ernest chausson - IDAGIO

2 Ernest CHAUSSON 3Concerto & Chansson perpétuelle

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ERNEST CHAUSSONParís, 20 de enero de 1855– Limay, cerca de Mantes, Yvelines, 10 de junio de 1899

Con una alta formación, talentoso y con suficientes recursos financieros disponibles, Chausson dividió su tiempo entre innumerables actividades. Siguiendo los deseos de su padre, obtuvo un doctorado en derecho y se desempeñó como abogado en París. Incursionó en la poesía, fue conocido como un pintor dotado y coleccionista de arte codeándose con muchos de los artistas más importantes de la época. Al culminar su carrera en leyes a los veinticinco años, decidió que la música, entre todas las artes, lo atraía más e ingresó al Conservatorio de París, donde se convirtió en alumno de Jules Massenet y Céºsar Franck. A pesar de su inicio tardío y muerte prematura a los cuarenta y cuatro años por un accidente de bicicleta, sus logros compositivos fueron notables. Entre sus obras más exitosas se encuentran su Concert para piano y violín solo con cuarteto de cuerdas, Poème para violín y orquesta, el Cuarteto para Piano en La Mayor, y la “Chanson perpétuelle” (Canción eterna).

Concierto para Violín, Piano y Cuarteto de Cuerdas en Re Mayor, op. 21

Escrito entre 1889 y 1891, el Concert es una obra única en el repertorio de la música

de cámara compuesta para violín y piano (solistas) y cuarteto de cuerdas. Chausson lo tituló “Concert”, (vocablo francés para concierto) en lugar de “Sexteto”, sin embargo, la obra se encuentra entre un doble concierto, en el que los dos instrumentos solistas se enfrentan a una orquesta completa, y un sexteto, en el que todos los instrumentos son más o menos iguales.

Chausson dedicó el Concert a Eugène Ysaÿe, quien interpretó la parte de violín cuando se estrenó la obra el 4 de marzo de 1892 en Bruselas. El Cuarteto Crickboom interpretó la parte para cuarteto de cuerdas, y Auguste Pierret fue el pianista que salvó el día cuando el pianista programado originalmente devolvió las partituras inesperadamente alegando que la obra era demasiado difícil. (Chausson dedicó su próximo trabajo de cámara, el Cuarteto para Piano, op. 30, a Pierret en agradecimiento por su exquisita interpretación). Chausson, un compositor continuamente plagado de dudas, estaba fascinado por el éxito inminente del Concert. Escribió en su diario: “¡Nunca he tenido tanto éxito! No salgo de mi asombro. Todos parecen adorar el Concert. ¡Muy bien ejecutado, hubo momentos maravillosos y que nivel artístico de interpretación! Me siento ligero y alegre, algo que no he sido en mucho tiempo. Me ha

hecho bien y me ha dado temple, yo creo que trabajaré con más confianza en el futuro”.

El notable motivo de tres notas que da inicio a la introducción proporciona la célula germinativa de un íntegramente apasionado primer movimiento, que se despliega perfectamente en forma de sonata romanticista. Chausson prolonga el substancial tema lírico propio de esta forma, liderizado por el violín solista. Incorpora el cautivador segundo tema en fragmentos vacilantes al principio, pero es este mismo tema el que proporciona el clímax del movimiento cuando emerge—con el violín solo en dobles cuerdas de octava—antes del contemplativo cierre.

Chausson tituló al sutilmente melancólico segundo movimiento como “Sicilienne” en un guiño al pasado, refiriéndose a un popular tipo de movimiento instrumental con métrica de (6/8 o 12/8) y ritmos punteados frecuentes (largo-corto-largo). La textura se engrandece por un breve pico, luego se desvanece etéreamente.

Basado en dos temas igualmente oscuros, el tercer movimiento, Grave, es uno de los más melancólicos y cromáticos del repertorio. Chausson comienza con el piano y el violín solo, en líneas sinuosas y de movimiento lento que pintan las imágenes más

sombrías. Un desarrollo más agitado agrega una sensación de presentimiento, que encuentra breves momentos de luz antes de que la oscuridad descienda nuevamente. En la recapitulación, el regreso del segundo tema se construye ominosamente para llegar al climático y desesperado retorno del primer tema, antes que el movimiento se mitigue en un escalofrío aterrador.

El final disipa el estado de ánimo trágico con ritmos precipitados y fragmentos danzantes de la melodía que forma su tema principal, sin embargo, este movimiento no es menos cromático que el anterior. Chausson emplea una forma rapsódica que muestra similitudes al rondo con su regular, y al mismo tiempo variado, retorno del vivaz tema principal. Debido a que este tema proporciona material para gran parte del movimiento, incluido el segundo tema / episodio, el compositor Vincent d’Indy, quien realizó el arreglo para el estreno de la obra, describió el movimiento en términos de variación. A medida que el final se desarrolla, Chausson, siguiendo los pasos de su maestro César Franck, rememora temas de movimientos anteriores para lograr unidad cíclica. El segundo tema del Grave retorna en varias ocasiones y hace una reaparición climática justo

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antes del final, seguido del tema principal del primer movimiento. Chausson cierra enfáticamente con una versión final del motivo de tres notas con el cual se introdujo la obra.

Chanson perpétuelle, op. 37

Chausson compuso su “Chanson perpétuelle” en diciembre de 1898 para la soprano Jeanne Raunay, quien la estrenó el 28 de enero de 1899, con una calurosa recepción. El creó tres versiones: una con acompañamiento de piano, una con orquesta y otra con piano y acompañamiento de cuarteto de cuerdas, que es la versión que se realiza con mayor frecuencia. Chausson había descubierto recientemente a los novelistas rusos Dostoievsky, Tolstoi y Turgenev—su famoso Poème (op. 25) fue inspirado en una novela de Turgenev—y se había sumergido en la poesía simbolista con obras tales como las de Verlaine, Rimbaud y Charles Cros, autor del texto.

No solo un poeta, pero a su vez un inventor que propuso métodos de fotografía a color y de grabación de sonido. Cros había ganado los elogios de Verlaine por su colección de 1873 Le coffret de santal (El cofre de sándalo), cuya primera sección fue retitulada Chansons perpétuelles

alivio al estado de ánimo cuando recuerda su felicidad incipiente. Los trémolos de las cuerdas sugieren su éxtasis y estremecimiento, y sutilmente, el movimiento del acompañamiento se desplaza a un registro mas alto evoca su sueño tranquilo. Sin embargo, la agitación se establece, cuando relata la partida de su amante—retomando su melodía de la apertura ahora acompañada por una nueva versión de la frase introductoria que se eleva a un pico angustiado.

Ella regresa al presente: “Puisque je n’ai plus mon ami” (Como ya no tengo a mi amante), y se prepara para ahogarse, su angustia se desvanece en una especie de paz mientras vuelve a las imágenes de la naturaleza. Mientras se imagina siendo acariciada por su amante en el enredo de juncos verdes del estanque, alcanza un clímax entusiasta, dejando que el piano y las cuerdas mueran gradualmente, con un último indicio de la frase “eterna” en la viola.

©Jane Vial JaffeTraducción: Simón Gollo

(plural) en la segunda edición de 1879. Chausson seleccionó el poema Nocturne para su “Chanson perpétuelle”, no porque se identificó con la desesperación total del protagonista, sino porque las imágenes del poema provocaron una respuesta musical en él. Una amante desamparada lamenta su abandono, recuerda su felicidad perdida y después se prepara para ahogarse, incluso deleitándose de la mórbida fantasía de ser envuelta y acariciada por los juncos verdes del estanque. Chausson omite cuatro de los tercetos del poema, más significativamente los dos últimos para poder terminar con “l’absent” (el ausente).

La melancólica frase introductoria se repite recurrentemente y sus apariciones son reconocibles en la estructura de modo de mantener la idea “perpetua” del título. Chausson establece la indicación de ejecución “a la manera de una canción popular”, lo que añade simplicidad y, por lo tanto, una nostalgia adicional a la desesperación de la protagonista por su abandono. Sus inflexiones cromáticas son una obra maestra de la sutileza, mientras la amante desolada tristemente pide al viento y a los ruiseñores que le hagan saber a su amor ausente que ella está muriendo.

Una elaboración de la frase inicial trae un

Chanson perpétuelleBois frissonnants, ciel étoilé,Mon bien-aimé s’en est allé,Emportant mon cœur désolé!

Vents, que vos plaintives rumeurs,Que vos chants, rossignols charmeurs,Aillent lui dire que je meurs.

Le premier soir qu’il vint iciMon âme fut à sa merci.De fierté je n’eus plus souci.

Mes regards étaient pleins d’aveux.Il me prit dans ses bras nerveuxEt me baisa près des cheveux.

J’en eus un grand frémissement;Et puis, je ne sais plus commentIl est devenu mon amant.

Je lui disais: “Tu m’aimerasAussi longtemps que tu pourras.”Je ne dormais bien qu’en ses bras.

Mais lui, sentant son cœur éteint,S’en est allé l’autre matin,Sans moi, dans un pays lointain.

Puisque je n’ai plus mon ami,Je mourrai dans l’étang, parmiLes fleurs, sous le flot endormi.

Sur le bord arrêtée, au ventJe dirai son nom, en rêvantQue là je l’attendis souvent.

Et comme en un linceul doré,Dans mes cheveux défaits, au gréDu vent je m’abandonnerai.

Les bonheurs passés verserontLeur douce lueur sur mon frontEt les joncs verts m’enlaceront

Et mon sein croira, frémissantSous l’enlacement caressant,Subir l’étreinte de l’absent.

Charles Cros

Canción perpetuaBosque trémulo, cielo estrellado,Mi amado se ha ido, ¡Llevándose mi corazón desolado!

Vientos, dejen que sus rumores quejumbrosos,Que sus cantos, encantadores ruiseñores,Lo alcancen y le digan que me estoy muriendo.

La primera noche que vino aquíMi alma estaba a su merced.No me preocupaba el orgullo.

Mis miradas eran confesiones.Me tomó entre sus brazos ansiososY me besó junto al cabello.

Sentí una gran emoción;Y luego, no sé ya cómoSe convirtió en mi amante.

Yo le decía: “Me amarásTanto tiempo como puedas.”Solo dormía bien entre sus brazos.

Pero él, sintiendo que su corazón se apagaba,Se fue a la mañana siguiente, Sin mí, a un país lejano.

Como ya no tengo a mi amante,Moriré en el estanque, entreLas flores, debajo de la corriente dormida.

Paralizada en el borde, al vientoDiré su nombre, soñandoComo cuando allí a menudo lo esperaba.

Y como una mortaja dorada,En mi cabello suelto, a voluntadDel viento me rendiré.

La felicidad vivida derramaráSu suave resplandor sobre mi frenteY los juncos verdes me abrazarán

Y mi pecho creerá, estremecidoBajo el acariciante roce,Que se somete al abrazo del ausente.

—trad. Simón Gollo

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exitosas temporadas dentro y fuera de los Estados Unidos. Su discografía junto a la La Catrina Quartet está disponible bajo los sellos Summit Records y RYCY Productions, Inc., incluyendo una producción nominada a los premios Grammy Latinos. Su pasión por las orquestas de cámara lo llevaron a pertenecer a la Orchestra of St. Luke’s en Nueva York interpretando roles principales en importantes festivales, giras y conciertos con otras orquestas de cámara como la Camerata Nordica (Suecia), Post Classical Ensemble, (Washington DC), Dallas Chamber Symphony, y Classical Music Institute Chamber Orchestra (San Antonio). En enero del 2020, se presenta como concertino invitado de la Orquesta Ciudad de Granada en España, bajo la batuta del maestro, Michał Nesterowicz. Actualmente, Simón Gollo es miembro permanente del Reverón Piano Trio y primer violín invitado del Cuarteto Q-Arte con los que ha realizado giras y conciertos en Colombia y Europa. Simón Gollo es un connotado pedagogo que mantiene una constante actividad en la enseñanza del violín y la música de cámara. Ha formado parte del profesorado del Summit Music Festival en Nueva York y colabora regularmente como profesor sustituto de la maestra Naoko Tanaka en la división de precollege de la Juilliard School of Music. Durante 6 años, fue

SIMON GOLLO violin solista

Destacado por ser un multifacético y carismático músico, el violinista Suizo-Venezolano Simón Gollo disfruta de una exitosa carrera internacional como solista, camarista y director de orquesta, siendo a su vez un comprometido artista discográfico, director artístico y pedagogo. Simón Gollo ha sido recibido y aclamado en innumerables escenarios en Europa, Asia y en todas las regiones del continente americano. Su larga trayectoria lo ha llevado a prestigiosas salas como el Carnegie Hall (Nueva York), Cadogan Hall (Londres), 92nd Street Y’s Kaufmann Concert Hall (Nueva York), National Gallery of Art (Washington DC), Bolívar Hall (Londres), Teatro Teresa Carreño (Caracas), Auditorio Blas Galindo (México, DF), Auditorio Manuel de Falla, (Granada), y el Teatro Mayor (Bogotá), y para notables organizaciones como el BBC

Proms Festival, la Philadelphia Chamber Music Society y la Chamber Music Society of Detroit. Ha compartido escenario con reconocidos artistas de la escena internacional, entre los que se encuentran; Alessio Bax, Ricardo Morales, Dmitri Berlinsky, Monique Duphil, Edicson Ruiz, Paul Rosenthal, John Novacek, Alissa Margulis, Jakob Koranyi, Miguel da Silva (miembro del Ysaÿe Quartet) Richard Young (miembro del Vermeer Quartet), Randolph Kelly y el Cuarteto Latinoamericano. Como solista ha interpretado grandes conciertos del repertorio con prestigiosas orquestas entre las que se destacan la Orquesta Sinfónica de Venezuela, Filarmónica de Bogotá, Orquesta Sinfónica de Salta (Argentina), Central Ohio Symphony (EEUU), Chamber Orchestra of San Antonio (EEUU) y Orquesta de Caxias do Sul (Brasil), colaborando con reconocidos directores como Conrad Van Alphen, Theodor Kuchar, y Carlos Izcaray. Fue becario de la Fundación Cisneros para asistir al Aspen Music Festival donde recibió clases de los célebres maestros Alex Kerr y Naoko Tanaka. Su educación musical la recibe en Suiza bajo la tutela de sus mentores Anne Bauer, Gyula Stuller, Gabor Takacs y Patrick Genet. Durante siete temporadas (2012-2019), Simón Gollo fue miembro del Dalí String Quartet y de La Catrina Quartet, cuartetos especializados en música latinoamericana con quienes cosechó

profesor del internacionalmente reconocido y aclamado programa “El Sistema” y de la Escuela Mozarteum de Caracas. Actualmente es profesor titular en la New Mexico State University (NMSU) en los Estados Unidos, y en el 2020 se une a la lista de profesores del California Orchestra Institute. En el 2016 es designado director de la New Mexico State University Philharmonic y, desde entonces, el vertiginoso desarrollo de su carrera lo lleva a un crecimiento extraordinario como director que no ha pasado inadvertido, recibiendo invitaciones para dirigir orquestas juveniles y profesionales en los Estados Unidos, México, El Salvador, Colombia, Brasil y Venezuela. En el 2020 Simón Gollo se une a la lista de artistas de IBS Classical.

JOHN NOVACEK piano solista


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mientras que las sedes internacionales incluyen el Theatre des Champs-Elysées, Salle Gaveau y Musée du Louvre en Paris, el Wigmore Hall y el Barbican Centre en Londres, así como la mayoría de las principales salas de conciertos de Japón. También es con frecuencia un artista invitado en festivales dentro y fuera de los Estados Unidos, como el Mostly Mozart Festival en Nueva York, el Festival Mozaic en California y festivales en Aspen, Cape Cod, Caramoor, Chautauqua, Colorado College, Great Lakes, Mendocino, Mimir, Ravinia, Seattle, SummerFest La Jolla, Wolf Trap, BBC Proms (Inglaterra), Braunschweig (Alemania), Lucerne, Menuhin y Verbier (Suiza), Mallorca (España), Sorrento (Italia), Stavanger (Noruega), Toulouse (Francia) y Sapporo (Japón). John Novacek es un artista muy solicitado para colaboraciones y se ha presentado con Joshua Bell, Matt Haimovitz, Leila Josefowicz, Cho-Liang Lin, Yo-Yo Ma, Truls Mork, Elmar Oliveira y Emmanuel Pahud asi como con los cuartetos de cuerda Colorado, Harrington, Jupiter, New Hollywood, St. Lawrence, SuperNova y Ying. También realiza numerosas giras como miembro de Intersection, un trío de piano que incluye al violinista Kaura Frautschi y a la violonchelista Kristina Reiko Coooper. John Novacek se llevó los máximos premios en las competencias internacionales de piano

Leschetizky y Joanna Hodges, entre muchas otras. Estudió piano con el virtuoso polaco Jakob Gimpel en la California State University, Northridge donde obtuvo una licenciatura en música, con distinción/grado summa cum laude. Posteriormente, obtuvo una maestría en música del Mannes College of Music en la ciudad de Nueva York, donde sus instructores fueron Peter Serkin en piano y Felix Galimer en música de cámara. Los mentores en composición del Sr. Novacek incluyeron a Frederick Werle, Aurelio de la Vega y Daniel Kessner. Las composiciones y arreglos de John Novacek han sido interpretados por la Pacific Symphony, The 5 Browns, Concertante, Manasse / Nakamatsu Duo, Harrington String Quartet, Ying Quartet, Millennium, Quattro Mani y The Three Tenors (Los Tres Tenores). Ha grabado más de 30 CDs, que abarcan música para piano solo y música de cámara de los principales compositores, desde Bach hasta Bartók, así como muchas partituras contemporáneas y originales. El Sr. Novacek graba para Philips, Nonesuch, Arabesque, Warner Classics, Sony/BMG, Koch International, Universal Classics, Ambassador, Pony Canyon, Four Winds, Arkay, Virtuoso, EMI Classics e IBS Classic. Entre sus discos se encuentran Road Movies (nominación al GRAMMY 2004 como “Mejor Interpretación de Música de Cámara”), Great Mozart Piano

Works, Spanish Rhapsody y Novarags (composiciones originales de ragtime), Classic Romance, Hungarian Sketches, Intersection, Romances et Meditations y, con Leila Josefowicz, Americana (“Editor’s Choice” de GRAMOPHONE), For the End of Time, Shostakovich y Recital (BBC MUSIC MAGAZINE: 5 estrellas / Elección de cámara de junio de 2005). John Novacek es un artista Steinway.

Regularmente recorre América, Europa y Asia en giras como recitalista, músico de cámara y solista; en esta última faceta se ha presentado más de treinta conciertos con docenas de orquestas. Después de un verano lleno de renovadas participaciones en prestigiosos festivales en los Estados Unidos y Canadá, la temporada actual de John Novacek se destaca por su regreso a la Massachusetts’ Springfield Symphony Orchestra, bajo la batuta de Kevin Rhodes y la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México, dirigida por Scott Yoo. También continúa su trabajo colaborativo con la violinista Leila Josefowicz, presentándose en el Amherst College, The Los Angeles Philharmonic, Park Avenue Armory en la ciudad de Nueva York y la Library of Congress y The Phillips Collection en Washington DC. Las principales interpretaciones estadounidenses de John Novacek se han escuchado en el Carnegie Hall de Nueva York, el Lincoln Center for the Performing Arts ‘Avery Fisher Hall y Alice Tully Hall, 92nd Street Y, el Miller Theater de la Universidad de Columbia, el Merkin Concert Hall, el Metropolitan Museum of Art and Symphony Space, The Kennedy Center for the Performing Arts en Washington, el Symphony Hall en Boston, el Symphony Center en Chicago y el Dorothy Chandler Pavilion, Hollywood Bowl y Royce Hall en Los Ángeles,

BENJAMIN SUNG violin

Profesor de violín con el rango de Profesor Asociado en la Florida State University (FSU), el violinista Benjamin Sung es también artista/profesor y coordinador de la catedra de violín en el Brevard Music Center, y principal de la fila de segundos violines de la Brevard Music Center Orchestra. Entre sus conciertos y apariciones más destacadas,


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se incluyen el Brevard Music Festival, un ciclo completo de Beethoven con el pianista David Kalhous, una aparición como solista con la FSU University Symphony Orchestra interpretando las Estaciones Porteñas de Piazzolla para la Conferencia Nacional de ASTA; y una charla de TED para TEDx Fargo. Benjamin Sung es un apasionado defensor de la música contemporánea, Sung ha grabado música de los compositores Steve Rouse y Marc Satterwhite para Centaur Records, se ha presentado y ha enseñado para Studio 2021 en la Universidad Nacional de Seúl, y ha trabajado con muchos de los mejores compositores de nuestra era, como son: John Adams, Pierre Boulez, George Crumb y Helmut Lachenmann. En 2012, lanzó un álbum de nuevas obras estadounidenses titulado “FluxFlummoxed” para Albany Records, una grabación aclamada por la revista Fanfare como “una brillante ejecución de cuatro obras excelentes” con “impecable afinación y producción de sonidos.”

INGRID GERLING violin

Violinista originaria de Porto Alegre, Brasil, La Dra. Ingrid Gerling, se ha presentado extensamente como solista, recitalista y músico de cámara en los Estados Unidos, Suramérica, Europa y Asia. Actualmente ocupa los cargos de Directora de Orquesta y Profesora de Violín en el San Jacinto College y la University of St. Thomas, ambos en Houston. Asimismo, es profesora del American Festival of the Arts Chamber Music Academy. Apasionada y dedicada músico de cámara, es miembro del Axiom Quartet, un cuarteto de cuerdas profesional con sede en Houston que actualmente se encuentra en su séptima temporada, y tiene un dúo de violín y piano con la pianista, Dr. Andreea Mut. Gerling fue seleccionada para ser recipiente de la beca del DaCamera Young Artist Program durante las temporadas 2015-2017, un compromiso altamente competitivo que la llevó a realizar numerosos conciertos de música de cámara en Houston. Las grabaciones de la Dra. Gerling se pueden encontrar bajo los sellos: Parma e IBS Classical.

RANDOLPH KELLY viola

Randolph Kelly ha disfrutado de una distinguida y multifacética carrera como violista principal de la Pittsburgh Symphony Orchestra. Fue contratado por André Previn en 1976, y desde entonces se ha presentado bajo la dirección de Lorin Maazel y Mariss Jansons. Previn una vez escribió que Kelly: “transformó su sección en lo que creo es la mejor sección de viola de cualquier orquesta en los Estados Unidos”. Además de su carrera orquestal, el virtuosismo de Kelly como solista y músico de cámara ha sido elogiado en todo el mundo. Ha colaborado con artistas como Yo-Yo Ma, André Previn, Pinchas Zukerman y Trauls Mork, entre otros. Ha grabado y realizado innumerables

giras con Los Angeles Piano Quartet y ha sido artista invitado en festivales de música de cámara en Japón, Australia, Europa, China, Taiwán y Rusia. Hizo su debut como solista en Europa cuando Lorin Maazel lo invitó a tocar el Walton Concerto con la Orquesta Nacional de Francia. Además de su rigurosa agenda de conciertos, Kelly ha grabado una amplia gama de música para los sellos Albany, Naxos, Music Masters e IBS Classical.

MAKI KUBOTA violoncello

Maki Kubota es un galardonado violonchelista que ha actuado para audiencias internacionales con gran éxito. Miembro de la Houston Symphony Orchestra, también ha colaborado con la New York Philharmonic, Dallas Symphony Orchestra, y Charleston Symphony Orchestra. Como músico de cámara, ha


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colaborado con artistas como Lynn Harrell, Jeremy Denk, Glenn Dicterow y Karen Dreyfus, presentándose en escenarios como la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos en Washington, la Embajada de Singapur y The Morgan Library & Museum en Nueva York. Entre sus apariciones se destacan la gira por Europa con la Houston Symphony Orchestra, su concierto con la Filarmónica de Medellín y una residencia como parte del profesorado de la Filarmónica Joven Nacional en Colombia, su visita a Granada, España para grabar para IBS Classical, a Santa Bárbara como intérprete invitado en la Music Academy of the West y a San Diego para La Jolla Summerfest, así como otros compromisos como maestro, recitalista y músico de cámara. Maki Kubota fue nombrado violonchelista titular de la Houston Symphony Orchestra por Andrés Orozco-Estrada en 2016. Toca un violonchelo hecho en 1767 por Johannes Theodorus Cuypers.

MARIOLA CANTARERO soprano

Considerada uno de los máximos exponentes del repertorio belcantista de los últimos años, Mariola Cantarero ha obtenido importantes triunfos como soprano de los principales teatros de Europa, y más allá de nuestro continente en escenarios en America y Asia. Ha sido dirigida por destacados directores como Zubin Mehta, Alberto Zedda, Jesús López Cobos, Daniel Oren, Bruno Campanella, o Roberto Abbado. Recibe distintos premios por su trayectoria como “Premio ópera Actual”, “Revelación del Círculo de Amigos del Liceo”, “Premio Imagen de la Ciudad de Granada”, “Ojo Crítico de RNE”, “La Mención de Honor de la Diputación de Granada”, “La Medalla de Oro de la Ciudad de Granada”, así como “La Medalla de Oro de Andalucía”. Entre su amplia discografía cabe destacar: “Luisa Fernanda” junto a Plácido Domingo en el Teatro Real de Madrid, “Falstaff” dirigida por Zubin Mehta en el Maggio musicale Fiorentino, “La Gazza ladra” del Rossini Opera Festival, “Il Viaggio a Reims” en el Liceo de Barcelona, o “I Puritani” de la Ópera de Amsterdam.

Quiero agradecer a mis queridos amigos y colegas quienes me acompañaron en esta extraordinaria producción, John Novacek, Benjaming Sung, Ingrid Gerling, Randolph Kelly, Maki Kubota y Mariola Cantorero. Gracias de todo corazón por el nivel artístico alcanzado y los maravillosos momentos compartidos, este disco no solo es música, es el reflejo de lo que representa la amistad y la concretización de un sueño. Quiero dedicar especiales palabras a las personas que han creído en mi y en mi carrera, apoyándome en los momentos donde todo parecía imposible: Daniel Thomann, Jerry Landye, Pablo Escamilla. Gracias al Departamento de Música de “New Mexico State University” y su jefe de departamento, el Dr. Chaffin, a la musicóloga Jane Vial Jaffe por sus fabulosos textos y a mi amigo Marc Paquin por haber hecho un violín con el cual me identifico en cada nota. Claro está, a mis nuevos amigos y directiva artística y ejecutiva de IBS Classical: Francisco Moya y Gloria Medina, gracias por hacerme parte del maravilloso elenco de artistas de IBS Classical. Por último, gracias a mis padres, a mis hermanos, a mi esposa Susana y mi hija Victoria, por la fe, confianza y amor que me ha hecho siempre creer en mi y en mis sueños. Con cariño, Simón Gollo

I want to thank my dear friends and colleagues who joined me in this extraordinary production, John Novacek, Benjaming Sung, Ingrid Gerling, Randolph Kelly, Maki Kubota and Mariola Cantorero. Thank you from the bottom of my heart for the exceptional artistic level reached and the wonderful moments we shared, this album is more than just music, it is a reflection of the fulfillment of a dream. I want to dedicate special words to the people who have believed in me throughout my career, supporting me in the moments where everything seemed impossible: Daniel Thomann, Jerry Landye, Pablo Escamilla. Thanks to the New Mexico State University Music Department, and its head of department Dr. Chaffin. Thanks to the musicologist Jane Vial Jaffe for her fabulous texts and my friend Marc Paquin for having made a violin that I identify with in each note that I perform. To my new friends, the artistic and executive directors of IBS Classical: Francisco Moya and Gloria Medina, thank you for making me part of the wonderful roster of IBS Classical artists. Finally, thanks to my parents, my siblings, my wife Susana and my daughter Victoria, for the faith, trust and love that have always made me believe in myself and in my dreams.

With love, Simón Gollo

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Ernest CHAUSSON Concerto & Chansson perpétuelle

ERNEST CHAUSSON

Born in Paris, January 20, 1855; died in Limay, near Mantes, Yvelines, June 10, 1899

Well-educated, talented, and comfortable financially, Chausson divided his time among myriad pursuits. Following his father’s wishes he earned a doctorate in law and served as a barrister in Paris. He dabbled in poetry, was known as a gifted painter and art collector, and became acquainted with many of the most important artists of the day. When he finished his law studies at the age of twenty-five he decided that music attracted him most out of all the arts, and he entered the Paris Conservatory, where he became a student of Jules Massenet and César Franck. Despite his late start and untimely death at forty-four from a bicycle accident, his compositional achievements were notable. Among his most successful works are his Concert for solo piano and violin with string quartet, Poème for violin and orchestra, Piano Quartet in A major, and the “Chanson perpétuelle” (Everlasting song).

Concert for Violin, Piano, and String Quartet in D major, op. 21

Written between 1889 and 1891, the Concert is unique in the chamber music

repertoire—scored for solo violin and piano with string quartet. Chausson entitled it Concert (French for concerto) rather than “Sextet,” but the work lies somewhere between a double concerto, in which the two solo instruments are pitted against an entire orchestra, and a sextet, in which all the instruments are more or less equal.

Chausson dedicated the Concert to Eugène Ysaÿe, who played the solo violin part at the premiere in Brussels on March 4, 1892. The Crickboom Quartet played the remaining string parts, and Auguste Pierret was the pianist who saved the day when the originally scheduled pianist suddenly returned the score as too difficult. (Chausson dedicated his next chamber work, the Piano Quartet, op. 30, to Pierret in gratitude for his fine performance.) Chausson, a composer continually plagued by self doubt, was thrilled at the instant success of the Concert. He wrote in his diary: “Never have I had such a success! I can’t get over it. Everyone seems to love the Concert. Very well played, with wonderful moments, and so artistically executed! I feel light and joyful, something I haven’t been for a long time. It’s done me good and has given me courage. I believe I’ll work with more confidence in the future.”

The striking three-note opening of the introduction provides the germinating cell for the entire impassioned first movement, which unfolds in full-fledged Romantic sonata form. Chausson spins out the lyrical main theme proper from this motto, led off by the solo violin. He introduces the lovely second theme in hesitant fragments at first, but it is this theme that provides the climax of the movement when it sails forth—with the solo violin in octave double stops—before the ruminating close.

Chausson labeled the gently melancholic second movement “Sicilienne” in a nod to the past, referring to a popular kind of instrumental movement in a lilting meter (6/8 or 12/8) with frequent dotted rhythms (long-short-long). The texture thickens for a brief peak, then drifts off ethereally.

Based on two equally dark themes, the third movement, Grave, is one of the most brooding and chromatic in the repertoire. Chausson begins with the piano and solo violin alone in sinuous, slow-moving lines that paint the bleakest of pictures. A more agitated development adds a sense of foreboding, which finds brief moments of light before darkness descends again. In the recapitulation, the return of the second theme builds ominously to the climactic,

desperate-sounding return of the first theme before the movement subsides in an eerie chill.

The finale dispels the tragic mood with the scampering rhythms and dancing snippets of melody that form its main theme, yet this movement is no less chromatic than the preceding. Chausson employs a rhapsodic form that shows similarities to a rondo with its regular, albeit varied, returns of the animated main theme. Because this theme provides material for much of the movement, including the second theme/episode, the composer Vincent d’Indy, who arranged for the work’s premiere, described the movement in terms of a variation form. As the finale progresses, Chausson—following in the footsteps of his teacher César Franck—recalls themes from previous movements for cyclic unity. The second theme from the Grave returns several times and makes a climactic reappearance just before the end, followed by the main theme of the first movement. Chausson closes emphatically with a final version of the three-note motto.

Chanson perpétuelle, op. 37

Chausson composed his “Chanson perpétuelle” in December 1898 for soprano

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Ernest CHAUSSON

Jeanne Raunay, who gave its premiere on January 28, 1899, to enthusiastic reception. He fashioned three versions: one with piano accompaniment, one with orchestra, and one with piano and string quartet accompaniment, which is the version most often performed. Chausson had recently discovered Russian novelists Dostoyevsky, Tolstoy, and Turgenev—his famous Poème was inspired by a Turgenev novella—and had immersed himself in Symbolist poetry such as the works of Verlaine, Rimbaud, and Charles Cros, author of the present text.

Not only a poet but an inventor who proposed methods of color photography and sound recording, Cros had won Verlaine’s praise for his 1873 collection Le coffret de santal (The Sandalwood Chest), whose first section was retitled Chansons perpétuelles (plural) in the 1879 second edition. Chausson selected the poem Nocturne for his “Chanson perpétuelle,” not because he identified with the utter despair of the protagonist, but because the poem’s images elicited a musical response in him. A bereft lover laments her abandonment, recalls her former bliss, then prepares to drown herself, even indulging in the morbid fantasy of being enfolded and caressed by the green rushes of the pond. Chausson

omits four of the poem’s tercets, most significantly the last two so that he could end with “l’absent” (the absent one).

The melancholy introductory phrase recurs in various recognizable guises throughout the setting in keeping with the “perpetual” idea of the title. Chausson gives the performance indication “in the manner of a popular song,” which lends simplicity and therefore extra poignance to the protagonist’s despair over her abandonment. His chromatic inflections are a masterpiece of subtlety as the desolate lover somberly asks the wind and the nightingales to let her departed lover know she is dying.

An elaboration of the opening phrase brings a lightening of the mood as she recalls her earlier happiness. String tremolos suggest her ecstasy and quivering, and a gentleness and the accompaniment’s move to higher register evoke her peaceful sleep. Agitation sets in, however, as she recounts her lover’s departure—beginning with her melody from the opening accompanied by a new version introductory phrase that rises to an anguished peak.

She returns to the present—“Puisque je n’ai plus mon ami” (Since I no longer have

my lover)—and prepares to drown herself, her anguish subsiding into a kind of peace as she again turns to images of nature. As she imagines being caressed by her lover in the pond’s entanglement of green rushes, she reaches a rapturous climax, leaving the piano and strings to die away softly, with one last hint of the “everlasting” phrase in the viola.

©Jane Vial Jaffe

Everlasting SongShivering trees, starry sky,my beloved has gone away,bearing away my desolate heart.

Winds, let your plaintive noises,let your songs, charming nightingales,tell him that I am dying.

The first night he came heremy soul was at his mercy.I no longer cared about pride.

My glances confessed my love.He took me into his strong armsand kissed my brow.

I felt a great quivering;and then, I don’t know howhe became my lover.

I said to him: “You will love meas long as you can.” I slept well only in his arms.

But he, feeling his heart extinguished,went away the other morning,without me, into a distant land.

Since I no longer have my lover,I will die in the pond, amongthe flowers, under the sleeping current.

Once I’ve arrived at the bank, to the windI will speak his name, dreamingthat there I awaited him often.

And as in a golden shroud,surrounded by my unbound hair, to the willof the wind I will surrender myself.

Past happinesses will shed their soft glow on my faceand the green rushes will entangle me

and my breast will believe, quiveringunder the caressing entanglement,that I submit to the embrace of the absent one.

trans. Jane Vial Jaffe

Chanson perpétuelleBois frissonnants, ciel étoilé,Mon bien-aimé s’en est allé,Emportant mon cœur désolé!

Vents, que vos plaintives rumeurs,Que vos chants, rossignols charmeurs,Aillent lui dire que je meurs.

Le premier soir qu’il vint iciMon âme fut à sa merci.De fierté je n’eus plus souci.

Mes regards étaient pleins d’aveux.Il me prit dans ses bras nerveuxEt me baisa près des cheveux.

J’en eus un grand frémissement;Et puis, je ne sais plus commentIl est devenu mon amant.

Je lui disais: “Tu m’aimerasAussi longtemps que tu pourras.”Je ne dormais bien qu’en ses bras.

Mais lui, sentant son cœur éteint,S’en est allé l’autre matin,Sans moi, dans un pays lointain.

Puisque je n’ai plus mon ami,Je mourrai dans l’étang, parmiLes fleurs, sous le flot endormi.

Sur le bord arrêtée, au ventJe dirai son nom, en rêvantQue là je l’attendis souvent.

Et comme en un linceul doré,Dans mes cheveux défaits, au gréDu vent je m’abandonnerai.

Les bonheurs passés verserontLeur douce lueur sur mon frontEt les joncs verts m’enlaceront

Et mon sein croira, frémissantSous l’enlacement caressant,Subir l’étreinte de l’absent.

Charles Cros

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Records labels. His passion for chamber orchestras led him to join the Orchestra of St. Luke’s in New York and to play leading roles in major festivals, tours, and concerts with other chamber orchestras such as the Camerata Nordica (Sweden), Post Classical Ensemble (Washington, DC), Dallas Chamber Symphony, and Classical Music Institute Chamber Orchestra (San Antonio). In January 2020 he was guest concertmaster for the Orquesta Ciudad de Granada under the baton of Michał Nesterowicz. Simón Gollo is currently a permanent member of the Reverón Piano Trio and guest first violinist of the Cuarteto Q-Arte, which tours, records, and performs throughout Colombia and Europe. Simón Gollo is a gifted and committed pedagogue who keeps a very busy schedule teaching both violin and chamber music. He has served on the faculty of the Summit Music Festival in New York and regularly collaborates as a substitute professor at the Juilliard School Pre-College Division (class of Naoko Tanaka). For six years, he served as a violin professor at the internationally recognized and acclaimed program El Sistema and at the Mozarteum de Caracas, both in Venezuela. He is now an assistant professor of violin at New Mexico State

University (NMSU), and he joins the faculty roster at the California Orchestra Institute in 2020. Appointed conductor of the New Mexico State University Philharmonic in 2016, Simón Gollo has experienced extraordinary growth in this facet of his career that has not gone unnoticed. He has received numerous invitations to conduct both youth and professional orchestras in the United States, Mexico, El Salvador, Colombia, Brazil, and Venezuela. Simón Gollo is a recording artist for the international recording label IBS Classical.

JOHN NOVACEK piano soloist

Regularly tours the Americas, Europe and Asia as solo recitalist, chamber musician and concerto soloist; in the latter capacity he has presented over thirty concerti with dozens of orchestras. Following a summer filled with re-engagements at major festivals throughout the United states and Canada, John Novacek’s current season is highlighted by his returns to Massachusetts’ Springfield Symphony Orchestra, under the baton of Kevin Rhodes, and Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México, conducted by Scott Yoo. He also continues his collaborative work with violinist Leila Josefowicz, performing

SIMÓN GOLLO violin soloist

Recognized as a multifaceted and charismatic musician, Swiss-Venezuelan violinist Simón Gollo enjoys a successful international career as a soloist, chamber musician, and conductor. At the same time, he is a committed recording artist, artistic director, and pedagogue. Simón Gollo has appeared on countless stages across Europe, Asia, and the American continent from Canada to Chile. His long career has led him to perform at prestigious venues such as Carnegie Hall (New York), Cadogan Hall (London), the 92nd Street Y’s Kaufmann Concert Hall (New York), the National Gallery of Art (Washington, DC), Bolívar Hall (London), the Teatro Teresa Carreño (Caracas), the Auditorio Blas Galindo (Mexico City), the Auditorio Manuel de Falla (Granada), and the Teatro Mayor (Bogotá), and for renowned organizations such as the BBC Proms Festival, the Philadelphia Chamber Music Society, and the Chamber Music Society of Detroit. He has collaborated in these performances with international figures such as Alessio Bax, Ricardo Morales, Dmitri Berlinsky, Monique Duphil, Edicson Ruiz, Paul Rosenthal, John Novacek, Alissa Margulis, Jakob Koranyi, Miguel da Silva (Ysaÿe Quartet), Richard

Young (Vermeer Quartet), Randolph Kelly, and the Cuarteto Latinoamericano, among many others. As a soloist, Simón Gollo has performed the greatest violin concertos with prestigious orchestras such as the Orquesta Sinfónica de Venezuela, Filarmónica de Bogotá, Orquesta Sinfónica de Salta (Argentina), Central Ohio Symphony (USA), Chamber Orchestra of San Antonio (USA), and the Orquesta de Caxias do Sul (Brazil), under the baton of prominent conductors such as Conrad van Alphen, Theodore Kuchar, and Carlos Izcaray. He obtained the Fundación Cisneros 2012 scholarship to attend the Aspen Music Festival, where he took lessons from renowned professors Alex Kerr and Naoko Tanaka. He received his musical education in Switzerland under the tutelage of his mentors Anne Bauer, Gyula Stuller, Gabor Takacs and Patrick Genet. From 2012 to 2019, Simón Gollo was a member of the Dalí String Quartet and La Catrina Quartet—ensembles specializing in Latin American music—participating in numerous successful tours and performances within and outside of the United States. His discography with La Catrina Quartet, which includes a Latin Grammy–nominated recording, is available on the RYCY Productions, Inc., and Summit

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at Amherst College, The Los Angeles Philharmonic, New York City’s Park Avenue Armory and Washington, DC’s Library of Congress and The Phillips Collection. John Novacek’s major American performances have been heard in New York City’s Carnegie Hall, Lincoln Center for the Performing Arts’ Avery Fisher Hall and Alice Tully Hall, 92nd Street Y, Columbia University’s Miller Theater, Merkin Concert Hall, The Metropolitan Museum of Art and Symphony Space, Washington’s The Kennedy Center for the Performing Arts, Boston’s Symphony Hall, Chicago’s Symphony Center and Los Angeles’ Dorothy Chandler Pavilion, Hollywood Bowl and Royce Hall, while international venues include Paris’ Theatre des Champs-Elysées, Salle Gaveau and Musée du Louvre, London’s Wigmore Hall and Barbican Centre, as well as most of the major concert halls of Japan. He is also a frequent guest artist at festivals, here and abroad, including New York City’s Mostly Mozart Festival, California’s Festival Mozaic and those of Aspen, Cape Cod, Caramoor, Chautauqua, Colorado College, Great Lakes, Mendocino, Mimir, Ravinia, Seattle, SummerFest La Jolla, Wolf Trap, BBC Proms (England), Braunschweig (Germany), Lucerne, Menuhin and Verbier (Switzerland),

Majorca (Spain), Sorrento (Italy), Stavanger (Norway), Toulouse (France) and Sapporo (Japan). He has also made his debut with the Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México. John Novacek is a much sought-after collaborative artist and has performed with Joshua Bell, Matt Haimovitz, Leila Josefowicz, Cho-Liang Lin, Yo-Yo Ma, Truls Mork, Elmar Oliveira and Emmanuel Pahud, and, as well as the Colorado, Harrington, Jupiter, New Hollywood, St. Lawrence, SuperNova and Ying string quartets. He also tours widely as a member of Intersection, a piano trio that includes violinist Kaura Frautschi and cellist Kristina Reiko Coooper. John Novacek took top prizes at both the Leschetizky and Joanna Hodges international piano competitions, among many others. He studied piano with Polish virtuoso Jakob Gimpel at California State University, Northridge, where he earned a Bachelor of Music degree, summa cum laude. Subsequently, he earned a Master of Music degree from New York City’s Mannes College of Music, where his instructors were Peter Serkin in piano and Felix Galimer in chamber music. Mr. Novacek’s coaches in composition included Frederick Werle, Aurelio de la Vega and Daniel Kessner. John Novacek’s own compositions and

arrangements have been performed by the Pacific Symphony, The 5 Browns, Concertante, Manasse/Nakamatsu Duo, Harrington String Quartet, Ying Quartet, Millennium, Quattro Mani and The Three Tenors. He has recorded over 30 CDs, encompassing solo and chamber music by most major composers from Bach to Bartók, as well as many contemporary and original scores. Mr. Novacek records for Philips, Nonesuch, Arabesque, Warner Classics, Sony/BMG, Koch International, Universal Classics, Ambassador, Pony Canyon, Four Winds, Arkay, Virtuoso and EMI Classics. CD titles include Road Movies (2004 GRAMMY nomination as “Best Chamber Music Performance”), Great Mozart Piano Works, Spanish Rhapsody, Novarags (original ragtime compositions), Classic Romance, Hungarian Sketches, Intersection, Romances et Meditations and, with Leila Josefowicz, Americana (GRAMOPHONE: “Editor’s Choice”), For the End of Time, Shostakovich and Recital (BBC MUSIC MAGAZINE: 5 stars/June 2005’s chamber choice). John Novacek is a Steinway Artist.

BENJAMIN SUNG violin

Associate Professor of Violin at Florida State University, violinist Benjamin Sung is also a Faculty Artist and violin coordinator at the Brevard Music Center, and principal second violin of the Brevard Music Center Orchestra. Some concert highlights include the Brevard Music Festival; a complete Beethoven cycle with pianist David Kalhous; an appearance with the FSU University Symphony Orchestra in Piazzolla’s Estaciones Portenas for the ASTA National Conference; and a TED talk for TEDx Fargo. An enthusiastic advocate of contemporary music, Sung has recorded the music of composers Steve Rouse and Marc Satterwhite for Centaur Records, has performed and taught for Studio 2021 at Seoul National University, and has worked with many of the greatest composers of this generation, including John Adams, Pierre Boulez, George Crumb, and Helmut Lachenmann. In 2012, he released an album of new American works entitled FluxFlummoxed on Albany Records, a recording hailed by Fanfare Magazine as “a brilliant performance of four superb works” with “impeccable intonation and tone production.”

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Ernest CHAUSSON

INGRID GERLING violin

Dr. Ingrid Gerling, a violinist native of Porto Alegre, Brazil, has performed extensively as a soloist, recitalist, and chamber musician throughout the United States, South America, Europe, and Asia. Currently she holds the positions of Orchestra Director and Professor of Violin at both San Jacinto College and the University of St. Thomas. She is also on faculty for the American Festival of the Arts Chamber Music Academy. As a very passionate and dedicated chamber musician, she is a member of the Axiom Quartet, a professional string quartet based in Houston that is now in their seventh season. She also has a violin and piano duo with concert pianist, Dr. Andreea Mut. Gerling was selected to be a DaCamera Young Artist Fellow for the 2015-2017 season, a highly competitive engagement which led her to perform numerous chamber music concerts throughout Houston. Recordings of Dr. Gerling can be found on the PARMA and IBS CLASSICAL labels.

RANDOLPH KELLY viola

Randolph Kelly has enjoyed a distinguished and multifaceted career as principal violist of the Pittsburgh Symphony Orchestra. He was signed by André Previn in 1976 and has since played under the direction of Lorin Maazel and Mariss Jansons. Previn once wrote that Kelly “transformed his section into what I believe is the best viola section of any orchestra in America.” In addition to his orchestral career, Kelly’s virtuosity as a soloist and chamber musician has been celebrated around the world. He has collaborated with such artists as Yo-Yo Ma, André Previn, Pinchas Zukerman and Trauls Mork, among others. He has recorded and toured extensively with the Los Angeles Piano Quartet and has been invited to perform as a guest artist at chamber music festivals in Japan, Australia, Europe, China, Taiwan and Russia. He made his European solo debut when Lorin Maazel invited him to play the Walton Concerto with the National Orchestra of France. In addition to his rigorous performing schedule, Kelly has recorded a wide range of music for the Albany, Naxos, Music Masters and IBS Classical labels.

MAKI KUBOTA violoncello

Maki Kubota is an award-winning cellist who has performed for audiences internationally to great acclaim. A member of the Houston Symphony Orchestra, he has also appeared with the New York Philharmonic, Dallas Symphony Orchestra, and Charleston Symphony Orchestra. As a chamber musician he has collaborated with artists such as Lynn Harrell, Jeremy Denk, Glenn Dicterow and Karen Dreyfus, performing at venues such as the Library of Congress, the Embassy of Singapore, and the Morgan Library. Some highlights include appearances in Europe for a tour with the Houston Symphony, Colombia for a performance with the Medellin Philharmonic and faculty residency for their national Youth Philharmonic, Granada Spain to record for IBS Classical, Santa Barbara as a guest performer at the Music Academy of the West and San Diego for La Jolla Summerfest, as well as other engagements as a teacher, recitalist and chamber musician. Maki Kubota was appointed as a cellist with the Houston Symphony by Andres Orozco-Estrada in 2016. He plays a cello made in 1767 by Johannes Theodorus Cuypers.

MARIOLA CANTARERO soprano

Considered one of the greatest exponents of the belcantist repertoire of recent years, Mariola Cantarero has also obtained important triumphs as a soprano of the leading theaters in Europe, and beyond our continent in America and Asia. She has performed under the baton of world-renowned conductors like Zubin Mehta, Alberto Zedda, Jesús López Cobos, Daniel Oren, Bruno Campanella, and Roberto Abbado. Cantorero has received numerous awards for her career such as “Premio Ópera Actual”, “Revelación del Círculo de Amigos del Liceo”, “Premio Imagen de la Ciudad de Granada”, “Ojo Crítico de RNE”, “La Mención de Honor de la Diputación de Granada”, and “La Medalla de Oro de la Ciudad de Granada”, as well as “La Medalla de Oro de Andalucía”. Her extensive discography includes: “Luisa Fernanda” with Plácido Domingo at the Teatro Real in Madrid, “Falstaff” directed by Zubin Mehta at the Maggio Musicale Fiorentino, “La Gazza Ladra” at the Rossini Opera Festival, “Il Viaggio a Reims” at the Liceo de Barcelona, or” I Puritani” at the Amsterdam Opera.

ERNEST CHAUSSON Concerto for violin, piano and string quartet op.211. I. Decide - Calme - Anime 15:06 2. II. Sicilienne 4:253. III. Grave 10:344. IV. Très anime 11:47

5. Chanson Perpétuelle op.37 8:23

BENJAMIN SUNG VIOLIN

INGRID GERLING VIOLIN

RANDOLPH KELLY VIOLA

MAKI KUBOTA CELLO

MARIOLA CANTARERO SOPRANO

SIMON GOLLO VIOLIN

JOHN NOVACEK PIANO

Booklet in Spanish & English · Recording venue: Auditorio Manuel de Falla (Granada) 13-16 th January 2019 Music Producer: Paco Moya · Sound engineer: Cheluis Salmerón · Mixing & Mastering: Iberia StudioText: Jane Vial Jaffe · Graphic Designer: Verónica Parra · Producer: IBS Artist

© 2020 Copyright: IBS Artist · NºCat: IBS62020 | DL GR 501-2020

ernest chausson - IDAGIO

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