Pedro I el Grande, surgen pintores destacados durante el siglo XVIII, siendo el primer pintor importante que aparece Dimitri G. Levitski (1735-1822) quien fue considerado en su época como uno de los mejores retratistas. En la Galería Tretyakov se encuentra el retrato de “Catalina La Grande como Legisladora en el Templo de Themis y en el Museo de Leningrado se encuentran los “Retratos de Pablo I y Catalina”. Le sucedió, como el último de los grandes retratistas de la Corte, Vladimir Borovikovski


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(1757-1825) (“Retrato de María Lopujiná”).Dentro del género religioso surge la figura de Alexander Ivanov

(1806-58), quien ha sido considerado como el más grande de los pintores rusos. Pintó un solo cuadro durante 20 años, el famoso lienzo de “La aparición de Cristo al Pueblo” (1837-1857). Aparece luego el pintor retratista Orest Kiprensky (1773-1838), que nos deja el legado del famoso “Retrato de Alexander Pushkin” (1827), y también el que se considera como su mejor retrato que es el del “Coronel Davidov”. La invasión Napoleónica se produce en junio de 1812, la cual terminaría con la victoria rusa. Pero este hecho histórico desencadenó el despertar de un sentimiento nacional. Aparecen pintores como Alexei Venetsianov (1780-1847), que es el primer artista ruso que pinta la vida cotidiana del pueblo, destaca la dignidad de la gente sencilla y plasma la poesía del paisaje ruso: “En el campo: la primavera”, 1820). Karl Briulov (1799-1852) quien fue considerado como el pintor ruso más grande de su tiempo, era de origen francés y fue un gran retratista (La Jinete o la Amazona 1832) y el autor de un famoso lienzo monumental (“El Último Día de Pompeya”, 1830-1833). Pável Fedotov (1815-1850), pintor de vena satírica, critica las costumbres y la moral de la sociedad de su época y hecha las bases del denominado “Realismo crítico” (“La propuesta matrimonial del Mayor”, 1848). Ivan Kramskoi (1837-1887), pintor excelente que se destaca por su pintura religiosa (“Cristo en el Desierto”, 1872) y como retratista, (“Retrato de León Tolstoi”, 1873), quien fuera uno de los abanderados del movimiento disidente iniciado en Leningrado (1871) conocido con el nombre de “Los Itinerantes” o “Ambulantes” que alcanzó una especial significación histórica en el desarrollo del arte pictórico ruso.

Este movimiento preconizaba la mayor libertad de expresión y a él se adhirieron numerosos pintores de gran valía. Entre los más destacados de este movimiento figuran Ilya Répin (1841-1930), representante del realismo en esa época, Valentin Serov (1865-1911) considerado como el gran retratista después de Levitsky y Vasily Surikov (1848-1916), el máximo exponente de la pintura histórica. Entre las obras más notables de Repin figuran “Los Boteleros del Volga”, “Iván el



Terrible y su hijo el 16 de noviembre de 1581”, los “Cosacos Zaporozhz escribiendo una carta al Sultán de Turquia” y “No lo esperaban”. En este último lienzo, describe la vuelta de un exiliado de Siberia y la reacción del grupo familiar y el famoso retrato del compositor musical “Modesto Mussorsgky”. Surikov nos legó sus magníficos lienzos de carácter histórico: “La mañana de la ejecución de los Streltsi” (1881), “Menshikov en Beriosov” (1883) y la “Boyarda Morozova” (1887) entre los más notables. Entre las obras de Serov se cuentan “La Joven de los melocotones” y un sinnúmero de retratos.

Vasily Perov (1833-1882) fue un destacado pintor y crítico social que aborda la tarea de reflejar los problemas de la sociedad rusa de su tiempo. Ejemplos, “El último viaje” (1865), “La última tormenta en las puertas de la ciudad” (1868) y la “Procesión de Pascua en el pueblo” (1861), en el cual representa a sacerdotes ebrios, cuando salen de la taberna del pueblo y el cual provocó una conmoción y el rechazo de las autoridades eclesiásticas y son también famosos sus retratos de los contemporáneos, entre los que se encuentra el “Retrato de Fiodor Dostoyevsky” (1872).

Ivan Aivazovsky (1817-1900) fue el gran especialista en marinas: como ejemplo “La costa del mar” (1840). Vasily Vereschaguin (1842-1904) cuya obra fue dedicada en buena parte a pintar los horrores de la guerra con su tributo de sufrimiento y muerte. Uno de sus lienzos más impactantes es el titulado “La apoteosis de la guerra”: en el cual expone una pirámide de cráneos en un desierto arrasado y con las ruinas de la ciudad en el fondo y que dedica “A todos los conquistadores del pasado del presente y del futuro”. Es bien conocida también la serie de Napoleón en Rusia de este autor.

Victor Vasnetsov (1848-1926) Pintor épico, traslada a la pintura la fascinación ejercida por los cuentos de hadas y las leyendas folklóricas del pueblo ruso. Uno de los más conocidos es el lienzo “Los héroes legendarios” (Los tres Bogatyrs) (1881-1898).

Vladimir Makovsky (1846-1920), pintor costumbrista quien orienta hacia la sociedad su actividad pictórica en donde retrata los diversos estratos sociales. Uno de los ejemplos es el cuadro denominado


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“En el boulevard” (1886-1887).

El Paisajismo Este género va a recibir un nuevo impulso con la obra de “Los

Itinerantes”. Alexis Savrasov (1830-1897), pintor lírico, que desarrolla en el paisaje la idea del estado de ánimo y de las profundas raíces en el modo de vida rusa (“Llegaron los grajos”, 1871). Ivan Shishkin (1832-1898) pintor paisajista que capta la riqueza y grandiosidad de la naturaleza rusa, devoto del motivo épico y de la exactitud en el detalle. (“Arboles de Pino a la luz del sol”, 1886). Fiodor Vasilyev (1850-1873) pintor romántico con gran dedicación a los cambios de la naturaleza: el tiempo, la lluvia, las tormentas (“Antes de la lluvia”). Arkhip Kuinji (1841-1910) Pintor romántico que muestra una atracción por los efectos de luz con el logro de imágenes de gran belleza (El bosque de abedules,1879).

Isaak Ilych Levitán (1860-1900) El Impresionismo Ruso temprano. Pintor del paisajismo ruso por excelencia. Recibió la influencia del impresionismo francés que en sus paisajes supo combinar con su profundo amor por el paisaje ruso. Entre sus mejores obras, se cuentan “La primavera: aguas crecidas”, (1897) y Marzo (1895).

El Simbolismo RusoMijail Vrubel (1856-1910) Fue un artista de gran sensibilidad y que

le dio a la pintura rusa un nuevo impulso vital. El tema de su predilección fue el del “Demonio” como expresión de una fuerza diabólica, al cual representa sentado, reflexivo, en el lienzo “El demonio sentado” (1890). Dotado de una enorme fantasía, acusa una predilección por las escenas nocturnas y a media luz, como se puede ver en “La caída de la noche” (1900). Los escritores rusos simbolistas lo tuvieron en grande aprecio (El Simbolismo Ruso). Fue un pionero de la vanguardia rusa.

Victor Borisov-Musátov (1870-1905) Pintor de la corriente de “fin de siécle” recibió la influencia del simbolismo francés. Físicamente sufrió la desgracia de ser jorobado. Creador de un mundo pleno de poesía, de misterio, en donde resalta la belleza femenina. Un ejemplo



notable de su pintura es “El embalse” (1903).La importancia del “Grupo del Mundo del Arte”Korovin, Serov y Vrubel se asocian para constituir este grupo

que jugaría un papel importante en la formación del mundo artístico ruso. Otros artistas constituyeron el Grupo “Azul-Rosa”, Vrubel fue el primer simbolista que aparece en la pintura rusa y Borisov-Musátov y sus discípulos formaron la segunda generación de los simbolistas rusos.

Pável Kuznetsov (1878-1968). Este pintor recibió la influencia Borisov-Musátov y de Paul Gaugin y en su época pre-revolucionaria ingreso al Simbolismo Ruso (“Una tarde en la estepa”, 1912).

Kuzma Petrov-Vodkin (1878-1939). En la obra de este pintor se observa una tendencia que lo aleja de Boris-Musatov, con una percepción mitológica que caracteriza su percepción del mundo simbolista, Su creación de mitos de héroes (El baño del Caballo Rojo, 1912). En este período pre-revolucionario de su arte entra dentro del ámbito del Simbolismo ruso, pero su mayor actividad la despliega durante los años revolucionarios. El artista estudió en Samara (1893-95), en la Escuela Stieglitz y en Moscú con Serov y Levitan (1897-1905). Luego estudió en Munich con Azbe y luego en Francia e Italia. Recibió la influencia de los artistas del Renacimiento italiano, de los Simbolistas y Expresionistas. Pero además de su aporte al Simbolismo Ruso, fue uno de los primeros artistas de la época de la revolución. Son notables “Petrograd 1918”: que representa a una mujer de clase trabajadora que amamanta a su niño mientras el pueblo discute los últimos acontecimientos. Famoso también es “La Muerte de un Comisario”, 1924 una apología del sacrificio por la revolución y “La Alarma 1919”, 1934.

El grupo la “Sota de Diamantes”A partir de 1910, los simbolistas cedieron el paso a los artistas

conocidos con el nombre de “La Sota de Diamantes” los cuales rechazaron a los Itinerantes, a la pintura académica, a los Artistas del Mundo del Arte y a los Simbolistas “Azul-Rosa”. Entre los artistas seguidores de esta línea definida (13) como la integración de los


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principios del Cézannismo y del Cubismo temprano, con la tradición nacional de la pintura de iconos y de las artes populares primitivas y artesanales”, se encuentran dentro de esta tendencia:

Aristarkh Lentúlov (1882-1943). Quien comenzó su carrera en este grupo de la “Sota de Diamantes” y después se unió a los “Futuristas Rusos”.

Robert Rafailovich Falk (1886-1958). Estudio en Moscú con Serov y Korovin, fue otro de los fundadores de la “Sota de Diamantes”. Pasó largo tiempo en París y regresó a Rusia en 1938. Fue atraído por un corto período de tiempo por las artes primitivas y desarrollo el sistema del “cubismo lírico”.

Mijail Fedorovich Larionov (1881-1964). Había nacido en Tiraspol cerca de las fronteras de Polonia y Ukrania y quien junto con:

Natalia Sergeevna Goncharova (1881-1962), también formaron parte de los organizadores iniciales de la “Sota de Diamantes” y realizaron sus propias exhibiciones en las cuales propagan las ideas del Neoprimitivismo, Rayonismo (estilo casi abstracto) y cubofuturismo. Larinov se dedicó a pintar la vida rusa provinciana y la Goncharova dejó su huella en el Neoprimitivismo y utilizó elementos de la iconografía rusa. Ambos artistas se encuentran entre las más destacadas figuras del Vanguardismo ruso.

Vasily Vasilievich Kandinsky (1866-1944). Su arte estableció un nexo entre la cultura artística germana y la rusa. En sus trabajos desarrolló una interpretación sintética de la naturaleza. Es una de las figuras de mayor importancia en el desarrollo del arte abstracto.

El ImpresionismoHacia los finales del siglo XIX la generación de artistas jóvenes

empezaron a rechazar los temas literarios de los Itinerantes y se volcaron a plasmar en sus lienzos una visión más espontánea de la naturaleza (13), es decir, adoptaron los lineamientos del impresionismo.

Konstantín Korovín (1864-1939) es en los pintores rusos el que va a asimilar las técnicas del impresionismo francés y sus más



grandes logros los alcanza en el paisajismo. También se destacó en el campo del diseño, en las tablas, en el arte teatral los cuales le dieron gran renombre a Rusia en toda Europa. (Las Linternas, China,1898; El Invierno, 1894).

Valentin Serov. (1865-1911), quien era considerado como un gran retratista fue un creador dentro del campo del impresionismo y en las etapas iniciales del “estilo moderno”. Ejerció una profunda influencia sobre el conjunto de la pintura rusa.

Etapa final del Arte Pre-revolucionarioKasimir Malévich (1878-1935), pionero del arte geométrico

abstracto, experimentó la influencia del impresionismo, del cubismo, cubo-futurismo y finalmente formuló el Suprematismo: movimiento del arte abstracto ruso, radicalmente puro, limitándose a formas geométricas básicas. Hizo un impacto dentro de la Vanguardia Rusa, hasta que el régimen soviético le exigió la realización de obras de utilidad social.

Vladimir Tatlin (1885-1953). Este pintor ruso es considerado como el “Fundador del Constructivismo”, en relación con la nueva cultura de los materiales y con el arte socialmente orientado Tatlin empezó a crear objetos en que encontraba una variedad de materiales, color de las superficies y formas de particular interés.

Olga Rozánova (1886-1918). Recibió la influencia del Cubismo y del futurismo italiano, pero se asoció con Malevich dirigiéndose hacia el campo del suprematismo.

Lyubov Sergeevna Popova (1889-1924). Fue una artista de elevado calibre que incursionó en el Cubismo, el Suprematismo y el Constructivismo.

El Vanguardismo RusoLos pintores rusos se habían familiarizado con los movimientos

pictóricos modernos, tales como, los del Impresionismo, Simbolismo, Futurismo y Cubismo. Los artistas rusos adoptaron esas influencias y las usaron para crear su propio arte, incorporando elemento rusos en este proceso.


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A la vuelta del siglo XX, el arte ruso alcanza un notable grado de desarrollo y sobresale por la diversidad y complejidad de las búsquedas estéticas. Aparecen obras maestras por artistas mundialmente famosos como Marc Chagall (1887-1985), Vassily Kandinsky (1866-1944) y Kasimir Malévich.

El Arte SoviéticoCon la instalación de la Nueva República Socialista se produjo un

cambio en la orientación del arte ruso para aproximarse a las realidades de la vida y se le dio el nombre de “Realismo Socialista” al tipo de arte oficialmente promovido en la Unión Soviética y otros países Comunistas. Numerosos artistas pertenecen a este período entre los que se destacan Piotor Konchalovsky (1876-1956), Konstantín Yuón (1875-1958), Pável Filónov (1883-1941), Mitrofan Grekov (1882-1934), Yuri Pimenov (1903-1977), Mikhail Nesterov (1862-1942), el cual ha sido considerado como una figura central del período, Igor Grabar (1871-1960) y Sergei Gerásimov (1885-1964) Arkady Plastov (1893-1972).

El surgimiento y desarrollo del Arte Soviético se encuentra vinculado con la implantación del estado socialista y de un sistema político rígido. Se producen durante el período soviético obras maestras, entre las que se encuentran: “Petrograd 1918”, debida a Kuzmá Petrov-Vodkin; (1878-1939) los lienzos de “La Defensa de Petrograd” y “La Madre” por Alexander Deineka (1899-1969) y en la pintura de género, se destaca Yuri Pimenov (1903- ) que plasma escenas de la vida cotidiana como en su popular lienzo “Nuevo Moscú”. Dentro de los retratistas se destacan admirables retratos debidos a Mijail Nésterov (1862-1942), tales como los del científico Ivan Pavlov, o del cirujano Sergei Yudin así como y el de la escultora Vera Mujina y los de Pável Korin que se dedica a retratos de la inteligencia, como el “Retrato del escultor Konionkov”. En general, puede decirse que los pintores rusos modernos deseaban conferir al arte una mayor resonancia social.

La Galería también contiene obras de artistas modernos que han hecho aportes en la segunda mitad del siglo XX tales como Victor Popkov, Nicolai Andronov, Tair Salakhov, (1928) Victor Ivanov. Sus obras son



notables por la búsqueda de la contemplación sincera de la imagen de sus contemporáneos, con un agudo fundamento en la tradición pictórica y una búsqueda incesante de nuevas formas de expresión (6).

La Galería Tretiakov es el museo de mayor envergadura en Rusia y nos ofrece una visión integral sobre el Arte Ruso al presentar una panorámica que se inicia con la iconografía, hasta la presentación de las corrientes contemporáneas de vanguardia y manteniendo siempre su condición de un centro de investigación artística.

Resulta indispensable dentro de esta exposición hacer una referencia a la ciudad de:

MoscúEl Kremlin

Moscú, la capital de la Unión Soviética es una ciudad moderna, con una historia muy antigua que se distingue por su atractiva belleza. Es el centro político, científico y cultural del país, de aquí se desprende su extraordinaria importancia. Se ha hecho famosa por sus instituciones científicas, por sus centros educativos, así como también por sus numerosos teatros y museos. Es además una ciudad plena de historia y de heroísmo. Por otra parte, es una metrópolis que sobrepasa en dimensiones a la mayoría de las capitales del mundo.

El antiguo Kremlin, (ciudadela, fortaleza) sede del gobierno central del país y que fue durante largo tiempo la residencia principal de los zares, está rodeado por sus murallas y sus características torres, constituye el núcleo arqueológico de mayor atracción y se encuentra ubicado en el centro de la ciudad. El Kremlin de Moscú ha jugado un rol de importancia fundamental en la historia de Rusia e incluso en el destino de la humanidad. Representa la obra de una infinidad de arquitectos, artesanos y artistas. Ha sido motivo de elemento temático utilizado por escritores, poetas, compositores así como objeto de libros y de ensayos por numerosos eruditos (7). En las vecindades del Kremlin, en la Plaza Roja (Figura 4.3), se levanta el magnífico monumento, de La Catedral de San Basilio o del “Bendito” o de “la Intercesión de la Virgen en el Montículo”, (Figura 4.4) que fue construida entre 1555


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Figura 4.3. La Plaza Roja.

Figura 4.4. La Catedral de San Basilio.



y 1561, la cual constituye un verdadero prodigio en el mundo del arte y es una composición integrada por estructuras de diferentes formas y colores, célebre por sus características cúpulas en forma de bulbo. Fue construida por Ivan el Terrible para celebrar la liberación final del estado Ruso de la dominación del Kanato de Kazán y es el símbolo de la celebración de la victoria conseguida por el pueblo ruso sobre los tártaros. Según cuenta la leyenda, después de ser terminada la obra, el Zar ordenó arrancarle los ojos al arquitecto Postnik Yakovlev para que no pudiese construir nada igual. En 1588, se agregó una nueva capilla construida sobre la tumba de San Basilio el Bendito, Santo que le dio el nombre a la catedral. Esta no forma parte del Kremlin. Se encuentra en el extremo sureste de la Plaza Roja y consta de 9 capillas.

Entre los grandes monumentos encontrados en el interior del Kremlin se encuentran:

El Palacio de los Congresos: que es en donde tienen lugar los foros del partido Comunista de la Unión Soviética y se han celebrado en su sede, innumerables Congresos.

El Edificio del Consejo de Ministros de la Unión Soviética (antiguamente el Senado)

Es un ejemplo notable de la arquitectura rusa del siglo XVIII. Es el asiento del Gobierno Soviético y en la parte este del edificio se encuentra la “Sala Sverdlov”, famosa por su riqueza arquitectónica y es en donde tienen lugar las reuniones del Comité Central y en donde se realiza la entrega eventual de premios.

El Gran Palacio del KremlinEra la residencia temporal de la familia de los Zares, cuando se

alojaban en la ciudad de Moscú. En el se encuentra el famoso “Salón de San Jorge”, llamado así en honor a la “Orden Militar de San Jorge el Victorioso”. Este Salón se utiliza para realizar las recepciones gubernamentales y diplomáticas.

El Edificio TeremEs un edificio de aspecto pintoresco, en donde se encontraban las

habitaciones del Zar, el cual fue construido por arquitectos rusos entre los años de 1635 y 1636. Es un ejemplo magnífico de la arquitectura


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nacional rusa que evoca las leyendas rusas contenidas en los cuentos de hadas, y en el se destacan los variados coloridos que ofrecen los cristales de las ventanas. A su lado, se observa la Iglesia Superior del Altísimo Salvador coronada con once cúpulas doradas, brillantes y elegantes.

Las CatedralesLa Catedral de la Asunción (Uspensky Sobor) o Catedral de

la Dormición (1475-1479)Es el principal edificio situado en la Plaza Catedral, siendo uno

de los más antiguos del Kremlin, y presenta un estilo simple, austero y majestuoso. Hasta la revolución de 1917 era la Iglesia más importante de Rusia en donde se coronaban los Zares así como para investir a los Patriarcas y Metropolitanos y era también el sitio donde estos eran enterrados. En ese tiempo, era el edificio público principal en donde se anunciaban las leyes del estado. Fue diseñada tomando como modelo a la Catedral de la Dormición de Vladimir, por el arquitecto italiano Aristóteles Fioravanti, quien era un estudioso de la arquitectura rusa tradicional. Está coronada por 5 cúpulas doradas y ofrece una apariencia majestuosa, solemne y austera, así como, un magnífico interior, donde destacan las rejas que son verdaderas maravillas de trabajo en hierro forjado y en donde también se exiben sus famosísimas pinturas. Contiene los iconos para el Iconostasio debidos a Dionisio y sus colaboradores tales como “La vida del Metropolitano Pedro” “La Dormición de la Virgen”, el “Apocalipsis” entre otros. Entre los iconos más antiguos de la Catedral figura el “Icono de San Jorge” en donde aparece el guerrero defendiendo a su país, del Siglo XII, pintado probablemente en Novgorod; también se encuentran los “Iconos de San Pedro” y “San Pablo” (Siglo XIV) y en el centro de la primera fila del iconostasio se ubica el “Icono de la Virgen de Vladimir”, obra de un artista bizantino (Siglo XII) (6-8). En la esquina derecha se encuentra el trono tallado en madera que pertenecía a Iván el terrible (1530-1584) y el trono que está colocado, más lejos a la izquierda era el asiento de la zarina (5). Son maravillosos sus 12 candelabros.



La Catedral de la Anunciación (Blagoveshchensky Sobor) (1484-1489)

Era inicialmente la capilla privada de la familia real y constituye un monumento notable de la arquitectura rusa. Es de una belleza indescriptible y su historia se remonta al año 1397. En sus inicios sólo tenía tres cúpulas y ofrecía un tamaño modesto. Luego bajo el Reinado de Iván el Terrible, en 1564, se completaron 9 cúpulas y se continuó el proceso de su ampliación durante varios períodos históricos, pero preservándose siempre su unidad de estilo y su armonía artística. Su interior está decorado por hermosos frescos debidos al artista ruso Feodosy. El punto de mayor atracción es el Iconostasio, que es uno de los que posee mayor antigüedad. En las dos filas centrales se encuentran los iconos de los artistas más famosos de la antigua Rusia: muchos fueron pintados por los más grandes maestros Teófanes el Griego, Andrei Rubliov los siete Iconos del orden festivo están en el lado izquierdo, además del Icono del Arcángel Miguel y los siete Iconos de la derecha se deben a Projor de Gorodets. En el siglo XVI se agregaron dos filas más. El “Icono de los santos Boris y Gleb” que se encontraba en la Catedral de la Anunciación se encuentra en la actualidad en la Galería Tretiakov (Figura 4.5)

La Iglesia del Depósito del Manto de la Virgen (Tserkov Rizopolozheniya) (1484-1486)

Es una iglesia pequeña con una sola cúpula la cual fue construida por maestros albañiles procedentes de la ciudad Rusa de Pskov, situada al suroeste de San Petersburgo y muy conocida por sus numerosas iglesias medievales. El estilo es elegante y sus murales han merecido un reconocimiento universal. La cornisa es de forma puntiaguda hacia arriba y dibuja una doble curva, cóncava hacia arriba y convexa hacia abajo (este elemento es llamado Zakomary). El iconostasio que es el tesoro más preciado fue terminado en 1627, por el grupo del reconocido artesano Nazary Istomin. Hace mucho tiempo estaba unida a la residencia patriarcal y servía como capilla privada (6,8).


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La Catedral del Arcángel (Arkhangelsky Sobor) (1505-1508)

Está situada al frente de la Catedral de la Anunciación y exhibe sus 5 cúpulas plateadas. Fue construida por el arquitecto italiano Aleviso Novi, por orden de Iván el Grande (1440-1505) en cuyo reinado se realizaron numerosas construcciones en Moscú y particularmente en el Kremlin. El arquitecto preservó la forma tradicional de la iglesia Rusa con 5 cúpulas, pero agregó elementos reminiscentes de la arquitectura de los palacios venecianos del período Renacentista. Hasta el año de 1712, fecha en la cual la capital se traslado a San Petersburgo, la Catedral era el sitio de enterramiento de los Zares y Príncipes Rusos, contándose la cifra de 56 tumbas entre ellas las de Iván el terrible y sus hijos. Los pilares y las paredes están cubiertas por frescos que narran la historia de la Rusia antigua y escenas religiosas que incluyen las obras del Arcángel Miguel. Los iconos son principalmente del siglo XVIII. Entre los iconos también se encuentra una de las pinturas

Figura 4.5. La Catedral del Kremlin de la Anunciación.



antiguas más valiosas que es el Icono del Arcángel Miguel, (Figura 4.6) que fue realizado por artistas moscovistas de los finales del siglo XIV y comienzos del siglo XV.

La Catedral de los Doce Apóstoles (Sobor Dvenadtsati Apostolov) (1655-1656).

Fue construida por el patriarca Nikon y era usada como una iglesia privada. Al lado de la Iglesia se encuentra el Palacio del Patriarca. Este Palacio muestra en sus cuartos una rica ornamentación que contrasta con la simplicidad arquitectónica exterior.

El Gran Campanario de Iván, obra maestra de la arquitectura antigua es una torre octagonal, que llegó a tener una altura de 81 metros, y esta construcción era la más elevada de esa época (años de 1329 a 1600). Se han conservado 21 campanas, obras de artesanos rusos. Al pie de este gran campanario se encuentra la famosa “Campana del

Figura 4.6. Ícono del Arcángel de San Miguel.


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Zar” de 200 toneladas de peso, la más grande del mundo, fundida entre 1733 y 1735 y su ejecución fue debida a Iván y Mijail Matorin.

El Cañón del ZarEs la pieza de mayor calibre que se había construido, pero que

nunca disparó un solo tiro. Fue fundido en bronce en 1586.La Armería del KremlinEs un museo excepcional, el más antiguo y rico del Kremlin,

el cual alberga maravillosos tesoros, fundado en los comienzos del siglo XIX que están distribuidos en IX Salas. Reúne una Colección de Armas, armaduras, entre ellas piezas de gran valor histórico como la más antigua del museo que es el yelmo del Príncipe Yaroslav, el padre de Alejandro Nevsky (comienzos del siglo XIII). La Colección de Carruajes, bordados, objetos provenientes del arte folklórico ruso, joyas, artesanías. Hay objetos de gran valor de oro y plata, diamantes, piedras preciosas, copas, vasos, relojes, así como, una colección de vestidos y telas. Alberga las Coronas de los Zares entre ellas la más antigua, la gorra del Príncipe Vladimir Monomakh, hecha por orfebres orientales en los siglos XIII y XIV, la cual era usada con ocasión de las coronaciones de los Zares.La Plaza RojaEl Corazón de la Ciudad

Esta bellísima plaza debe su nombre al vocablo ruso “Krasny” que significa “bella” o “roja”, nombre con que se la conoce desde 1662. Además de su belleza, exhibe una vastísima dimensión. En sus alrededores se encuentra numerosos monumentos imponentes, entre los que descuellan la Catedral de San Basilio, ubicada al Sur, la cual ya fue mencionada, el Museo Histórico del Estado hacia el Norte, los Grandes Almacenes Estatales (GUM) al Este, las Murallas del Kremlin al Oeste y el Mausoleo de Lenin que se encuentra ubicado en el centro de la Plaza (Figura 4.3).

Pável Mijáilovich Tretiakov (1832-1896)La Fundación: (1856)

El fundador de la Galería objeto de este trabajo, fue un hombre de



excepcionales méritos, pues, se trataba de un industrial, comerciante, que además estaba dotado de una vasta erudición. Fue a este Mecenas del arte, coleccionista y filántropo moscovita a quien se le debe el nombre de la Galería Tretiakov. En el año de 1850, recibió en herencia el establecimiento del padre, dedicado al procesamiento y venta de lino y de textiles en general. Fue el fundador de un Banco Mercantil en Moscú y de una compañía comercial e industrial. Esto le permitió adquirir una fortuna considerable que la iba a destinar al financiamiento de sus proyectos artísticos y filantrópicos. (1) (Figura 4.7).

Los comienzos (1856)Tretiakov empezó su proyecto de crear una Galería dedicada al arte

nacional ruso en el año de 1854. Su primera adquisición consistió en

Figura 4.7. Pável Mijáilovich Tretiakov.


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10 lienzos de antiguos maestros holandeses. Los dos primeros lienzos los adquirió en 1856 y fueron los que dieron inicio a la colección: un cuadro de Vasily Khoudiakov titulado: “Una escaramuza con contrabandistas finlandeses” y otro de Nicolai Schilden que lleva por nombre “La Tentación”. El proceso de expansión se desarrolló por etapas sucesivas. 1. En 1870, empezó a adquirir cuadros de artistas contemporáneos,

de su época, especialmente del grupo que pertenecía a la “Sociedad de Exposiciones Ambulantes de Arte”, los llamados “peredvizhniki” “Ambulantes” o “Itinerantes” y centró su atención especialmente en la pintura realista rusa de esa época. En 1874, adquirió una colección de V. V. Vereshchagin que comprendía las denominadas “Series Turkestan” y “Series India” (1880). Después, adquirió obras de Alexander Ivanov, V. D. Polenov (1888), V. G. Perov, I. N. Kramskoi, Ilya Yefimovich Répin, Vasily Surikov, I. I. Levitan y V. A. Serov, entre otros.

2. Tretiakov pasó luego a adquirir obras de maestros del siglo XVIII y de la primera mitad del siglo XIX, así como también otras obras que constituían verdaderos hitos de la pintura Rusa antigua. También concibió la idea de crear un “Panteón Ruso” integrado por cuadros de personajes rusos, famosos. En ese sentido, comisionó a grandes maestros de la pintura de su época como I. Répin, V. Perov, N. N. Gue, I. Kramskoi, N. V. Nevrev, para que llevaran a cabo dicho proyecto.

3. Entre los años de 1870 al 80, Tretiakov empezó a coleccionar ilustraciones y en 1890 pasó a reunir una colección de iconos y también algunas esculturas.Además del papel trascendental que Tretiakov jugó en la fundación

de la Galería hay que destacar otra encomiable faceta de su personalidad:La Filantropía. Participó en numerosas actividades caritativas,

como sostener económicamente instituciones educativas, contribuyó con donaciones destinadas a las víctimas de la guerra Ruso-Turca, y a sostener a las escuelas comerciales, ayudas para los artistas, mediante préstamos desinteresados, medidas para la protección de los sordo-



mudos, recursos para el patrocinio de escuelas y albergues destinados a viudas, niños, madres solteras y familiares de artistas fallecidos. Estas actividades filantrópicas las mantuvo hasta su muerte. Tretiakov murió en 1898. Fue enterrado en el Cementerio Danilov y luego sus restos fueron transferidos en 1948 al Cementerio de Novodevichy.

I. La época Pre-RevolucionariaLos objetivos del fundador: Una galería de arte nacionalEn 1860, cuando apenas contaba con 28 años de edad, expresó

en su testamento, la voluntad de desarrollar un proyecto, para crear una galería de arte nacional que fuese accesible a todos, así como exponer en él, los planes que tenía como coleccionista. Lo expresa de esta manera: “yo deseo dejar una galería nacional.... yo deseo que sea creada una sociedad de amantes del arte, pero de carácter privado, no organizada por el gobierno y sobre todo sin burocracia.... sin funcionarios públicos. Para mí, amante sincero del arte, no puedo desear nada más loable que el de fundar un Museo de Bellas Artes, abierto al gran público, que sería de utilidad para muchos y constituiría una fuente de placer para todos”.

Tretyakov se dedicó a desarrollar este proyecto con una gran tenacidad. Hacia los finales de su vida había logrado hacer un gran acopio de obras.

Artistas Rusos CélebresLos AntecedentesHay que señalar que antes de emprender Tretiakov su magna

empresa, ya otros coleccionistas de arte, tales como Shuvalov, Stroganov, Korsakov, así como, algunos miembros de la nobleza rusa, también se habían dedicado a coleccionar obras de arte en Rusia. Pero estas colecciones tenían una característica en común, que era, que en ellas el arte ruso quedaba relegado a un segundo plano, en contraposición con el espacio dedicado a los artistas extranjeros.

El Museo Ruso (1819-1839)Constituyó una de las primeras colecciones de pinturas rusas,

que debió su formación a Svinyin, pero que posteriormente estas obras


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fueron llevadas a la subasta pública y fueron puestos a la venta. Otros coleccionistas de arte ruso fueron Prianishnikov en St Petersburgo, así como Kokorev y Soldatenkov en Moscú, entre los años de 1840 a 1860. Pero ninguno de estas colecciones, así como otras que eran de menor categoría iban a desempeñar el papel significativo en la historia del arte que iba a jugar la “Galería de Pavel Tretiakov” (1).

El entorno cultural y social. Literatura. Dramaturgia. Música

A Tretiakov le tocaría vivir en la época del surgimiento de la gran literatura rusa. Fue contemporáneo de León V. Tolstoi (1828-1910), de Ivan S. Turgeniev (1818-1886), quienes junto con F. Dostoievski (1821-1881) fueron las figuras estelares de la “Edad de Oro” de la literatura rusa (1820-1880) además de N.A. Nekrasov (1821-1878) el distinguido poeta ucraniano. En el arte dramático, asistió al establecimiento de un repertorio nacional del teatro ruso, con el desempeño del dramaturgo ruso A. N. Ostrovsky (1823-1886) conocido especialmente, porque en su obra retrata, con gran realismo los diferentes estratos sociales y quien fuera en 1886 nombrado Director de los teatros de Moscú. Igualmente en el campo de la música presenció los esfuerzos del denominado “Grupo de los Cinco”, para iniciar la joven escuela nacional rusa (1861) bajo la égida de M. A. Balakirev (1837-1910) quien iba a reunir a los compositores más destacados de su país, C. Cui (1835-1918), M. P. Mussorgsky (1839-1881), N. A. Rimsky-Korsakov (1844-1910) y A. Borodin (1833-1887). Este medio ambiente cultural, ejercería una profunda influencia en la formación espiritual de Tretiakov.

La formación de la Escuela RusaLa idea de Tretiakov, con su intención de formar una Escuela

Rusa, coincidía con las aspiraciones de la “inteligentsia” progresista de Rusia, de construir los fundamentos del edificio de la cultura y del arte ruso, guiada por ideales democráticos y profundamente ligada a las fuentes populares.

La Sociedad de Exposiciones Ambulantes de ArteNumerosos artistas, plenos de ideales democráticos fundaron esta

Sociedad tales como V. V. Stasov, y sobre todo I. N. Kramskoi que



acaudillaba este grupo, a los cuales se le unieron algunos artistas rusos célebres como V. G. Perov, I. E. Répin y otros más que le brindaron a Tretiakov su apoyo, así como también le ayudaron con su condición de expertos.

Seducidos por la idea de un museo nacional público, los artistas a menudo estaban dispuestos a sacrificar sus intereses económicos en el momento de vender sus cuadros a la Galería. Las actividades de Tretiakov como coleccionista lo llevaron a erigirse en una figura cultural de elevada estatura y de gran influencia y jugó un papel importante para moldear el abordaje científico de la historia y de permitir considerar las particularidades del arte nacional ruso. También seleccionó para la Galería a las mejores obras de los artistas contemporáneos y no vacilaba en recurrir a la opinión de expertos, lo cual demostraba su preocupación por la objetividad. Por esta razón los maestros de la Escuela Realista están representados en la galería en forma exhaustiva. Durante los años de 1860 y 1861, Tretiakov se dedicó también a coleccionar las obras de maestros antiguos, entre ellas, las de los pintores del siglo XVIII que eran poco conocidas en esa época. También, le prestó una especial atención a seleccionar para la Galería los Retratos de figuras culturales que sobresalían en el dominio de la literatura rusa, de la música, de la pintura y de la ciencia, muchos de los cuales fueron realizados a petición del propio Tretiakov.

El Asiento de la Galería. “La Vieja Tretiakov”La primera ubicación de la famosa colección fue en la residencia

familiar de Tretiakov en la calle “Lavrushensky Pereulok” situada en el antiguo barrio de comerciantes del Zamoskvorechye (significa más allá del Rió Moscú). Pero hacia 1875 hizo construir una Galería especial diseñada para albergar la colección pues este experimentaba un constante crecimiento. La galería fue reconstruida y agrandada en cinco ocasiones bajo la dirección del arquitecto Kaminski. Las colecciones están distribuidas en cerca de 50 salas (Figura 4.8).

Siempre consecuente, con el propósito que se había trazado de cumplir con está misión patriótica, que consideraba como un deber cívico hacia la Sociedad Rusa, en el año 1892, Tretiakov hizo la donación de


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la colección y del edificio de la Galería a la ciudad de Moscú y además, agregó la colección de pintura occidental que también poseía. Esta la había heredado de su hermano Serguei y así fueron llenados dos salones dedicados al arte occidental. Esto hizo que la Galería pasase a igualar en importancia a los más grandes museos de Rusia y a convertirse en uno de los sitios obligados de visitar en la ciudad. Para ese entonces, el 15 de agosto de 1893, es cuando la Galería pasó a recibir el nombre de Galería Moscovita de Arte Pável y Serguei Tretiakov, hoy en día simplemente “Galería Tretiakov”. La colección constaba para ese momento con 1 287 pinturas, 518 productos gráficos de la Escuela Rusa, 75 cuadros y 8 diseños pertenecientes a la Escuela Occidental Europea, 15 esculturas y una colección de Iconos. Tretiakov recibió la designación de administrador (curador) “per vitam”. En 1894, Tretiakov continuó agrandando la colección de la Galería en el transcurso de 40 años y donó a la Galería 30 cuadros, 12 dibujos y una estatua de mármol, “Los Mártires Cristianos”, obra de M. M. Antokolski (1840-1902), el famoso escultor de origen judío.

El Catálogo. A partir de 1893 comenzó a publicar anualmente

Figura 4.8. La fachada actual.



el catálogo de la Galería, lo cual permitía seguir el desarrollo de la misma.

El Consejo AdministradorDespués de la muerte de Tretiakov ocurrida en 1898, la Galería

pasó a ser administrada por un Consejo que estuvo integrado por representantes de la ciudad y por artistas notables, tales como, el pintor y coleccionista ruso Ilya Ostroújov (1858-1929) (quien pasaría a ser el administrador a partir de 1905), Valentin Serov (1865-1911) y la hija de Pavel Tretiakov, Alexandra Botkina Tretiakova.

El Consejo continuó las directrices trazadas por Tretiakov, quien hacia particular énfasis, en la continuidad histórica en el desarrollo del arte ruso. Entre las adquisiciones hechas por el Consejo se encuentra una serie de magníficos retratos de los mejores artistas de la segunda mitad del siglo XVIII.

Los IconosDebido a la iniciativa de Ilya Ostroújov quien era además un gran

conocedor de la pintura de Iconos, fueron incorporados por primera vez, ejemplos de la pintura rusa de iconos, que hasta ese momento se mantenían ubicados en otros lugares.

La fachada actual de la GaleríaFue construida entre los años de 1901 a 1903 según los diseños

hechos por Víctor Vasnetsov (1848-1926), de acuerdo con el estilo Neo-Ruso, imitación de los antiguos palacios, referidos en los cuentos de hadas, en las leyendas rusas, que estaban guarnecidos de torres, y decorados con el emblema de Moscú que muestra la imagen de “San Jorge dando muerte al dragón”. En el frontón se destacan los techos acuminados y el friso de cerámica, decorado con flores y aves. En frente del Museo se encuentra colocada la estatua del fundador, obra de Alexander Kibalnikov.

La Reorganización de Igor Grabar (1913-1925)En los primeros tiempos la disposición de los cuadros en la

Galería no se ajustaba a la secuencia histórica, de modo que resultaba difícil para el visitante, lograr tener una idea clara sobre la historia del Arte Ruso. Se debió a la intervención de Igor Emmanuilovich Grabar


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(1871-1960), cuando fue nombrado administrador y quien además era un pintor distinguido e historiador del arte, cuando se procedió a reordenar las colecciones de los cuadros siguiendo un orden cronológico. Esto permitió poner relieve, las etapas más definidas en la evolución del arte ruso y además dedicar salas enteras a las obras de los pintores rusos. Esta reorganización también permitió aclarar puntos controversiales, tales como, la paternidad y la fecha de algunos cuadros, así como el facilitar igualmente el estudio y la clasificación de las obras de arte de acuerdo con el estudio científico y sistemático. En el año 1917, Grabar publicó el catálogo completo de las colecciones de la Galería, con lo cual se logró cumplir una etapa importante que permitió el estudio de la historia del Arte Nacional Ruso.

La expansión físicaLa Galería Tretiakov histórica, conocida también con el nombre de

“Unión de los Museos Rusos de la antigua Galería Tretiakov” ubicada en la calle Lavrushenski prosiguió su expansión en varios edificios vecinos, que incluyen a la Iglesia de San Nicolás en Tolmachi del Siglo XVII, para atender a las crecientes exigencias y se le anexó un nuevo edificio, la “Casa Central de los Artistas” en Krimskiy Val, la cual fue dedicada a una extraordinaria colección de Arte Moderno Contemporáneo del siglo XX. Entre estas se encuentran algunas famosas obras como la “Composición VII” de Vassily Kandinsky y el “Cuadro Negro” de Kasimir Malevich, además de las obras del Realismo Socialista y de la Vanguardia Soviética de Posguerra.

La importancia de la Galería Tretiakov: en la cultura rusa en la época prerrevolucionaria

V. Volodarsky (1) ha sintetizado la extraordinaria importancia que revistió esta galería durante ese período:

1. El gran volumen, calidad y diversidad de las colecciones reflejan diferentes aspectos de la vida rusa. 2. Debido al contenido de sus cuadros se logra la afirmación de la belleza desde una elevada posición moral y a la vez se hace la denuncia despiadada y apasionada de los aspectos monstruosos de la realidad y de los males sociales existentes



y 3. Finalmente, gracias a la resonancia humanística de la escuela de arte ruso y a su interés constante por el destino del pueblo, la colección de la galería contribuyó ampliamente a la formación estética y moral, no sólo de los artistas sino igualmente de muchas generaciones de la “inteligentsia” rusa, constituyéndose en una especie de “Universidad de la estética y de la educación moral”. 4. La historia de la galería desde su creación estuvo ligada a la cultura democrática, destinada a la iluminación y a la educación de las masas y estuvo relacionada con la lucha para alcanzar la victoria de los ideales sociales progresistas. 5. La historia de la galería testifica el impacto profundo y duradero que sus tesoros artísticos tuvieron en los corazones y en las mentes de sus contemporáneos.

La influencia de la galería según los contemporáneosEs de hacer notar la profunda fuente de inspiración que representó

la galería para los revolucionarios de esa época, como lo expone Bontch-Bruyevitch, (1) en sus memorias, al decir: “Nadie ha todavía escrito sobre los sentimientos de los revolucionarios, y sobre los juramentos hechos en la Galería Tretiakov al contemplar cuadros, tales como: • “Iván el Terrible y su hijo Iván, el dieciséis de noviembre de

1581”, pintado por Ilya Répin en 1895, considerado como el más grande los pintores realistas de su época.

• “La mañana de la ejecución de los Streltsy”, cuya autoría es debida al pintor Vassily Surikov (1848-1916), uno de los pintores rusos más sobresalientes que desarrolló en sus obras numerosos temas históricos.

• “La Princesa Tarakanova” (1864), de Konstantin Flavitsky cuadro que plasma el momento en que un miembro del partido de “la Voluntad del Pueblo” (Narodnaia Volia), es condenado a muerte al persistir firme con sus convicciones y al rehusar los servicios religiosos antes de la ejecución. Contemplamos también a

• “Un matrimonio desigual” (“Un buen partido”) que se considera como el símbolo de la opresión secular de la mujer.

• También nos entretenemos delante de los lienzos “La Quiebra de la Banca” y “La Procesión Religiosa”.


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• Además, permanecimos horas enteras, en la contemplación de las epopeyas guerreras, crueles y terribles de Veresshchagin y estudiamos extensamente el destino de los detenidos políticos, “nuestro destino”, en los “Convictos del convoy” (La Parada), “Los Sirgadores del Volga”, los cuales nos impactaron, así como, las millares de telas, consagradas a la vida de los trabajadores, campesinos, soldados, y también aquellos que están dedicados a la burguesía y a la clerecía.

II. La época Pos-Revolucionaria o SoviéticaLa Galería Estatal Tretiakov (1918)A partir de la “Gran Revolución Socialista de Octubre”, por

medio de un decreto dictado por el propio Lenin, de fecha del 3 de junio de 1918, se decidió proceder a su nacionalización y se puso de relieve que este museo de la ciudad es “por su aporte cultural y artístico una institución que llena a cabalidad funciones educativas de amplia significación nacional”. Como reconocimiento a los valiosos esfuerzos de su fundador se decidió que la Galería conservase el nombre de Tretiakov y se incluyó en la red general de los Museos del Estado.

El Estado Soviético no se limitó a agrupar cuidadosamente las obras de arte sino que procedió a realizar su distribución en otras instituciones culturales. En esta forma, las telas que eran obras de artistas extranjeros pertenecientes a la Galería Tretyakov, fueron transferidas a otros museos, mientras que fueron conservadas en su recinto aquellas pinturas, esculturas, así como otros tesoros culturales que si se ajustaban a su propósito.

La expansión del contenido de la Galería (1920)Las obras de arte ruso comenzaron a fluir hacia el museo,

procedentes de diversas fuentes, tales como antiguas colecciones privadas, residencias aristocráticas y museos que habían pasado a ser de la propiedad de la nación. Se agregaron a la galería no sólo piezas individuales, sino también, colecciones completas.

Hacia finales de 1920, el museo contaba con obras maestras, tales como el gran lienzo de Alejandro Ivanov (1837-1857) “La Aparición de Cristo al Pueblo”, que había pertenecido al Museo Rumiantsev, cuadros



de Nikitine, Rókotov, Levitski, Borovikovsky, Kripensky, Losenko, Briulov, Fedotov, así como de otros grandes maestros de los siglos XVIII, XIX y primera mitad del siglo XX. Se adquirieron ejemplos extraordinarios, de las pinturas de los Iconos Rusos, procedentes de la colección de Ostroújov así como valiosísimas pinturas y dibujos de la autoría de grandes artistas del siglo XIX tardío y de los comienzos del siglo XX. La importancia que tuvieron esos nuevos aportes para el desarrollo del museo fue invalorable.

La Comisión de compras del EstadoGracias a las actividades de esta comisión se adquirieron otras

obras de maestros antiguos, así como, diversos trabajos debidos a artistas soviéticos, destinados al “Departamento de Arte Soviético” que se estableció en 1930.

En los tiempos actuales, la galería continúa su proceso de expansión de sus colecciones, mediante compras realizadas por el Estado en las exposiciones de Moscú, Leningrado y otras ciudades de la Unión Soviética, así como en los estudios de artistas, colecciones privadas y del extranjero. En el curso de los últimos años, las colecciones se han enriquecido con la adquisición de un número considerable de iconos rusos de los siglos XIV al XVIII y obras clásicas importantes de eminentes pintores rusos, tales como Rókotov, Briulov, Perov, Répin, Surikov, Serov, Vrubel y de artistas soviéticos como Nesterov, Korine, Sergei Gerásimov, Kuznetsov, Deineka, Plastov, Salakhov, Konionkov, Koroliov, Matveyev, Gritsai, Stozharov, Golitsyn, Zakharov y muchos otros (1). Además la Galería Tretiakov ha mantenido la línea, de adquirir los autorretratos de los pintores cuyas obras se exponen en sus salas, junto con estudios y bocetos de sus trabajos, con lo cual se hace posible seguir la historia de su creación y al mismo tiempo conocer la carrera creativa de los más sobresalientes artistas rusos y soviéticos.

En síntesis, en la época posrevolucionaria, se logró llenar los vacíos que existían anteriormente en la historia de la pintura rusa. Se agregó un nuevo Departamento de Escultura y se expandieron los Departamentos de Arte Gráfico y de Iconos y además la sección de Arte Soviético se convirtió en una de las más importantes. También se


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intensificó el trabajo de investigación y de popularización del arte.La afluencia de visitantes se fue incrementando en forma

significativa, procedentes de todos los rincones de la Unión Soviética y además se incrementó el número e importancia de las exhibiciones.

Las exhibicionesEstas aumentaron a partir de 1930 y jugaron un papel importante

para incrementar el conocimiento que se tiene sobre el “Realismo Ruso”. Así, se realizó “La Exposición Nacional de las obras de V. G. Perov” (1934). Después se hicieron retrospectivas dedicadas a Serov (1935), Répin (1936), Surikov (1937), Kramskoi (1937), Levitán (1938), Kiprensky (1938), así como las consagradas a la Pintura Histórica Rusa (1939) y otros géneros. En estas exposiciones, además de los cuadros pertenecientes a la Galería Tretiakova, se agregaron obras procedentes de otros museos de la Unión Soviética y de colecciones privadas. Esto permitió arrojar una nueva luz sobre la obra de un maestro en particular o sobre períodos completos de la historia del arte ruso. Las exhibiciones eran arregladas históricamente y se incorporaron nuevas adquisiciones. Otra de las metas alcanzar en este período como es el de la popularización del arte se logró a través de visitas guiadas por un personal debidamente capacitado en el dominio del arte, de la cultura y también con formación en el plano pedagógico.

Durante la Gran Guerra Patriótica, las actividades prosiguieron, aun cuando uno de los edificios de la Galería sufrió, al ser alcanzado por una bomba nazi. Afortunadamente todos sus tesoros habían sido cuidadosamente protegidos. La Galería Tretiakov fue el primero de los grandes museos de arte de la Unión Soviética que abrió sus puertas en mayo de 1945, para el disfrute del pueblo victorioso.

La expansión continúa En el período de la posguerra los departamentos continuaron su

proceso de expansión, sobre todo, la colección de Arte Soviético y la de Pintura Rusa Antigua, debido especialmente al descubrimiento de tesoros que hasta ese momento eran desconocidos.

La colección de íconosEs en la actualidad la más bella y completa de todo el país y



comprende más de cuatro mil obras, entre otras las pertenecientes a las Escuelas de Kiev, Novgorod, Pskov, Moscú, Tver, Rostov-Susdal y de otras escuelas. También se incluyen obras maestras debidas a Teófanes el Griego y Andrei Rubliov.

Departamento de Restauración. CatálogosEste trabajo es fundamental y ha sido realizado por un cuerpo

de especialistas, que efectúa las reparaciones y hacen el tratamiento preventivo de las pinturas, dibujos y esculturas. La publicación de catálogos ha tenido una gran importancia y han permitido establecer en forma cronológica las colecciones de pintura y de escultura.

El trabajo de investigación de la GaleríaEl personal no solamente ha desarrollado las tareas específicas de

estudio de un museo, sino que posee un personal altamente calificado en la historia del Arte Ruso y Soviético que han contribuido con importantes aportes científicos.

Continúan las exposiciones retrospectivasLas cuales han tenido como objetivo tanto a las obras de los

grandes maestros del pasado como las relativas al Arte Soviético, que han ocupado un espacio importante en la actividad del Museo.

Proyección InternacionalLa Galería no se ha limitado a su actividad intramural sino que

ha organizado exhibiciones en diferentes sitios de la Unión Soviética. Siempre teniendo como mira el dar una idea de las etapas principales del desarrollo del arte ruso y soviético. También ha participado en numerosas exposiciones en el extranjero: Polonia, Hungría, Checoesloavaquia, Francia, Austria, Estados Unidos, México y Suecia.

En síntesis, la Galería Tretyakov ha cumplido una labor extraordinaria en los campos de: 1. La popularización, al cumplir labores pedagógicas, de educación

cultural, estética y moral, c ampo en el que ha ocupado un sitial importante, y ha, constituido un valor importante para cumplir con el cometido de efectuar la propaganda del arte.

2. La labor de investigación científica ha permitido ahondar en el conocimiento de los grandes maestros del arte ruso y del desarrollo


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histórico de las diferentes etapas históricas desde el siglo XI hasta la época contemporánea.

3. El contenido de la colección se ha venido incrementando en forma significativa, desde su fundación por aquel hombre extraordinario que fue Pavel Tretiakov, hasta el presente.

4. En la colección se pone de relieve la enorme contribución del Arte Ruso al lenguaje pictórico universal.La disposición de la galeríaEl contenido Artístico de la Galería (1), está dispuesto en tres

secciones: A. El Arte Ruso Antiguo: donde se encuentran ubicadas las obras

de Maestros Bizantinos activos en las épocas tempranas del siglo XII, de la escuela de Teófanes el Griego (siglo XIV tardío), de la Escuela de Pskov (siglo XIV tardío y siglo XV temprano, de la Escuela de Novgorod (siglo XV temprano), de Andrei Rubliov y de Dionisio.

B. Arte Ruso desde el Siglo XVIII a los comienzos del Siglo XX: en esta sección se exponen alrededor de 53 artistas que tuvieron la mayor relevancia en la historia del Arte Ruso.

C. Arte Soviético: En donde tiene cabida la obra de los artistas que estuvieron ligados al desarrollo de la pintura en la Sociedad Soviética en ese período. Se exponen los lienzos de cerca de 30 artistas.

I. Arte Ruso AntiguoLos Iconos. Siglos III-XVII

Iconografía. Los orígenes (siglos III – X)Los iconos son imágenes sagradas que como ya se mencionó,

son objeto de veneración religiosa y en general, el término se refiere a pinturas sobre paneles de madera. El desarrollo de la Iconografía se remonta al siglo III d. d. C. Sus raíces emergen del arte pagano greco-romano, al cual se le agregan elementos orientales procedentes de Siria y Egipto. Sus bases quedaron echadas cuando el Cristianismo pasó a constituir la religión oficial del Imperio Bizantino (313 d. d. C),



y después de haberse superado la tendencia iconoclasta.En la valoración de la pintura de los iconos se siguen criterios

estéticos diferentes a los consagrados posteriormente durante el Renacimiento. El mundo representado en los iconos es un mundo ideal, desmaterializado.

El Arte Bizantino. La Escuela BizantinaLos iconos pasaron a ser el elemento distintivo del Arte Bizantino

y el símbolo de la piedad ortodoxa. Surge en Constantinopla con modelos bien establecidos de ciertos tipos de retratos de la Madona y de Cristo. El icono más antiguo, obra de los talleres de Constantinopla, se conserva en el Monasterio de Santa Catalina, en el Monte Sinai, en Egipto, en donde se representa la figura del Cristo Pantocrator que adornaría las cúpulas de las iglesias hasta el siglo XVI. Hacia el siglo X, la iconografía se exportó a otros países Ortodoxos (Bulgaria, Serbia) y entre los cuales, también se encontraba Rusia. También el arte bizantino se introduce en Rusia por la vía de las colonias griegas establecidas en las orillas del Mar Negro. En la Constantinopla de hoy en día, difícilmente se encuentran Iconos. Los primeros Iconos que llegaron a Rusia procedían del Imperio Bizantino a través de Bulgaria que era el eslabón intermediario entre Constantinopla y Kiev (8).

Los más bellos Iconos Bizantinos se encuentran en Rusia; tales como “La Virgen Eleusa de Vladimir” (“Virgen de la Compasión”) que se encuentra en la Galería Tretiakova, y “Los Doce Apóstoles” ubicado en el Museo Pushkin de Moscú.

La Escuela de Kiev (siglo X – siglo XIII)Es en esta ciudad en donde tiene lugar el asentamiento del

Cristianismo en Rusia hasta que ocurre la destrucción de la ciudad por los Mongoles en 1240. Este estilo ruso temprano era al comienzo dependiente del Bizantino, pero luego, se produce el cambio de la imagen que pasa de la severidad del Cristo Pantocrator a la del Cristo Humano, Salvador y Redentor. El icono más famoso de Rusia, no es ruso. Efectivamente es el de “La Virgen de Vladimir” (Figura 4.9)que fue un regalo hecho por Constantinopla a Rusia en 1131. Después fue transferido a Vladimir (1155) y luego llevado a su destino actual


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en Moscú (1395). El templo más antiguo que se ha conservado es la Catedral de S. Sofía de Kiev (1017-37) y la homónima de Novgorod (1045-52).

La Escuela de Novgorod (siglo XIII – siglo XV)Teófanes el Griego (c. 1330-c. 1410)Novgorod es una ciudad rusa de importancia y en esa época

constituía un centro de desarrollo económico, político y artístico, hasta que fue sometida al dominio de Moscú. Se produjeron, en ese centro importantes obras maestras del Arte Ruso Medieval, principalmente las debidas a Teófanes el Griego. Este artista tuvo una estancia corta en Novgorod (1378) y luego pasó a establecerse en Moscú (1395).

Obras de Teófanos en NovgorodSe encuentran en la “Catedral del Salvador de la Transfiguración”

en Novgorod en la calle Ilyina. Los Frescos se ubican en las columnas en la cúpula de la Catedral y en las Ermitas. Estos frescos fueron dañados durante la segunda guerra mundial, durante la ocupación de la ciudad de Novgorod por el ejército alemán, el cual utilizó la

Figura 4.9. La Virgen de Vladimir.



cúpula de la iglesia como puesto de observación. Están también los frescos de “La Iglesia de la Dormición” en el campo Volotovo cerca de Novgorod, los frescos en “La iglesia del Salvador” en Nereditsa y los frescos de “La Iglesia de San Teodoro Stratilates”. Entre sus obras de esa época se cuenta: “La Virgen de Nuestra Señora del Don” (1392) y “La Dormición de la Virgen”, un Icono de dos caras que es la obra conocida más antigua de Teófanes.

Obras de Teófanes en MoscúEl artista se traslada a Moscú para pintar la fila de la Deesis del

Iconostasio de la Catedral de la Anunciación de Moscú: “El Salvador en Gloria”, “La Virgen”, “San Juan Crisóstomo”, el “Arcángel Gabriel”, “San Pablo”, “San Basilio” y “San Juan el Evangelista”, otra de las obras de Teófanos el griego es el Icono de la Transfiguración, que procede de la Catedral de Pereslavl-Zalesski (c.1403). La fama de Teófanes se debió no sólo a sus magníficas dotes artísticas sino a su extraordinaria capacidad intelectual.

La Escuela de Pskov (siglo XIV – siglo XV)Ocupa un lugar importante en el progreso del arte ruso antiguo y en

ella se desarrollaron aspectos especiales en la pintura de los iconos.La Escuela de Moscú (siglo XIV- siglo XV)Moscú empieza su desarrollo progresivo a partir de una pequeña

aldea en el siglo XII, hasta convertirse en el siglo XV en el corazón espiritual y político de Rusia. Desde el punto de vista religioso sus lazos eran muy estrechos con la Iglesia Bizantina. El estilo moscovita pasará a diferenciarse en forma gradual del estilo bizantino y del novgordiano, pues desarrolla un estilo que enfatiza los colores cálidos y los contornos definidos. La escuela de Moscú va a contar con cuatro grandes maestros: Teófanos el Griego, Andrei Rubliov, Dionisii o Dionisio y Simón Ushakov. Moscú pasó a convertirse en el centro de la lucha contra la opresión tartárica-mongólica. A principios del siglo XIV se traslada a Moscú el Patriarca de la iglesia rusa. El siglo XV fue un siglo de oro de la pintura rusa en este género. Moscú pasa a ser la heredera de Kiev, de la Rus de la época pre-mongólica y se trasladan a esta ciudad las principales obras de veneración entre ellas


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la “Virgen de Vladimir”.Andrei Rubliov (c. 1360- 1430)

Teófanos el Griego y Andrei Rubliov, constituyen las dos figures estelares de la pintura de Iconos en Rusia y desarrollaron su arte hacia los finales del siglo XIV y principios del XV. Se conoce poco, acerca de la vida de Rubliov, salvo de su presencia constatada, en condición de monje en el Monasterio de la Trinidad de San Sergio, quien había sido el fundador del Monasterio (1314-1392) y era el conductor espiritual y político más destacado en el siglo XIV. En el aspecto religioso, San Sergio insistía sobre el amor hacia Dios, así como, en el perfeccionamiento espiritual y en lo político, sostenía la necesidad de obtener la unidad de los Principados para lograr la liberación del yugo mongol.

Rubliov recibió su entrenamiento cerca de Moscú bajo la dirección de Projor de Gorodets y trabajó en colaboración con el famoso Teófanes el Griego. Pero pronto va separarse del estilo severo tanto en la forma como en el color que caracterizaba la obra de Teófanes el Griego y en su estilo viene a predominar la simplicidad, la elegancia y la armonía, en concordancia con su perspectiva espiritual.Las Obras

Estancia en Moscú: la Catedral de la AnunciaciónEntre sus obras más famosas se cuentan: “El Cristo en Majestad”

(1410-1415), y el Icono de “La Santísima Trinidad” (c. 1410) o “La Trinidad del Antiguo Testamento”.

El icono de “La Trinidad del Antiguo Testamento” (Figura 4.10).

El tema del icono es el relato bíblico de los tres ángeles peregrinos que se le aparecen al Patriarca Abraham y a su esposa Sara, historia del Antiguo Testamento. El maestro simplifica la versión y se concentra en el mensaje central que desea transmitir el autor. Los tres ángeles se encuentran sentados alrededor de la mesa en actitud de meditación y sus figuras aparecen ligeras y esbeltas, la copa eucarística con el cordero sacrificado y la bendición del sacrificio. Los 3 ángeles representan, el de la izquierda al Dios-Padre, el del centro a Dios-Hijo Jesucristo que con su bendición acepta el sacrificio para expiar los pecados de la



humanidad y el de la derecha es el Espíritu Santo, con aire de profunda tristeza. Se representa el acto del amor sublime, el del Padre que sacrifica al Hijo por amor a la humanidad y el del Hijo que acepta el sacrificio. Otros elementos son: el árbol de la vida o encina de Mambre, el contorno circular exterior de la figura de los ángeles, simboliza la eternidad divina, se dispone que la composición sea poligonal, el contorno circular interior de los ángeles dibuja el cáliz como una clave del misterio del icono.

La composición es sugestiva del proceso de meditación, expresa la apacibilidad. Los personajes del Rubliov trasmitan una gran profundidad y espiritualidad de sentimientos. El colorido refleja una gran armonía y le confiere a la composición la cualidad de transparencia lo que le da al icono el carácter ligero e inmaterial. Este icono constituye un logro artístico extraordinario que lo hace ocupar un sitial perenne en la

Figura 4.10. La Trinidad del Antiguo Testamento.


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historia y en la cultura del pueblo ruso; es considerada su obra cumbre y también la más conocida. Se ha considerado esta obra por los expertos como la integración de la síntesis teológica, la riqueza del simbolismo y de la belleza artística. “La Transfiguración” (en la Catedral de la Anunciación en el Kremlin de Moscú, 1405), en la cual trabajó como asistente de Teófanos el Griego, “El Arcángel Miguel”, “El Salvador”, “El Apóstol Pablo” (todos realizados entre 1410-1420).

Estancia en VladimirTambién trabajó con Daniel Chorny en los murales y en las

obras para el iconostasio de la Catedral de la Dormición en Vladimir, para la “Deesis”, composición monumental de quince tablas (1408) y también con Chorny entre 1427 a 1430, trabajó en la decoración de la Catedral de la Trinidad en el Monasterio de la Trinidad-San Sergio, que hoy en día corresponde a la población de Zagorsk. Rubliov pasó los últimos años de su vida en el Monasterio de San Andronicus en Moscú en donde murió y yace enterrado. La época de Teófanes el Griego y de Andrei Rubliov es considerada como la edad clásica de la iconografía en Rusia.

Dionisio o Dionisii (c. 1440 – c. 1510)Dionisio nació alrededor del año 1440 y fue otro de los grandes

maestros de la pintura de iconos de la Escuela de Moscú. Le tocó vivir un siglo después de Andrei Rubliov y pasó a ocupar un segundo lugar después de ese ilustre pintor. En ese tiempo, Moscú terminó por someter a la república independiente de Lord Novgorod y pudo sacudirse del yugo de los Mongoles. Dionisio, hacia los finales del siglo XV emerge como la figura central del arte sacro. 1. El estilo de Dionisio. Se va a caracterizar por ser: un estilo

elegante, con figuras extremadamente alargadas (alargamiento etéreo) que dan la impresión de elevarse en el aire, de flotar más que de afianzarse en la tierra. El efecto del alargamiento lo consigue disminuyendo la proporción de la cabeza, de las manos y de los pies (1/10).

2. La paleta de colores, de Dionisio se diferencia por introducir



colores pasteles diversos como el amarillo-dorado, el gris perla y especialmente el turquesa, el verde pálido y el carmesí.

3. Su pintura estaba destinada más que a expresar una honda emoción a lograr el buscado efecto místico y espiritual.

4. Prosiguió como Rubliov en la línea de expresar la serenidad y la armonía.

5. Obras. La Crucifixión (1500) Esta obra perteneciente a la Galería Tretiakov, constituye un bello

ejemplo de la maestría artística de Dionisio (Figura 4.11). Otras obras importantes atribuidas al autor son: “El Metropolitano Alexis con escenas de su vida” (1480), “El Metropolitano Pedro con escenas de su vida” (1480) y dos iconos de la Virgen Hodegetria (1482-1502-1503). Una de las obras más lograda de Dionisio es el icono de la “Adoración de la Virgen”, procedente de la Cátedra de la Asunción de la ciudad de Dmitrov. Es una composición

Figura 4.11. Dionisio. La crucificción 1500.


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que sobresale por su complejidad y por la arquitectura que es típicamente rusa.

Durante siglos XV (tardío) y XVI (temprano), Dionisio pasó a ser conocido como el pintor más distinguido de Moscú. El adquirir iconos para uso doméstico se generalizó en la Sociedad Rusa y hasta en los hogares más humildes se colocaban iconos, en el llamado “Krasny ugol” o “Rincón Bello” de la casa.

Simón Ushakov (1626-1686)Fue otro de los grandes iconografistas, que tuvo su asiento en

Moscú. Se caracterizó por buscar una síntesis del estilo tradicional ruso de pintores de iconos con los aportes realistas del Arte Occidental y facilitó la transición del Arte Religioso al Arte Secular.

Entre sus contribuciones hay que citar los frescos de la “Catedral de la Dormición” (Uspenski Sobor) en el Kremlin de Moscú y los iconos denominados “La Virgen Eleusa de Kykkos” (1688), la cual tiene un carácter muy diferente al de los clásicos iconos rusos, el Icono de la Trinidad”, que es una composición que se diferencia de la clásica de Rubliov. “El Cristo (1660)” “San Juan el Teólogo” (1673) “Apoteosis de la Virgen de Vladimir” (1668), “La Última Cena” (1685).

Los Parsunas (del latín personas)La pintura de iconos se limitaba en su contenido a figuras del

Antiguo y del Nuevo Testamento y principalmente eran las de Cristo, la Virgen María, los Santos y los Ángeles. A partir de mediados del Siglo XVI, se planteó la posibilidad de incluir figuras seculares (Zares, figuras históricas o legendarias) lo cual fue objeto de grandes controversias. Así surgieron, los denominados “Parsunas”, similares a los iconos, pero en los cuales, los objetos de la pintura eran de naturaleza no religiosa, aun cuando también estaban pintados sobre madera y no sobre lienzo (10).

II. Arte Ruso: Siglos XVIII-XIX-XX

A los fines de facilitar la exposición del Arte Ruso adoptaremos



la clasificación en los siguientes géneros (9):Primera Parte: 1.Pintura religiosa. 2. Pintura retratista. 3.Pintura

histórica. Estos temas son el objeto del presente trabajo.Segunda Parte: Los restantes serán tratados en una próxima

publicación y comprenden: 4. Pintura de género. 5. Paisajismo. 6. Naturaleza muerta. 7. Vanguardismo (siglo XX) y Arte Soviético. Esta modalidad de exposición, aun cuando ofrece algunas ventajas a los fines descriptivos y también adolece de ciertas limitaciones, entre la más importante, es la situación frecuentemente encontrada de que un artista determinado contribuyó en diferentes géneros pictóricos.

1. Pintura ReligiosaLas obras de carácter religioso recibieron por parte de los artistas

rusos un considerable impulso. Entre ellos se distinguieron:Karl Briulov (1799-1852) El pintor ruso romántico

Este artista ruso era de origen francés hijo de Pável Brullo, nació en San Petersburgo el 23 de diciembre de 1799, su nombre fue convertido al ruso como Briulov. Murió en Italia en Manzania y fue enterrado en el cementerio de Monte Testaccio. Llegó a ser considerado como el “pintor ruso más grande de su tiempo”, es decir, que dominó su influencia en la primera mitad del siglo XIX. También se puede decir que elevó la pintura rusa al nivel de la europea y fue el primer artista ruso que alcanzó renombre a nivel internacional. Introdujo en Rusia los movimientos del Neoclasicismo y del Romanticismo. Cultivó diversos géneros pictóricos y fue el pintor de la aristocracia rusa (11).

Se formó en la Academia Imperial de Bellas Artes de San Petersburgo (1809-1821), en donde se destacó como un estudiante promisor e imaginativo, y luego se dirigió a Italia, país que era considerado como la cuna del Arte Clásico.

Fue en Italia, en donde desarrolló el género del Retrato de gran estilo, como la famosa “La Jinete o una joven amazona” (1832) en donde pinta a la joven italiana Giovannina Paccini que además de constituir un prototipo del género del retrato, es también un himno a la belleza, la juventud, la gracia y el disfrute (Figura 4.12). El contraste de colores, contribuye a crear una atmósfera romántica. Otra de sus


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famosas obras del género histórico fue “El último Día de Pompeya”. (1830-1833). Entre las obras más apreciadas se encuentran los retratos de personalidades, en los cuales se destaca por su dominio de la perspectiva psicológica. Es famoso su “Autorretrato” (1848). Bruilov retornó a Rusia, en donde obtuvo una posición en la Academia de San Petersburgo, en donde además de cumplir con sus compromisos docentes (1836-1848) continuó con su actividad pictórica.

Contribución a la pintura religiosaEn San Petersburgo se le encomendó la realización de los grandes

murales para la Catedral de San Isaac. En la gran cúpula central, de 800 metros cuadrados de área, pintó la imagen de “La Virgen en Majestad”, rodeada de ángeles y apóstoles. También desarrolló las imágenes de los cuatro Evangelistas, los doce Apóstoles y realizó cuatro composiciones sobre el Nuevo Testamento.

La salud del pintor empezó a quebrantarse, por lo que en 1847

Figura 4.12. Una joven amazona o retrato de Giovanina Paccini (1832).



tuvo que desistir de terminar una obra que había aspirado a que fuese la culminación de su carrera artística. A partir de 1849, viajó por numerosos países europeos, para terminar pasando los últimos años de su existencia en Italia, donde falleció en 1852.

Alejandro Andreyevich Ivanov (1806-1858)Este pintor ruso estudió en la Academia Imperial de Bellas Artes

de San Petersburgo bajo la tutela de Karl Briulov y de su padre Andrey A. Ivanov quien era a la sazón, profesor de pintura histórica en esa institución.

El Opus Mágnum. “La Aparición de Cristo al Pueblo” (1837-57)

Ivanov, al igual que su ductor pasaría gran parte de su vida en Roma. Trabajó durante veinte años en el desarrollo de esta magna obra, verdadera joya pictórica que se conserva en la Galería Tretiakov. Esto ha hecho que se denomine a Ivanov como “el maestro de una sola obra”, lo cual no es absolutamente cierto, porque otras obras suyas se encuentran en el “Museo Ruso de San Petersburgo”. Este inmenso lienzo iba a provocar un tremendo impacto en la historia del arte ruso y convirtió a Ivanov en uno de los grandes representantes de la pintura

Figura 4.13. La aparición de Cristo al Pueblo 1837-1857.


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rusa en el género histórico-religioso (Figura 4-13).El tema central es el episodio del Nuevo Testamento que tiene

como personaje central a la figura de San Juan Bautista, en el acto de bautizar al pueblo, en las aguas del Jordán, al mismo tiempo que denuncia el mal y la injusticia, imperantes en el mundo, cuando observa la llegada de Cristo que se aproxima, a quien señala como el Salvador. Sus palabras están dirigidas a la multitud, en el seno de la cual se observa que se producen diversas respuestas y el pueblo está integrado por diversos componentes sociales. Las palabras están destinadas a despertar la conciencia social y el renacimiento espiritual del pueblo. Se ajustaba Ivanov a los principios del clasicismo imperante en esa época. Su obra favoreció el desarrollo posterior del arte ruso y contribuyó a destacar el papel primordial que debe jugar el arte en la vida de cualquier sociedad.

Para la realización de este extraordinario lienzo, se apoyó en numerosos estudios y bosquejos, en que se revela la enorme profundidad de la perspectiva psicológica de los integrantes del cuadro, como por ejemplo, en la famosa “Cabeza de San Juan el Bautista”. Ivanov, fue sin lugar a dudas, el pintor religioso que alcanzó una mayor influencia en su tiempo.

Ivan Kramskoi (1837-1887)Este pintor ruso y crítico de arte vivió en la segunda mitad del siglo

XIX y desempeñó un papel importante en el desarrollo del pensamiento democrático en el arte y en la promoción del arte realista ruso.

Nació en la ciudad de Ostrogozhsk en la provincia Voronezh, en el seno de una familia, cuyo padre era escribano. Recibió su formación entre 1857 y 1863, en la Academia de Artes de San Petersburgo. En 1863 encabezó la denominado “Rebelión de los Catorce”, integrada por un conjunto de jóvenes artistas que desafiaron la formación demasiado dogmática que se impartía en la institución. Kramskoi fundó el “Arte de los Artistas” y se convirtió en el líder ideológico de la “Sociedad para las Exhibiciones Móviles de Arte” (Peredvizhiniki). En 1863-1868 se dedicó a la enseñanza en la “Escuela de Dibujo de la Sociedad de Artes Aplicadas” en San Petersburgo.



Géneros PictóricosKramskoi fue un insigne pintor retratista. Se le deben a él los

retratos de León Tolstoy (1873), Ivan Shishkin (1873), Pável Tretiakov (1876), del artista Litovchenko (1878), y de Mijail Saltykov-Shchedrin (1879) que son verdaderos tesoros que enriquecen a la Galería Tretiakov. Sus retratos se caracterizan por su composición simple, la claridad de la figura y la profundidad psicológica de sus personajes. Sin embargo, una de sus obras cumbres, la va a realizar Kramskoi en el ámbito de la pintura religiosa. Se trata de su famoso:

Cristo en el desierto (1872). Un dilema existencialKramskoi presentó al público en 1872, esta interpretación

original, novedosa, de la figura de un Cristo indeciso, profundamente abatido, que tiene que escoger su camino en la vida. Expresado con sus propias palabras, Kramskoi nos dice “Hay momentos en la vida del hombre, cuando éste medita sobre si toma a la derecha o a la izquierda, si vender a Dios por treinta piezas de plata o si resistir a la tentación del demonio.....”

El tema extraído del Nuevo Testamento, expone las dudas de Cristo antes de tomar el camino de la virtud. Pero el pintor se pregunta, lleno de dudas, si el personaje ¿es Cristo, o no lo es? ¿quien es?, y refleja el problema existencial del hombre, en el momento de tomar la decisión sobre que partido tomar. Kramskoi logra plasmar en su lienzo estas inquietudes. Cristo aparece en el lienzo provisto de una gran dignidad y majestad. Así como su rostro y sus manos expresan las emociones que experimenta (Figura 4.14).

Nicolai Nikolaevich Gue (1831-1894)Nació en Vororonezh en 1831 y murió en la villa de Ivanovsky,

en la provincia Chernigov. Este pintor ruso se dedicó principalmente a los temas de carácter religioso e histórico y también al género del retratismo. Nicolas Gue había nacido en el seno de una familia noble de origen francés, cuyo abuelo había salido como emigrante de Francia después de la revolución francesa. Recibió especialmente la influencia de Karl Bruilov.


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Entre 1850 y 1857, estudió en la Academia de Artes de San Petersburgo. En 1863 recibió el título de profesor. En 1864 viajó a Italia, en donde pasó varios años. Durante su permanencia en San Petersburgo, estableció vínculos con círculos de orientación de democrática. En 1870 participó en la Fundación de la “Sociedad de Exhibiciones Circulantes” y contribuyó en la primera exhibición de ese movimiento (1871). Vivió en San Petersburgo hasta 1876, cuando se trasladó a la ciudad de Ivanovsky, en la provincia de Chernigov.

Obras ReligiosasEl artista apeló a temas evangélicos con el propósito de desarrollar

temas filosóficos y asuntos de importancia vital. A este género pertenece “La Última Cena” (1863), “Quid est veritas? (“Que es la verdad”), “Cristo y Pilatos” (1890) y el “Calvario” (obra inconclusa) (1893). De estas obras nos permitimos hacer algunos comentarios sobre:

El Calvario o Golgota (1893)Gue pintó una serie de cuadros que se inspiraron en los Evangelios

y trató de lograr la representación de Cristo en su sufrimiento antes de la ejecución, lo cual, despertó a su vez, ciertas críticas, pero también conmovió profundamente a los observadores. Cristo es la figura central del lienzo y se cubre con sus manos el rostro, estremecido

Figura 4.14. Cristo en el desierto (1872). Un dilema existencial.



por la insensible brutalidad y representa el símbolo del horror que se experimenta frente a la perversidad. A su lado las figuras de los dos ladrones ofrecen al observador el contraste de los rostros que expresan el temor a morir (Figura 4.15).

Temas HistóricasEn este género hay que destacar su pintura “Pedro el Grande

interrogando al Zarevich Aleksei en Peterhof” (1871), en donde, plantea la historia del conflicto paterno-filial.

RetratistaOtra área en la cual Gue nos ha dejado un legado de importancia

es como pintor retratista de eminentes contemporáneos, entre ellos los de Herzen (1867), Saltykov-Shchedrin (1872), Nekrasov (1872) y León Tolstoi (1884).2. Pintura Retratista

Siglo XVIII. Durante este siglo tuvo lugar el desarrollo de la

Figura 4.15. El Calvario o Golgota (1893).


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pintura del retrato en Rusia. Bajo el impulso dado por Pedro I El Grande (1672-1725), Zar de Rusia desde 1682 a 1725, fueron patrocinados algunos pintores con la finalidad de perfeccionar en el exterior sus cualidades como retratistas, entre los cuales se contaron Ivan Nikitin (1680-1742), (Pedro Primero en su lecho de muerte, 1725) (Figura 4.16)Andrei Matvéyev (1701-1739), (Autorretrato con su esposa, 1729) Ivan Vishnyakov (1699-1761), (El Príncipe Golitsyn en la infancia, 1760, Sara Eleonor Fermore, c.1750). Alexei Antrópov (1716-1796) (“El Retrato de Anastasia Izmailova”, 1759), Iván Argunov (1729-1802) (“El Retrato de una joven desconocida”, 1784). (Figura 4.17).

En la segunda mitad del siglo XVIII, a la figura de I. Argunov se unieron Fedor Rókotov (1735-1808) (La emperatriz Catalina II, 1763), Dimitri Levitsky (1735-1822) (“El Retrato de Maria Diakova”, 1778)

Figura 4.16. Pedro I en el lecho de muerte, 1725. Iván Nikitin. Museo Ruso.

Figura 14.17. El retrato de una joven desconocida en traje ruso (1784). Iván Argunov.



y Vladimir Borovikosky (1757-1825) (“El Retrato de María Lopujiná 1797”). Estos pintores retratistas eran en su mayoría, pintores ligados a la Corte de los Zares y a la nobleza, siendo sus obras comisionadas por la Corte Imperial o encargadas por patronos adinerados.

Alexei Antrópov (1716-1796)Antrópov fue el principal pintor retratista de los finales del siglo

XVIII. Se destacó también como miniaturista (en esmalte), decorador y pintor de iconos. Era hijo de un maestro del taller de la Armería de San Petersburgo. Fue discípulo de A. Matveye, M. Zajarov, I. Vishniakov y L. Caravaque y P. Rotari.

Realizó trabajo decorativo de varios palacios en San Petersburgo; los Palacios de Verano e Invierno, el Palacio de Anichkov, el de Peterhoh, Tsarkoe Selo y el Palacio Golovin en Moscú.

El “Retrato de la dama de corte Anastasia M. Izmailova” (1759)

Se considera que esta fue la obra que consagró a Antropóv como retratista. Es una representación del busto de la dama que ocupa casi toda la superficie del lienzo. El rostro, la vestimenta y los adornos emergen del fondo oscuro. En el retrato se revela el estatus social elevado de esta Dama de Honor, con su aspecto corpulento y su mirada inteligente. Su adorno de la cabeza destaca sobre sus cabellos grisáceos, así como el color azul del vestido y la medalla indicativa de su posición social.

Iván Argunov (1729-1802)Este pintor desarrolla su actividad artística durante la segunda

mitad del siglo XVIII. Era siervo de los Condes Shereméteve y fue el pintor de esta familia y también recibió numerosos encargos oficiales tales como el de ejecutar un retrato de Catalina II y pintó copias de las pinturas del Hermitage, en San Petersburgo (1790). Entre sus obras más conocidas se encuentra:

El “Retrato de una campesina en traje Ruso” (1784)Se tiene la impresión de que la campesina era una nodriza de la

familia Sheremétv, que luce portando el atuendo de un traje festivo tradicional. En la cabeza, lleva un Kokosnik, un adorno finamente decorado y su traje es un Sarajan, típico vestido ruso, de color rojo que


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es el preferido en las zonas rurales. El rostro y la mirada muestran un aire de serena dignidad.

Argunov fue liberado de su condición de siervo en 1816 y postulado para la Academia, título que recibió en 1817. No se dispone de información de las épocas posteriores de su existencia.

Fedor Rókotov (1735 ó 1736 – 1808)Pintor retratista. Nacido en el seno de una familia de siervos de

la familia aristocrática Repnim. Pasó su niñez y su juventud en los alrededores de Moscú. Fue liberado de la servidumbre cuando contaba veinte años y entró como alumno de la Academia de las Artes de San Petersburgo. Recibió el encargo de la pintura:

El “Retrato de Catalina II” (1763) con ocasión de su coronación. “El Retrato del Conde de Orlov con armadura” (1763). Es un retrato de medio cuerpo con el torso y el rostro dirigidos en sentido opuesto lo cual, le incrementa la expresividad al lienzo junto con el vivo colorido de los atuendos.

Recibió el título de Académico en 1763. Luego se estableció en Moscú, dedicándose a trabajos particulares o algunos encargos solicitados por la Academia. Esta etapa moscovita se considera que representa la época de madurez del autor. Son dignos de mencionar las siguientes obras:

El Retrato del poeta Maikov (1765)Se considera esta pintura como una de las obras maestras del

pintor. El poeta Vassily Maikov era un poeta satírico, autor de poemas, odas y fábulas. La cara y el cuerpo del poeta se destacan sobre el fondo oscuro. La facies rosada, la frente elevada y la sonrisa ligeramente irónica, revelan la inspiración y la habilidad de que estaba dotado el pintor e igualmente capta con gran maestría la vestimenta del poeta.

El Retrato de Alejandra Struiskaya (1772)En este lienzo plasma el encanto y la feminidad de esta bella

joven de 18 años de edad, es una apología a la belleza femenina.El Retrato de V. E. Novosíltsova (1780)Es ilustrativo de esta etapa de la evolución artística del autor. La



imagen la dama aparece como una mancha luminosa que se destaca del fondo oscuro. Su rostro ofrece una leve sonrisa y una mirada serena. La textura de la tela, se muestra con claridad.

Dimitri Levitski (1735-1822)Este pintor ha sido considerado como el más distinguido entre

los artistas del siglo XVIII. Nacido en Kiev, Ukrania en 1735 y muere en San Petersburgo en 1822. Recibió su instrucción inicial de su padre que era clérigo y grabador. Luego recibió su entrenamiento de A. Antrópov que llegó a Kiev con la misión de pintar el iconostasio de la Catedral de San Andrés y se lo lleva a San Petersburgo en condición de su discípulo. Es probable que también tomase lecciones con Jean Louis Lagrenée “el Viejo” y luego con Giuseppe Valeriani”.

Participa en la exposición de 1770 en la Academia de Artes, un hecho trascendente en su vida, en donde presenta seis de sus obras. “El retrato del arquitecto Kokorin” le hace acreedor al título académico. Recorre el camino desde el retrato oficial y semi oficial hasta el retrato de cámara. Sus pinturas en la segunda mitad del siglo XVIII se encuentra al nivel de las mejores obras del arte europeo, por su dominio del lenguaje pictórico y su capacidad de expresión del mundo interior, esto había sido logrado en un tiempo relativamente breve.

Obras:“El Retrato de P. A. Demidov (1773)En el se muestra a este rico comerciante, jardinero y filántropo

que señala con la mano dos plantas que simbolizan dos instituciones de enseñanza fundada por él.

“Los retratos de Catalina Jruschova y Catalina Jovranskaya (1773). Es el retrato de dos discípulas del Instituto Smólny que era el centro de educación de la nobleza y cuya patrona era la propia emperatriz.

“La Condeza Ursula Mnishek” (1782)En donde plasma el gracioso rostro de la Condesa y de la belleza

femenina.


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“El Retrato de María Dyakova” (1778)Es también otro elogio a la belleza femenina, a la dulzura y a la

armonía interior Levitski, sin lugar a dudas sobresalió en los diferentes géneros del retrato como una figura excepcional del siglo dieciocho.

Vladimir Borovikovsky (1757-1825)Es el último de los grandes retratistas rusos del siglo XVIII.

Nació en Ukraina en 1757. El padre, un cosaco, pintaba iconos. Sirvió en el ejército en donde alcanzó el grado de teniente y se retiró para dedicarse a tiempo completo a la pintura. Fue comisionado para pintar el iconostasio para la iglesia de Moguiliov y también para decorar la casa en donde se alojaría Catalina la Grande, en su gira por Crimea, lo cual le valió una invitación a San Petersburgo. En esta ciudad estudió bajo la dirección de D. Levitski y se convierte en retratista profesional.

Obras:El Retrato de la joven María Lopujiná (1797)Es un retrato emblemático de Borovikovsky. Ofrece la imagen

de una joven y bella dama con una cara encantadora que ofrece una expresión de languidez. Es un pintor que busca un estilo más natural y una mayor definición en sus imágenes.

Catalina II de paseo por el parque de Tsarskoe Seló (1794)Se representa a la emperatriz de paseo por sus propiedades

acompañada de su perro. Según se dice no fue del agrado de la zarina, pero tuvo importancia por el recuerdo que significaba para los rusos de su imagen.

El retrato de Alejandro Kurakin (Ca. 1801)Es la representación realista de un caballero perteneciente a la

nobleza rusa. Constituye la expresión más elevada del retratismo ruso diezochesco. Son notables la objetividad y la naturalidad con que se trata la figura de este personaje oficial. Borovikovsky, Levitski y Rókotov constituyeron una trilogía que elevaron y dignificaron el retratismo ruso durante el siglo XVIII.Siglo XIX

En los comienzos del siglo XIX, en el estilo clásico retratista se empezó a notar la influencia del romanticismo. Aparecen las figuras



de:Orest Kiprenski (1782-1836)

La obra de este autor eleva la pintura del retrato en los comienzos del siglo XIX. Este pintor recibió su entrenamiento en la Academia de las Artes que comenzó a la temprana edad de 6 años, donde permaneció durante cerca de 15 años. Recibió la influencia de G. F. Doyen y de G. Ugriomov, así como de Rubens, Van Dyck y Rembrandt, pintores que pudo estudiar en el Hermitage. Se graduó como pintor histórico (“Dimitri Donskoy en el campo de Kulokovo”) (1805), por el cual recibió la Medalla de Oro de la Academia. También recibió el nombramiento de Académico (1812), Consejero (1815) y Profesor (1830). Trabajo en Moscú, Tver y San Petersburgo y su carrera coincide con las guerras napoleónicas y el climax del romanticismo europeo. Recibió una beca para estudiar en Roma. Estudio con Camuccini, Canova y Thorvaldsen. Su fama se extendió por toda Europa, cuando la galería de los Uffizi le encargó un retrato y mereció comparaciones con Rubens, Van Dyck y Rembrandt. Recibió una invitación para exponer en el Salón de París (1822). Llevó una vida turbulenta y escandalosa. Murió de tuberculosis en Roma en 1836.

Obras“El Retrato del coronel de húsares E. Davidov” (1809)Plasma la figura de un elegante oficial de húsares, exponente del

movimiento romántico.El Retrato de Pushkin (1827)Es su obra maestra más conocida, en la cual el poeta se encuentra

de pie con los brazos cruzados, un chal le cuelga de su hombro derecho, sus ojos azules y fríos y sus rasgos presentan algo de su ancestro racial, su pelo rizado y su expresión es desdeñosa. En la parte posterior se observa una estatua que parece pueda referirse al conflicto entre clasicismo y romanticismo o al símbolo del poeta, la lira. El retrato según la apreciación del propio poeta era como una imagen en espejo del mismo.

El Retrato del joven Chelistchev (Ca. 1809)Pertenece al período moscovita en concordancia con el espíritu


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del romanticismo con su interés por la libertad de la personalidad y en el fluir de las emociones. En la imagen del joven logra capturar el estado emocional del mismo, el aire de serenidad y de concentración.

Kiprenski fue un sobresaliente retratista y el pintor verdaderamente romántico en los anales de la pintura rusa.

Vassily Tropinin (1776-1857)El pintor retratista Tropinin ocupa como Kiprenski la transición

del siglo XVIII al XIX. Nació en la provincia de Novgorod y murió en Moscú y fue siervo del Conde Márkov. Fue enviado a San Petersburgo para aprender el Arte de la repostería. Asistió a las clases de la Academia de las Artes a tiempo parcial (1799-1804). El Conde Márkov no le permitió que terminara sus estudios y lo llamó a sus posesiones en Ukrania donde permaneció hasta 1823, y cuando contaba 48 años se le confirió la libertad.

Recibió el Título de Académico (1824) y luego se estableció en Moscú, donde transcurrió el resto de su vida.

El arte ruso en los comienzos del siglo XIX, reflejaba el sentimiento nacionalista surgido a raíz de la “Guerra Patriótica de 1812”. Entre sus innumerables retratos seleccionaremos como:

Obras:El Retrato de cabeza de muchacho o de Arseny (1818). (Hijo

del pintor)Es uno de sus trabajos iniciales del pintor. En el rostro del

muchacho logra captar en su mirada la espontaneidad y la sensibilidad de la juventud.

La Encajera (1823)Muestra en este lienzo la inclinación por escenas de género,

probablemente bajo la influencia de artistas de los países bajos y es el pintor ruso del siglo XIX en mostrar esta influencia particular. La muchacha dedicada a este tipo de labores, muestra una graciosa actitud no exenta de coquetería.

Aleksei Venetsiánov (1780-1847)Se trata de uno de los fundadores del género campesino, concentra

su atención en temas reales y crea una nueva forma pictórica, la de un



personaje inscrito en un paisaje relativamente vacío. Era hijo de un comerciante de escasos recursos. Fue un autodidacta de la pintura. Se estableció en San Petersburgo (1802) y recibió clases con Borovikosky. Adquirió una pequeña posesión en la Provincia de Tver, donde fundó una escuela de pintura en especial para niños siervos. Su pintura estuvo dedicada a escenas de la vida campesina y a retratos de siervos.

Obras:Entre sus numerosas obras se pueden nombrar el “Granero” (1821)

que se encuentra en el Museo Ruso de San Petersburgo y En el campo: la primavera (1820)En esta se plasma la figura de una joven y graciosa campesina

dentro del paisaje vasto del campo arado, donde captura la poesía del campo ruso.

Zakharka (1825)Es un estudio de un joven campesino, hijo de una familia, los

Stepanovs, campesinos de la localidad. Tanto Aleksei Venetsiánov (1780-1847), retratista y pintor de género, como Karl Briulov (1799-1852), a quien debemos su “Autorretrato”, (1848) y en sus retratos, que al principio estaban impregnados por el espíritu romántico, luego evolucionaron hacia la incorporación de elementos psicológicos en la composición.

Karl Briulov (1799-1852) Se trata de un pintor que gozó de gran popularidad durante la

primera mitad del siglo XIX. Nació en 1799 en el seno de una familia de artistas. Realizó estudios durante diez años en la Academia de Artes y fue becado por la Sociedad para el Fomento del Arte para continuar estudios en el exterior. Fue un artista de transición entre las escuelas del “Neoclasicismo y del Romanticismo”.

En 1827 visita las ruinas de Pompeya y concibe la idea de desarrollar este tema que plasma “El último día de Pompeya”, lo que le daría gran fama como pintor. En 1833 presentó la obra al público en Roma, Florencia y Milán obteniendo un enorme éxito. El Zar Nicolás I le concede una medalla y toda la sociedad alaba su obra. Fue nombrado


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profesor de la Academia y empezó su actividad como retratista. Es en este género donde va a obtener sus mayores logros. Había estudiado a Rubens y Van Dyck y era un gran admirador del Veronés y de Miguel Ángel. Entre sus obras más importantes se destacan:

El Retrato de la Duquesa Elizaveta Saltykova (1841): muestra a esta dama lánguida y pensativa con un atuendo sumamente rico que contrasta con su pose sencilla. Tiene en la mano un plumero de pavo real y en los pies se encuentra extendida una piel de leopardo. Como fondo se observan las plantas del invernadero.

Retrato de la Condesa Samóilova abandona el baile con su hija adoptiva Amazilia Pacini (1842), San Petersburgo, Museo Ruso. Y el cuadro

Una joven amazona o Retrato de Giovanina Paccini (1832), muestra a una joven cabalgando en un caballo negro. Esta joven era protegida de la condesa J. Samóilova, amiga íntima de Bruilov y mujer de extraordinario talento. El cuadro es una apología a la belleza, a la juventud y al goce de vivir (Figura 4.12).

Ivan Kramskoi (1837-1887)Hacia los finales del siglo XIX surge este artista a quien nos

referimos anteriormente por su contribución a la pintura religiosa histórica y de género, pero que iba a alcanzar una actuación sobresaliente como retratista. Como ejemplos de su obra se pueden citar:

“El Retrato del Artista Ivan Shishkin” (1873), en donde muestra al compañero en el arte de la pintura.

“El Retrato de León Tolstoi”, (1873) (Figura 4.18) Para esta fecha Kramskoi vivía en una localidad cercana a la residencia de Tolstoi, en Yasnaya Poliana. En el retrato se destacan los rasgos del gran escritor: sus ojos penetrantes, su disposición a la intensa concentración mental, su postura natural, relajada, más la sencillez de su vestimenta. Kramskoi percibió en Tolstoi la figura ética ideal que el solicitaba. Se estableció un nexo de amistad entre el pintor y el escritor. Kramskoi se convertiría en el personaje del pintor en la novela de Tolstoi, “Anna Karenina”. Además cabe destacar:



“El Retrato del poeta Nikolai Nekrasov”, (1872), en donde se registran los últimos días de su existencia debido a una enfermedad fatal que lo aquejaba y

“La Pena Inconsolable”, (1884), en donde pinta a su esposa en posición de pie al lado de un ramo de flores, la cual está de duelo por la muerte de su hijo.

Vasily Perov (1833-1882) (Figura 4.19). Perov fue una de las figuras más sobresalientes de la pintura rusa

a mediados del siglo XIX, y será tratado posteriormente, en la sección de pinturas de género. Pero también contribuyó con su obra, al género retratista con lienzos de autores contemporáneos como Turgenev (1871) (Figura 4.20), Ostrovsky (1871), Dostoyevski (1872) y Dahl (1872). El artista vivió en una época en que la indiferencia social se consideraba como inmoral en Rusia. Perov fue el abanderado en establecer los principios del realismo crítico. Desarrolló en su pintura una fuerte inclinación por los problemas sociales. Su contribución se considera como un hito importante en la historia de la pintura rusa. Vasily Perov

Figura 4.18. León Tolstoi. 1873.


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Figura 4.19. Vasily Perov (1833-1882). Retrato del autor.

Figura 4.20. Retrato de Ivan Turgenev. 1872.

nació dentro del contexto de la lucha política de su padre el Barón G. K. Kreudener, quién había sido condenado al exilio en Siberia. En el fervor de sus luchas políticas, el Barón, descuidó la formalidad del



matrimonio de modo que, su hijo, no tenía nombre hasta que recibió el sobre nombre de Perov (del Ruso, “pero”, equivalente a pluma fuente), debido a su buena caligrafía. En 1846, entró a la Escuela de Arte de A.V Stupin, (1800) en Arzamas, a 400 millas al este de Moscú. Desde 1853 hasta 1861, estudió en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura en Moscú.

En sus obras critica la corrupción oficial y el tratamiento sin piedad al campesinado. Perov, fue el sucesor de Fedotov y uno de los precursores de los peredvizhniki o itinerantes. En 1862 se le concedió una beca por la academia y fue a Alemania y a Francia a trabajar con Meissonier y Courbet. En 1864 volvió a Rusia y produjo varios trabajos históricos. Hacia el final de su carrera enseñó en la escuela de Moscú.

El Retrato de Fiódor Dostoyevski (1872)Esta obra maestra de Perov, ocupa un elevado sitial en la

pintura retratista rusa. En este lienzo, el famoso escritor de la “Casa de los Muertos”, “Crimen y Castigo” y “El Idiota”, se encuentra maravillosamente reproducido. Se destacan en la composición las zonas de la cara y de las manos. El esquema de los colores se revela como muy apropiado. Refleja un hombre maduro, con señales de cansancio, que reposa en una silla. Su mirada está dirigida hacia su interioridad. Este lienzo nos permite evocar con nitidez la imagen del famoso escritor (Figura 4.21).

Ilya Répin (1844-1930)Este gran pintor ruso contribuyó con algunos famosos retratos

entre los cuales se cuentan los de Modesto Mussorgsky (1881), Streptova (1882), Stasov (1883) y León Tolstoi (1887), que son consideradas como obras maestras dentro de la pintura rusa y que constituyeron uno de los grandes legados de Répin.

El Retrato del Compositor Mussorgsky. (1881). El Realismo

En esta obra realizada poco antes de la muerte del músico, el pintor logra captar con extraordinaria habilidad la expresión facial del gran músico sus más íntimos sentimientos (Figura 4.22). Répin es uno de


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Figura 4.21. Retrato de Fiódor Dostoyevski 1872

Figura 4.22. Modesto Moussorgsky. 1881.



los representantes de la corriente del realismo en la Rusia de esa época. Ilya Répin y Vasily Surikov, van a ser las estrellas que dominan en el firmamento de la pintura Rusa en la segunda mitad del siglo XIX.

Valentin Serov (1865-1911). El gran retratista de la épocaNació en San Petersburgo, hijo del compositor Serov. Recibió

su entrenamiento con Repin en dibujo y pintura cuando era un niño, luego estudió en la “Academia de Artes” en San Petersburgo (1880-1885) con P. Chistiakov. Viajó a Alemania, Holanda y Bélgica en (1885). Luego, vivió en Moscú y enseñó en la Escuela Moscovita de Pintura, Escultura y Arquitectura (1897-1908). A partir de 1890, fue un participante habitual en las Exhibiciones Móviles de Arte y en 1894 se incorporó a la Sociedad de Artes Ambulatorias. Sus obras más importantes las desarrolló dentro del:

Género RetratistaEntre sus obras más reconocidas se cuentan: La “Muchacha con

Duraznos” (1887), el “Muchacho a la luz del Sol” (1888), los Retratos de Korovin (1891), Levitan (1893), Máximo Górky (1904) y de la actriz Yermolova (1905). Para esa época, Serov había alcanzado la reputación de ser el pintor retratista más fino de Rusia.

Dentro del PaisajismoSerov incorporó los logros contemporáneos alcanzados por la

pintura a “plein-air”. Obtuvieron reconocimiento general: “Una laguna crecida en Domotkanovo” (1888), “Octubre en Domotkanovo” (1895) “Campesina en una Carreta” (1896), “Invierno” (1898) y “Potros en un abrevadero”, Domotkanovo (1904).

Sus últimas pinturas reflejan la repercusión de los acontecimientos revolucionarios de 1905. Entre ellos se cuentan: “Soldados, soldados, héroes todos, a donde se ha ido toda vuestra gloria” (1905) y “El funeral de Nicolai Bauman en el 20 de octubre de 1905”.

“Muchacha con Duraznos”. “Retrato de Vera Marmontova”, 1887. (Figura 4.23) Muestra a una bella joven adolescente, de ojos negros, mejillas sonrosadas, cabellos ondulados y rebeldes los cuales contrastan con su blusa rosada pálida y su lazo azul marino. Está ubicada


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Figura 4.23. Retrato Vera Mamontova. 1887.

en un ambiente pleno de luminosidad y emite una imagen de juventud radiante y colmada de felicidad. Serov, tenía 22 años cuando pintó esta obra maestra. La joven era la hija de Savva Ivanovich Marmontova (1841-1914), un industrial y constructor de vías férreas así como un famoso Mecenas de las artes.

El Retrato de la Actriz Yermolova. Un tributo pictórico a las Artes Dramáticas (Figura 4.24).

Se presenta la figura de la actriz trajeada con la austeridad del negro que se destaca contra el fondo de la pared de tonos grises-azulados. Los pliegues del vestido se ven caer hacia el suelo y parecen formarle a la actriz un pedestal.

En su figura se destacan, la cara que parece reflejar el fuego interior que la anima y sus manos apretadas que parecen reprimir



sus sentimientos interiores. Esta obra maestra es percibida como un monumento pictórico a la grandeza del espíritu humano, a la dignidad y a la fortaleza del individuo (1). También son obras notables de Serov, las siguientes: El retrato de la Duquesa Yusúpova, (1902) y El Retrato de la Duquesa de Orlova, (1911), las cuales se encuentran en el Museo Ruso de San Petersburgo. Así como El Retrato de la Señora Morósova (1908), Galería Tretiakov.

Konstantin Somov (1869-1939)Este pintor ruso, discípulo de Répin, integró el grupo de la

“Asociación del Mundo del Arte” y fue uno de los representantes de la pintura rusa más distinguidos de los finales del siglo XIX y comienzos

Figura 4.24. Retrato de la actriz María Yermolova. 1905.


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del XX. Cultivó la pintura histórica, la de género y el retratismo, del cual es un magnífico ejemplo:

La Dama en Azul (Retrato de Yelizaveta Martynova). (1897-1900)

En el pintor evidencia en este lienzo su gusto por el pasado en el cual la modelo, vestida con un traje azul, de época antigua, muestra una cara triste, afligida y demacrada. El fondo presenta un paisaje idílico. Crea una imagen delicada y poética de una dama, que moriría poco después de haberse pintado el cuadro (Figura 4.25).

Martiros Saryan (1880-1972)Este sobresaliente pintor armenio desarrolló su máxima creatividad

durante el período Soviético y sobresalió por su estilo denominado “Sariniano”, caracterizado por su fresca perspectiva del mundo. Se destacó en sus paisajes de Armenia, su tierra natal, con sus vistas de grandes escenarios, como se revela en “Las Montañas” con el despliegue de un vasto mundo y sus campos están representados con hermosas franjas de colores, sus contrastes de líneas y colores que manifiestan

Figura 4.25. La dama en azul 1897-1900.



la belleza de su tierra Armenia.En el retratismo ofrece varias obras entre las cuales se encuentran,

en la Galería Tretiakova, la llamada “Mi Familia”, en la cual se puede observar el uso expresivo del color, que se introduce en la pintura Rusa en el retratismo, a partir de las primeras décadas del siglo XX (Figura 4.26).3. Pintura HistóricaSiglo XVIII

El desarrollo de la pintura en Rusia, tuvo como punto de partida la temática religiosa y la pintura de los iconos. La pintura histórica comenzaría a partir del siglo XVIII y especialmente a partir de la fundación de la Academia de Bellas Artes (1758). Pero debido a la influencia del clasicismo dominante, la pintura rusa experimentaba la influencia que ejercían la antigüedad clásica y la mitología en el arte.

Figura 4.26. Mi familia. Se puede observar el uso expresivo del color, que se introduce en la pintura Rusa en el retratismo, a partir de las primeras décadas del siglo XX.


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Tal es el caso que se muestra en la pintura deAntón Losenko (1737-1773)

Pintor ruso neoclásico, quien fue uno de los primeros pintores históricos, que inició su formación con Ivan Argunov y después a partir de 1758 en la Academia, recibió una beca de estudio que lo llevó a París y Roma, donde se familiarizó con el Arte Europeo. El siguiente lienzo a considerar del autor es típico de la pintura histórica del siglo XVIII.

Héctor despidiéndose de Andrómaca (1773)El tema escogido por el pintor se refiere al episodio de la Ilíada de

Homero, en que se representa a Héctor, hijo del Rey Trojano, Priamo, cuando se despide de su querida esposa Andrómaca y de su hijo poco antes de partir para defender a su ciudad nativa. Losenko buscó expresar el conflicto emocional que se produce entre su amor familiar y el sentido del deber cívico que estaba obligado a cumplir. Sigue el estilo clásico, con un elemento de teatralidad, pero sin embargo logra dar a sus personajes el calor humano necesario (Figura 4.27).

Figura 4.27. Anton Losenko. Hector despidiéndose de Andrómaca (1773).



Después de su periplo por Europa, Losenko volvió a San Petersburgo en donde obtuvo el título de Académico y también pasó a ocupar la posición de Profesor y desempeñó el cargo de Director de la Academia, hasta su muerte ocurrida en 1773.

Karl Briulov (1799-1852)Briulov quien ya fue mencionado anteriormente, así como su obra

de carácter histórico titulada “El Último Día de Pompeya” (1830-1833), cuadro este que produjo una gran conmoción en toda Europa y le valió al artista numerosos honores que incluyeron el “Gran Premio en el Salón de Paris” y que fue el lienzo que lo acreditó como el pintor más grande en la Rusia de su tiempo (Figura 4.28).Siglo XIX

Ilya Répin (1844-1930)También este pintor se distinguió por sus contribuciones en el

género histórico. Dotado de un gran talento, dejó una huella imborrable en el desarrollo del arte ruso. Nació en Chuguyev en la provincia de Karkov. Estudió en la Academia de Artes de San Petersburgo (1864-1871). Gana la Medalla de Oro siendo becado a Italia y Francia (1872-1876) y después viajó extensamente por Rusia y Europa. Profesor en la Academia de Artes (1894-1897). Miembro de la “Asociación de Exhibición de Artes Circulantes”. Participó en numerosas exhibiciones nacionales e internacionales.

Entre sus lienzos más conocidos figuran:Los Boteleros del Volga (1870-1873)

Destinado a mostrar el enorme sufrimiento de la gente común, es un estudio sobre el trabajo inhumano y la degradación que esta conlleva. Esta conocida obra hizo famoso a Repin y se encuentra en el “Museo Ruso” de San Petersburgo (Figura 4.29).

Aun dentro de esta terrible situación en que se encuentran los boteleros todavía tienen esperanzas, que Répin encarna en el joven dentro del grupo que levanta sus ojos del piso y dirige su mirada hacia el Volga y las llanuras distantes. Este lienzo de Repin fue adquirido por el Gran Duque Vladimir Alexandrovich y pasó a convertirse en un icono de la Rusia sufriente.


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Figura 4.28. Karl Briulov. El último día de Pompeya (1830-1833).

Figura 4.29. Los Boteleros del Volga.

La procesión religiosa en la Provincia de Kursk (1880-1883)

El tema central es el de una procesión que se desplaza en un ambiente de sequía en torno del Icono milagroso y que se encuentra



integrada por un universo abigarrado, verdadera enciclopedia de la vida rusa de ese tiempo.

La figura central en la composición es la de un diácono que es mostrado con una actitud de presunción y luciendo una casulla con un magnífico brocado. Otro personaje, ubicado por detrás del primero, es el de una dama adornada excesivamente, que es portadora de otro icono y que se encuentra presionada por la gente que la rodea, entre los que se encuentran los “Padres de la Ciudad”. La abigarrada multitud, un verdadero torrente constituida por gente de muy diversos estratos sociales y en donde abundan los contrastes: la fuerza bruta representada por el hombre de látigo y los que están movidos por la fe, como son los portadores del icono y la figura del pobre jorobado inválido, en cuyo rostro, Repin logra plasmar la pureza interior, su espiritualidad que contrasta con la hipocresía e insensibilidad de otros (Figura 4.30).

“Ellos no lo esperaban” (1884-1888)El tema central de este lienzo es el del retorno inesperado de un

revolucionario exilado en Siberia, a su medio familiar (Figura 4.31). La figura del héroe, muestra en su rostro una mezcla de alegría por su

Figura 4.30. La procesión religiosa en la Provincia de Kursk.


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retorno al hogar y de culpa por el sufrimiento inflingido a su familia. La iluminación está dada por el lado izquierdo y por la puerta del fondo. Su cara está demacrada, sin afeitarse. Sus ojos brillantes y febriles, sus cabellos están cortados cortos y luce un desgastado abrigo.

La respuesta familiar: la madre se incorpora de la poltrona para recibir al hijo. Los hijos, la esposa y la criada son los otros caracteres que reflejan su asombro ante la llegada inesperada.

Repin plantea el sufrimiento que experimentó la inteligencia democrática en Rusia frente al autoritarismo y al mesianismo. El cuadro es notable tanto por su valor artístico como por su contenido ideológico.

Iván el Terrible y el cuerpo de su hijo IvánNoviembre 16- 1581 (1885)Este lienzo fue presentado en la treceava exhibición de los

“peredvizhniki” en 1885 y en donde el autor revela su dominio sobre

Figura 4.31. “Ellos no lo esperaban” (1884-1888).



el modo anecdótico. En el lienzo se muestra a Iván el Terrible, loco de pena, abrazando el cuerpo de su hijo Iván, a quien acaba de asesinar en un ataque de furia. Repin así describe el acto, horrorizado por las consecuencias de la tiranía. El cuadro lo empezó poco después de la ejecución de los revolucionarios que habían asesinado al Zar Alejandro II y “sobrecargado con las emociones de los horrores de la vida contemporánea” (Figura 4.32).

Los Cosacos Zaporozhian escribiendo una respuesta al Sultán de Turquía (1880-1891)

Esta obra se encuentra en el Museo Ruso de San Petersburgo. En el lienzo, Répin describe los tipos raciales del Sureste de Rusia y logra mezclar un elemento de criticismo social, ya que los cosacos habían sido un pueblo independiente y amantes de la libertad, pero ahora eran notables por el salvajismo con que aplastaban las demostraciones y disturbios a favor de la causa de los Zares (Figura 4.33). En su tiempo Répin fue objeto de elogiosas comparaciones con Velásquez y Hals, y en realidad la naturaleza lo había dotado de una enorme habilidad

Figura 4.32. Iván el Terrible y el cuerpo de su hijo Iván.


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que le acerca a estos autores (11). Hemos descrito previamente, su excelente contribución en el género retratista.

La figura más destacada en el género histórico dentro del grupo de los itinerantes fue:

Vasily Surikov (1848-1916)El más grande pintor histórico de Rusia.Nació en Krasnoyarsk en el seno de una familia de “Cosacos”

cuyos antepasados con Yermak Timofeevich (? – 1585) a la cabeza, emprendieron para Rusia la conquista de la Siberia. Estudió en la Academia de Artes de San Petersburgo (1869-1875), bajo la tutela de Chistiakov. Participó en las Exhibiciones Circulantes de Artes y se hizo Miembro de esta Sociedad. En 1874 se instaló Moscú en forma permanente y es cuando empieza su gran contribución a la pintura la cual estaba destinada a plasmar eventos históricos trascendentales. Surikov fue el pintor histórico ruso que le dio a las masas populares en sus pinturas el carácter de héroes (14).

Figura 4.33. Los Cosacos Zaporozhian escribiendo una respuesta al Sultán de Turquía.



ObrasEntre sus obras más sobresalientes se encuentran:“La mañana de la ejecución de los Streltsy” (1881); “Menshikov

en Beriosov” (1883); “La Boyarina Morosóva” (1887); “La toma de una fortaleza de hielo” (1891); “La Conquista de Siberia por Yermak” (1895); “El Cruce de los Alpes por las tropas Rusas bajo Alexander Suvorov en 1799” (1899); “Stepan Razin” (1906).

Su pintura se destaca por la intensidad dramática, y por referirse a fuertes personalidades que encarnaron a las fuerzas conflictivas presentes en la historia en un determinado contexto. Dentro de este conjunto de obras resaltan dos de sus más grandiosas y complejas obras, donde desarrolla como tema central el eterno conflicto que se presenta entre los derechos del individuo y el poder del estado.

La mañana de la ejecución de los Streltsy (1878-1881)En este gran lienzo, Surikov plasma los acontecimientos sucedidos

en septiembre de 1698, cuando ocurre el episodio de los Streltsy (regimientos militares regulares) que habían participado en varias rebeliones en contra de la autoridad de Pedro I el Grande. La última rebelión ocurrió cuando el Zar se encontraba en el extranjero, lo que lo obligó a retornar a Rusia. Las ejecuciones de los rebeldes comenzaron en 1698 y se prolongaron por 2 años, en diferentes lugares de Moscú. Los cuerpos se colocaban en la picota para provocar el escarnio en la población (Figura 4.34).

El lienzo se desarrolla en el marco de la Plaza Roja de Moscú, en un día sombrío de otoño cubierto de nubes grisáceos, se muestra el piso encharcado y en donde las carretas que llevan a los condenados dejan ver sus ruedas. Los Streltsy aparecen con sus familiares, con los guardias, los caballos, las ruedas, el todo formando una multitud abigarrada y confusa. Logró el pintor una composición realista, con una novedad, que es la ausencia de un punto focal en la misma.

Los condenados constituyen los puntos focales con el grupo de familiares y con los guardias, los cuales sostienen velas que muestran diversos grados de extinción. Estos son, el primero, el solitario que se encuentra a la izquierda, uno de los Strelets, que tiene la cabeza


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inclinada y no hay guardias ni familiares a su alrededor, es el último que está en la cola de la muerte. El segundo, el barba roja que mira agresivamente al Zar. El tercero, es el barbi-negra, a quien el guardia le quita las cadenas y la esposa que se encuentra a su lado, lo despoja de su túnica mientras el dirige una mirada de odio hacia la comitiva del emperador. El cuarto, es el del pelo gris que se encuentra más cerca de la muerte, el cual está acompañado por una joven llorando y por un muchacho, mientras un guardia le apaga el candil. El quinto muestra una figura alargada con la cabeza inclinada para despedirse del pueblo y de la vida, sostenido por un guardia. Parece sugerir la figura de un antiguo icono o la silueta de un hombre ahorcado. El sexto, es el de un Strelets que es llevado por los soldados y lo separan de su sollozante esposa y del hijo. La última figura, es la de la esposa de un Strelets, que se encuentra solitaria, está sentada en la tierra y con el rostro oculto, con el manto y la vela extinguiéndose que es lo único que queda del esposo que acaba de ser llevado a la horca.

El Zar y su séquitoLa figura a caballo colocada a la derecha es la del Zar Pedro

I, quien en su rostro muestra la mirada de ira que lo embarga y su determinación de extirpar de raíz a la especie de los Streltsi. Su mirada

Figura 4.34. La mañana de la ejecución de los Streltsy.



se cruza especialmente con el barba roja Strelets, el rebelde indomable del grupo. Surikov expresa en el lienzo el conflicto irreconciliable de las fuerzas opuestas. Dentro del séquito que lo acompaña, figuran algunos personajes: el oficial, con túnica marrón colocado en frente de Pedro, que sostenía el tricorno del regimiento, quien es el favorito del Zar y ayudante voluntario Alejandro Menshikov. A su derecha, coloca a dos personajes extranjeros: al Embajador de Austria y su Secretario. Detrás de ellos se observa el rostro del boyardo (señor feudal ilustre en Rusia) y Príncipe Mijail Cherkassky quien era un hombre patriarcal, muy honesto, que apoyaba al Zar.

En el carruaje real a través del cristal apenas se discierne el rostro atemorizado de una de las hermanas de Pedro, probablemente María Alexeyevna, partidaria de los Streltsy que fue llevada a la plaza para que presenciara la espantosa ejecución. Colocados en la parte alta del carruaje se observa a dos moros que portan turbantes.

Los guardias (preobrazhensky) están colocados alrededor de los condenados. Surikov muestra las dos fuerzas plasmadas en el lienzo: la de los Streltsy, como representantes de la Rusia patriarcal y los regimientos al servicio de Pedro El Grande que personificaban a la nueva Rusia occidentalizada.

El esquema de color es también de un mérito muy importante, aun cuando, las combinaciones de color que utilizó fueron progresando en obras posteriores como “La Boyarynia Marózova, Yermak y otros. Este cuadro cuyo inmenso mérito es el realismo en la temática histórica provocó un enorme impacto en la Sociedad Rusa de su tiempo y es considerado con justicia, como una de las obras maestras de Surikov.

Menshikov en Beriozov, 1883. Una caída en desgraciaEl personaje central del cuadro es la figura de Alexander

Danilovich Menshikov (c.1660-1729) quien se había desempañado como Mariscal de Campo Ruso, como hombre de Estado y como el asociado más cercano que tuvo Pedro el Grande, a quien acompañó en sus viajes a Holanda e Inglaterra. Pasó luego a servir con Catalina I y con su sucesor Pedro II con quien también ocupaba una posición importante. Menshikov aspiraba a casar a su hija María con el joven


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Zar. Pero un complot de la vieja nobleza hizo que fuese arrestado el 8 de septiembre de 1727 y luego enviado como desterrado a la ciudad Siberiana de Berezovo, además ser condenado a que se le confiscasen todos sus bienes (Figura 4.35).

La ubicación de la escena se encuentra dentro de un ambiente limitado, en el interior de una cabaña de madera, con una iluminación mortecina, la cual está situada en Berezovo, en donde se encuentra Menshikov acompañado de sus cuatro hijos, pues la esposa había fallecido poco antes en el trayecto. Menshikov, se encuentra sentado, cubierto con un modesto abrigo de piel, inmóvil pero en cuyo rostro se muestra lo reprimido de su estado emocional. Surikov logra captar la recia personalidad del personaje el cual se encuentra colocado en una situación de trágico aislamiento, aquel hombre que había desempeñado elevados cargos y había gozado anteriormente de grandes favores en la Corte.

Figura 4.35. Menshikov en Beriosov.



Los HijosAlrededor del padre se encuentran los hijos. A sus pies, se ubica

la hija mayor María, que hasta hacía poco era la prometida del joven Zar Pedro I. Su cara triste, con su rostro pálido y sus ojos negros reflejan la nostalgia por los tiempos pasados. El tratamiento del color de su capa, que es de color violeta con ribetes negros, alcanza un valor simbólico y acentúa el tono de melancolía imperante. Efectivamente, se trata de una joven enferma que moriría algún tiempo después, y quien se cubre con su manto el cuerpo para darse calor.

La antitesis de estos dos personajes es tajante, son dos personalidades diferentes, el padre fuerte y tenso, la hija frágil y pasiva. A la izquierda del padre, se encuentra el joven Alejandro que apoya en su brazo, la cabeza en cuyo rostro en el que también se muestran las señales de abatimiento, de tristeza. Este grupo de los tres personajes están unidos por el común denominador de un estado emocional particular que es reflejado por un esquema de colores, en que predominan el gris oscuro, los azules y marrones. El cuarto personaje es Alejandra, la hija menor que pone una nota de contraste, dedicada a la lectura, que expresa vitalidad, optimismo y vigor, cualidades heredadas que poseía el padre. Su traje presenta colores más vivos, su pelo dorado, sus mejillas se ven sonrosadas. Sobre la mesa central están colocados, en una especie de “Naturaleza muerta histórica” (14) un candelabro en espiral con un candil cuya cera, el joven quita con su mano izquierda, representa la época antigua y a la derecha se encuentra el manuscrito iluminado que sugiere los tiempos modernos.

La luz proviene de dos fuentes: la ventana del fondo y la luz de la iluminación de la esquina superior derecha en donde se encuentra el Icono de la Virgen María. En el lado derecho, debajo de los Iconos se encuentra una mesa cubierta por un fino mantel tejido en oro, en un estilo antiguo típicamente ruso, encima del cual se encuentra una Biblia y un candelabro.

El cuadro se propone mucho más allá de establecer el contraste entre el lujo y la pobreza reciente, sino que también aborda el tema de dos épocas, la anterior denominada Petrina, una época de grandes


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reformas, en las cuales Menshikov había participado, y la época posterior, en que se pinta la caída en desgracia en que se hundieron numerosas favoritos del Zar, después de su muerte.

La Boyarda Morozova, 1887El tema históricoEste lienzo de Surikov sobre un tema de carácter histórico

representa un hito importante de la historia de la pintura, por su maestría artística y su profundidad psicológica (14).

El tema histórico que se desarrolla es el de un trágico conflicto, originado por las reformas religiosas que estaban dirigidas a subordinar la Iglesia al poder del Zar Alexey Mijailoivch Romanov (1629-1676) quien fue el padre de Pedro I el Grande. Se trataba de implantar a la fuerza el “Ritual Griego” y al mismo tiempo, perseguir las sagradas costumbres de la Iglesia Rusa. Entre esos cambios, por ejemplo, cabe señalar el de persignarse con tres dedos en lugar de dos. Como se verá en el cuadro que vamos analizar de la Boyarda, la cual constituye el personal central del cuadro, ésta eleva el brazo con dos dedos (el signo del cisma) como testimonio de su firme adherencia a la creencia en el antiguo rito.

El cisma se produjo en la Iglesia Ortodoxa Rusa, dividiéndose entre los “Nikonianos” (por el patriarca Nikon) que promovían las reformas y los antiguos creyentes que eran los seguidores de Avvakum). La Boyarda (dama perteneciente a la antigua nobleza rusa; boyardo es el término aplicado para el varón). Morozova (1632-1675) pertenecía al bando de los antiguos creyentes e incitaba al pueblo a la rebelión. Tenía como base también, el choque producido por la protesta popular en contra de la autoridad monárquica.

El personaje central es esta heroína, firme en sus convicciones religiosas y que se atreve a incitar a las masas para desobedecer al patriarca y al Zar. Expresión del sacrificio femenino y del apoyo que ella le brinda a las actividades revolucionarias, al movimiento populista, en contra de la autoridad del Zar, que la llevan finalmente a la prisión, al exilio y a la muerte en la pequeña ciudad de Borovsk en 1675.

Los elementos del lienzo. El Sacrificio



La figura central es como ya se mencionó la noble mujer, la Boyarda Morozova, (Figura 4.36) la cual es conducida encadenada, sobre un rústico trineo de madera y paja, a través de una multitud que llena las calles medievales de Moscú, con la intención de someterla al escarnio público. Su rostro muestra un estado de éxtasis religioso y dirige su mirada por encima de la multitud, hacia el icono de la Virgen Sagrada. Su cara se muestra pálida, cenicienta. El color negro de su vestimenta contrasta con el amarillo de la paja y con la blancura de la nieve. Su figura domina la escena, sus ojos resplandecen, su belleza trágica expresa el sufrimiento, el poder interior y el fervor que embarga, a aquella mártir ascética, que defiende la adherencia a la antigua fe y a las tradiciones, hasta llegar al sacrificio a causa de esas profundas convicciones.

La multitud está integrada por una masa de gente de diversos tipos, tratados con suma maestría, que colocan a la obra en el cenit del arte realista. Describe los diferentes personajes presentes en esa abigarrada multitud, los simpatizantes (colocados a la derecha), y los adversarios (a la izquierda) y un grupo de indecisos. Los del lado izquierdo, los enemigos, dejan ver sus malévolas sonrisas, entre los que destaca la figura del Sacerdote Burlón. La Boyarda inclinada,

Figura 4.36. La Boyarda Morozova.


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“los yurodivi” (pordioseros atontados) como el que se encuentra encadenado, autoflagelado y que hace el signo de la cruz con dos dedos, la pordiosera arrodillada, la figura del peregrino el cual es presentado con su pecho recubierto de cordones, y lleva colgando una cesta y con sus manos sostiene su inseparable bastón, e inclina su cabeza hacia la mujer mártir y también muestra en su rostro la actitud reflexiva ante la tragedia. Hay otro personaje, el de la joven monja de pálida faz, quien escruta toda la escena.

Después se visualizan las dos Boyardas: una que es la joven portadora del manto azul y de la pañoleta amarilla, con la mirada dirigida hacia abajo, quien es la que escoge el camino de la vida fácil y de lujo, que conlleva la sumisión y la otra, que se presenta con las manos cruzadas sobre el pecho, la cual es una figura que muestra con simpatía hacia la Morozova. Las dos imágenes son creaciones sublimes. El atuendo refleja el buen gusto en el vestir de la mujer rusa.

Al lado, se encuentra la imagen de la monja anciana que esta cubierta de una hermosa pañoleta estampada. Detrás de la niñera de las Boyardas, aparecen la imagen de un monje del Sur (un “Greco”) invitado por Nikon que se acaricia con la mano la barba, el cual es un enemigo de la causa de la Morozova.

La princesa Urosova, quien porta un manto violeta y un gorro con incrustaciones de grandes perlas que se encuentra ricamente bordado. Contempla a su hermana como si esta fuese una santa y se muestra decidida a compartir su trágico destino. El arcipreste Avvakum llamaba a las hermanas Morozova y Urosova, como “el sol y la luna de la tierra rusa”.

Otros personajes, como es el que se encuentra al lado de la princesa Urosova con barba y bigotes, es el hombre de la duda, que vacila entre las dos corrientes que se presentan opuestas. Al lado se encuentra la joven monja, asustada, que lleva el rosario y los muchachos felices, sin preocupaciones que representan la pureza y la espontaneidad de las emociones en esa edad. Otros dos muchachos están colocados en el elevado pedestal de la iglesia. Del lado izquierdo, se encuentra la figura del conductor del trineo, el sacerdote Nikoniano, que se cubre



con un abrigo de color violeta oscuro, con un cuello de piel de zorro, quien muestra su boca casi desprovista de dientes y que exhibe una sonrisa sardónica. Surikov, señala así al hombre insignificante que se regodea con la muerte de alguien por su devoción y que está decidido a sufrir por sostener su causa.

Surikov, había asimilado las innovaciones de los grandes maestros del Renacimiento y dominado los esquemas de color de los maestros venecianos. Alcanza una hondura verdaderamente Shakespireana en los contrastes establecidos entre la riqueza y la pobreza, entre los nobles y los pordioseros atontados, los “yurodivi”. Surikov maneja admirablemente el esquema de colores ajustado a principios realistas y utilizado como el medio de lograr expresar su mensaje filosófico. Se destaca el contraste blanqui-negro entre la negra indumentaria de la Morozova y la blancura de la nieve. El contraste a la derecha, de la joven del pañolón negro, con el rostro rojo amarillento del sacerdote de la sonrisa sardónica, en el lado opuesto. También se observa la cuidadosa selección hecha de los colores, para la gente y los edificios lo cual suministra la atmósfera histórica adecuada y logra inducir el contenido filosófico y emocional de la obra.

En síntesis, en esta obra maestra de Surikov se desarrolla un tema histórico, con un gran realismo donde se ponen en evidencia las fuerzas opuestas que actúan en esta tragedia nacional. Destaca la firme convicción del personaje central y la participación de las masas y con su esquema de colores empleado logró recrear el ambiente de la época y le confiere un profundo contenido filosófico y emocional.

Sin lugar a dudas, Surikov fue el más grande artista del género histórico en la Rusia de su tiempo, creó obras históricas muy apegadas a la realidad, despojadas de simulaciones, de implicaciones morales o de sentimentalismos. En su pintura expone el tema de la lucha revolucionaria contra el régimen autocrático. También hizo notables contribuciones dentro del género del retratismo: Retratos de Musorgsky (1881), Strepetova (1882), Stasov (1883) y Leo Tolstoy (1887) que están considerados como obras maestras dentro del arte pictórico ruso.


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Consideraciones finalesEl propósito de este trabajo ha sido el de exponer una introducción

al auténtico “Arte Pictórico Ruso”, el cual desafortunadamente, es poco conocido en nuestro medio, para lograr una mayor divulgación del mismo en nuestro país.

El estudio se centra sobre la Galería Tretiakov, museo moscovita y uno de los de mayor importancia en la Unión Soviética así como uno de los más grandes del mundo el cual se ofrece una visión panorámica sobre el arte ruso. Su fundación se debió al magnate y filántropo Pavel Mijailovich Tretiakov, hombre culto y de excepcionales condiciones humanas. El movimiento de los denominados “Itinerantes” o Ambulantes, tuvo una significación histórica muy especial en el desarrollo del arte pictórico ruso.

Se hacen consideraciones sobre los orígenes del arte pictórico ruso, sobre todo en el campo de los magníficos. Iconos que en la actualidad es la más bella y completa colección de todo el país así como de los grandes artistas reconocidos en este género.

Se hace una breve síntesis sobre evolución de la pintura rusa destacándose la importancia de las denominadas “Reformas Petrinas” y de la fundación de la “Academia de las Artes”, en el desarrollo cultural y artístico de Rusia.

Se hace una enumeración de los magníficos monumentos que se encuentran en el interior del Kremlin y de las maravillosas obras de arte contenidas en este recinto.

En el trabajo se desarrolló en la primera parte, el Arte Ruso Antiguo y la obra de las diferentes Escuelas así como de los artistas sobresalientes en esa época. En la segunda parte se desarrolla el Arte Ruso en los siglos XVIII-XIX-XX y a fines expositivos se sigue la clasificación en los siguiente géneros: 1) Pintura religiosa. 2) Pintura retratista. 3)Pintura histórica los cuales son los temas objetos del presente trabajo. Serán considerados en una siguiente presentación los temas restantes. 4) Pintura de género. 5) Paisajismo.6)Naturaleza muerta. 7) Vanguardismo y Arte Revolucionario.

En los comienzos del siglo XX el arte ruso alcanza un notable



grado de desarrollo y sobresale por la diversidad y complejidad de las búsquedas estéticas. Surge el Vanguardismo ruso. Con la instalación de la Nueva República Socialista emerge el Arte Soviético que impone una nueva orientación al arte ruso y se enmarca dentro de un sistema político rígido.

REFERENCIAS

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Introducción al Arte Pictórico Ruso. La Galería Tretiakov

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