ISBN: 978-1-74210-316-7

EDITED BYCLAUDIA PERREN

MIRIAM MLECEK

||STREET/ART/ARCHITECTUREURBAN AU .

URBAN AU .||

FOREWORDMaria Crealey

POSITIONSClaudia Perren, Miriam MlecekKatja AßmannKatja Sergeeva

URBAN ART/ARCHITECTUREWorks on Site and Non-site

REFLECTIONSDin HeagneyBenjamin Norris, Rohan Ranasinghe

SITE PROGRAMSymposiumWorkshop

APPENDIXArtists/ArchitectsAuthorsPartnersCreditsPartners

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STREET/ART/ARCHITECTURE

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Tanja and Ben Milbourne Mockup “The Secret Life Of Buildings” 15 June 2013

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FOREWORDChanging spaces, exchanging placesMaria Crealey

The wonderful thing about cultural and artistic exchange projects is that they create such unlikely pairings, like Berlin and Canberra. But when artists from different countries work together in a new place, seeds of creativity are sown. The people and the place are changed.

Exchange tends to be thought of as two-way - one artist comes here, the other goes there - but through creative practice and collaboration, something is “made” that is more than what was there before. So often, particularly in Australia, artist exchange takes place within the clearly defined framework of institutions or organisations - writers’ centres, residency programs, studios, festivals. Urban AU II takes the exchange process outside of those constructs, engaging directly with the place in a new way, opening up many pathways for creative conversation. It is a model that looks forward towards flexible forms of creation and away from the notion of exchange as something contained, defined, located in one time or place.

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URBAN AU||Potentiale Spontaner EingriffeClaudia Perren und Miriam Mlecek

Urban AU ist ein prozessorientiertes Projekt, das als Ideenfabrik, Publikation und Ausstellung angelegt ist. Im Zusammenhang mit der aktuellen Debatte um Bürgerinitiativen und eigenständigem Engagement in der Stadt, ruft Urban AU dazu auf, Stadt über offizielle Stadtplanung hinaus neu zu denken. Unser Ziel ist der Dialog zwischen der lebendigen Street Art Szene, aktueller Stadtplanung und zeitgenössischer Architektur in Berlin und Australien. Einer neuen Generation von Künstlern, Architekten, Stadtplanern und Anwohnern stellen wir Fragen zu Raum und Bewegung, Kommunikation und Abwehr, Form und Gesten. Es die Einladung zu einem öffentlichen Dialog. Ausstellung, Katalog und Rahmenprogramm sind in diesem Sinne formatiert. Ortsspezifische Arbeitsweisen (zuerst in Canberra, 2011 und dann in Berlin, 2013) sollen verdeutlichen, wie architektonische und künstlerische Praxis in verschiedenen urbanen Zusammenhängen als Kommunikationswerkzeuge für demokratisch initiierte Prozesse wirken können.

Urban AU I wurde 2011 erfolgreich in der Gallery of Australian Design (GAD) in Canberra gezeigt. Eröffnet vom Vorsitzenden des australischen Institutes der Architekten (AIA), erfreute sich die Ausstellung eines großen Publikumszulaufs. Neben einer Reihe von Sponsoren, wurde die Ausstellung durch den Creative Research Grant der University of Sydney gefördert. Thematische Gemeinsamkeiten ihrer Auseinandersetzung mit der Reizbrettstadt Canberra übersetzten die Teilnehmer ZAP (Sydney), Jumbo (Sydney), Russel Isaac-Cole (Sydney), und Tanja Milbourne (Melbourne) in ein Beziehungsgeflecht verschiedener Medien (Film, Zeichnungen, Wandmalerei und Skulptur) im Ausstellungsraum.

Urban AU II fand nun 2013 im STATTBAD in Berlin. Die Teilnehmer von Urban AU I (und zusätzlich Ben Milbourne aus Melbourne) nahmen an einem 1-monatigen Aufenthalts- und Ausstellungsprogram teil, und hatten damit die Möglichkeit, intensiv vor Ort zusammen zu arbeiten, ihre Werke zu diskutieren und weiter zu entwickeln. Erneut reagierten sie auf die aktuelle Stadtsituation, um die in Canberra gemachten Erfahrungen mit neuen Ansätzen zu verknüpfen, ergänzen

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und kontrastieren. Zusätzlich wurde im STATTBAD ein Workshop mit Studenten der University of Sydney durchgeführt, wo Themen wie Masse / Individuum; Zerstörung / Auferstehung; Aneignung / Teilen; Entstehung / Dauer; Vision / Diskussion; Auseinander wachsen / Zueinander finden; Ansicht / Einsicht; Aufenthalt / Bewegung; Selbstgesteuert / Ferngesteuert; Wege suchen / Spuren hinterlassen, zusammen mit den australischen Künstlern und Architekten diskutiert und bearbeitet wurden.

Das STATTBAD ist ein besonders interessanter Ort für unsere Ausstellung, denn er wurde nicht als Galerieraum gebaut, sondern als Schwimmbad. Entworfen vom renommierten Architekten Ludwig Hoffman, war es einst Anlaufpunkt für die arbeitende Bevölkerung des Stadtbezirks Wedding. Oft war der Besuch des Schwimmbades die einzige Möglichkeit für ein wöchentliches Bad inmitten des sanitären Notstands der schnell wachsenden Metropole Berlin. Nach zahlreichen Umbauten und der endgültigen Schließung des Schwimmbades fand im Jahr 2009 die Umwidmung des Ortes statt: aus dem Stadtbad Wedding wurde das STATTBAD. Dort wo Frauen und Männer zu Beginn des letzten Jahrhunderts noch getrennt in zwei Hallen ihre Bahnen zogen, verwirklichen heute kreative Köpfe aus aller Welt ihre Ideen, und präsentieren sie dem interessierten Publikum in Form von Ausstellungen, Festivals, Konzerten und Lesungen.

Urban AU ist ein langfristig angelegtes Projekt, das sich entwickeln und wachsen wird. Die Prozesse in Berlin zielen auf die Schaffung neuer Netzwerke der beteiligten Künstler und Architekten sowie die Bereitschaft zu interdisziplinären Experimenten in der Stadtgestaltung. Street Art, heute auch Urban Art genannt, ist durch seine meist kurze Lebensdauer eine Kunst des gegenwärtigen Erfassens; für den Betrachter zum Zeitpunkt der Betrachtung und für den Künstler zum Zeitpunkt des Erschaffens. Dabei wird der Künstler von vielen Aspekten seiner Umwelt, seien sie soziologisch, ökonomisch, politisch, kulturell, künstlerisch oder architektonisch, beeinflusst. Street Art ist damit zugleich ein Teil der Umwelt und eine Reaktion auf sie. Berlin spielt eine Hauptrolle in der aktuellen internationalen Diskussion um Street Art. Uns interessiert die direkte Verbindung von urbaner Kunst und Architektur. Was kann Architektur vom spontanen Eingriff der Kunst in urbane Innen- und Außenräume lernen?

Die Essays von Katja Sergeeva und Katja Aßmann in diesem Katalog beschäftigen sich mit Initiativen rund um die Nutzung freier Flächen für die Kunst in Berlin sowie dem Spannungsfeld von Kunst und Stadtentwicklung im Ruhrgebiet.Wenn der chinesische Künstler Ai Wei Wei im Rahmen der Emscherkunst 2013 Zelte zur temporären Nutzung entlang eines Flusses aufstellt, dann ist das Kunst. Dann geht es um die Neubesiedlung und Neudefinition von Orten, die ihren, wie im Ruhrgebiet industriellen Sinn verloren haben; dann geht es um individuelle Erfahrungen, Interaktion und das Einbeziehen der Anwohner. Wenn aber eine

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Gruppe von Anwohner entlang des Flusses Zelte aufschlägt, ungefragt, ohne Künstler und eine Institution im Rücken, dann stellen sich die meisten doch die Frage: Dürfen die das? Aber ist das nicht genau das, was sich die Kunstinitiativen erhoffen? Der kuratorische Ansatz besteht im Anstoßen von Prozessen durch Künstler, die dann von Nicht-Künstler weiter entwickelt werden können. Künstler werden nicht nur in Deutschland immer öfter in die Entwicklung von Gebieten mit Problemen verschiedenster Art einbezogen, weil sie Potential erkennen und sich trauen neue Wege zu gehen. Sie werden in die Planung zukünftiger Nutzungen, Betrachtungen und Gestaltungsfragen einbezogen, weil ihre Arbeitsweise im allgemeinen nicht passiv sondern aktiv ist. Sie warten nicht darauf organsiert zu werden, sondern organisieren sich selbst. Dem passiven Warten steht ein aktives Machen gegenüber, ohne das sie als Künstler nie überleben würden. Sie helfen Kraft ihrer Vorstellung und Gabe Qualitäten in schon fast aufgegebenen Orten zu erkennen, neue Räume zur aktiven Mitgestaltung zu eröffnen, und dadurch die Wahrnehmung der Bevölkerung zu ihrer Umgebung zu ändern.

Auch die Künstler und Architekten von Urban AU II arbeiten an ihrer je eigenen aktiven Gestaltung urbaner Räume, die sich an einigen Stellen überschneiden. Tanja Milbourne (Fotografin und Künstlerin) und Ben Milbourne (Architekt und Künstler) projizieren zum Beispiel Innenräume an Berliner Brandwände und suggerieren so das Leben der Bewohner dahinter. Ihr Projekt nennen sie “The Secret Life Of Buildings”. Es enthält Verweise auf Gordon Matta-Clarks Aufschneiden von Häusern und Wänden sowie das Spiel mit der Perspektive im Illusionismus. In ihrer Arbeit gehen sie auf die Sprache, Materialien und Struktur der Architektur ein, setzen aber Inhalt und Funktion einer Neudefinition aus. Sie schneiden in das Vorhandene, um Verborgenes ans Licht zu bringen; nicht immer interessiert am Wahrhaftigen, sondern auch oft am Imaginären. Sie arbeiten an Raumerweiterungen, am Ausdehnen des Alltäglichen ins Ungewisse. Ihr Hauptinteresse liegt in der Verortung der Kunst im öffentlichen und privaten Stadtraum. In diesem Zusammenhang erforschen sie die menschliche Wahrnehmung und deren Sinn für die “Wahrheit” und “Echtheit” in der Fotografie und dem Prozess des Bildererstellens.

An einer anderen Art der Neudefinition von urbanen Außen- und Innenräumen sind ZAP und Jumbo interessiert. Jumbo ist der Künstlername des Künstlers und Graphikers Andrew Boddam-Whetham aus Sydney. Künstlerisch beeinflusst haben ihn Keith Haring und Basquiat, die oft Straßenräume in ihre Kunst integriert haben. Jumbo hat ein eigenes Grafikbüro in Sydney, und stellte seine Arbeiten im städtischen Raum sowie Galerien in Europa, Amerika und Australien aus. Mit Langzeit-Crew-Partner ZAP (alias Alex Gereg) arbeitet er oft an überlebensgroßen Wandbemalungen und Postern im öffentlichen Stadtraum. Werke beider Künstler werden von der Nationalgalerie (NGA) in Canberra gesammelt und sind auf vielen Festivals zu sehen, u.a. “Go Font Urself”, “Semi-Permanent”, “Adelaide Urban Art Festival” und “This Is Not Art”.

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Russell Isaac-Cole (Architekt und Künstler) versucht in seinen von Graffiti inspirierten zeichnerischen Arbeiten eine Entgegnung auf die Bedeutung des architektonischen Denkprozesses zu formulieren. Die stetige Weiterentwicklung seiner Techniken in Zeichnung und Entwurf zielt auf ein Verorten seiner Ansätze im aktuellen Zeitgeschehen. Der Prozess des Umsetzens von Zeichnung in gebaute Form ist bei ihm ein kontinuierlicher der sich auch umkehren kann. Er experimentiert dabei viel mit Materialien und Strukturen, was ihn nahe zu den Wurzeln der Street Art führt, die ihre Anfänge in den 1960er Jahren hatte. Künstlerische Ideen wurden seither in einer neuen Formenvielfalt präsentiert, d.h. nicht mehr nur innerhalb der fest gefügten Kunstformen (Malerei, Grafik, Bildhauerei) und Institutionen (Museum, Galerie) realisiert, sondern in jegliche Materialien und Situationen übertragen. Man nannte diese Kunst damals man noch nicht Street Art, sondern Konzeptkunst, Minimal Art, Site-specific Art oder auch Environmental Art. Gemeinsam war ihnen das Bestreben nach einer Kunst, die Teil des Orts wird, und damit den Ort durch die Intervention des Künstlers verändert.

Mit Urban AU knüpfen wir an die Tradition der Site-specific Art an, gehen aber einen Schritt weiter, in dem wir die Wechselwirkungen zwischen Kunst und Architektur nutzen wollen, um neue Möglichkeiten innovativer urbaner Räume bereits in der Planung und nicht nur der Reaktion zu eröffnen. Australien hat eine urbane Population von 92%, und ist eine wachsende Gesellschaft mit kulturellen Einflüssen aus aller Welt (Europa, Asien, Afrika, Amerika) deren englisch koloniale Stadtplanung einer dringenden Neuausrichtung bedarf. Auftakt der diesjährigen Urban AU Ausstellung war ein Symposium am Architekturforum AEDES, an dem unsere Künstler und Architekten neue urbane Strategien mit Teilnehmer aus aller Welt diskutierten.

Berlin ist für ihre kulturelle Anziehungskraft und internationalen Einfluss in Kunst und Architektur bekannt. Kunst und Kultur in Berlin gehört allgemein vielmehr zum Alltag als in Australien. Berlin spielt damit eine Vorreiterrolle und hat Modellcharakter für Städte wie Canberra, Sydney, Melbourne, Perth und Brisbane. Unser Ziel ist daher, die Erfahrungen der australischen Künstler, Architekten und Kuratoren in Berlin, an anderen Orten weiter zu denken und zu entwickeln, um neue urbane Innovationen und Formen des Zusammenlebens anzuregen. Wir wollen das urbane Leben nicht von der Kunst trennen, und es auch nicht nur als ein Einfluss sehen. Es soll ein Bestandteil werden. Denn, wie Donald Judd in seinem Vortrag Art and Architecture an der Yale University (1983) sagte: “Kunst wird so gemacht wie man lebt”.

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URBANE KÜNSTE RUHRExperiment mit TraditionKatja Aßmann

Urbane Künste Ruhr ist die neue regionale Kunstorganisation im Ruhrgebiet, die sich im Spannungsfeld von Kunst und Stadtentwicklung bewegt.

Der Zusammenschluss von 53 Städten und Gemeinden bilden das heutige Ruhrgebiet. Mit rund 5,1 Millionen Einwohnern, einer Fläche von 4.435 Quadratkilometern, gelegen nahe der niederländischen und belgischen Grenze, ist es die fünftgrößte Städteagglomeration Europas.

Urbane Künste Ruhr nutzt das Ruhrgebiet als Aktionsfläche, um eine Position zur Öffentlichen Kunst zu formulieren, bei der die bildende und darstellende Kunst gleichermaßen die Ton angebenden Protagonisten sind. Urbane Künste Ruhr folgt einer programmatischen Linie, handelt eigenständig und doch immer im Netz lokaler Partner, um gemeinsam neue Perspektiven für das Ruhrgebiet aus der Sicht der Kunst zu entwickeln.

Urbane Künste Ruhr wurde im Anschluss des Kulturhauptstadtjahres 2010 durch das Land Nordrhein-Westfalen und den Regionalverband Ruhr gegründet, mit dem Auftrag, international relevante Kunstprojekte im urbanen Raum zu produzieren.

Urbane Künste Ruhr ist ganz neu und folgt doch einer langen Tradition. Die Transformation des Ruhrgebiets von der vergehenden Industrieregion hin zur lebendigen Kulturmetropole dauert bereits seit mehr als zwei Jahrzehnten an und war stets geprägt von eigenwilligen, mutigen Entscheidungen. Die Etablierung der Industriekultur und Landmarkenkunst in den 1990er Jahren durch die Internationale Bauausstellung Emscherpark und die Setzung der Metropolen-Metapher durch die Kulturhauptstadt Europas im Jahr 2010 zeugen von Experimentier- und Erfindergeist.

Urbane Künste Ruhr greift diese progressive Linie auf, um neue Wege in der Gestaltung der Stadtlandschaft und Stadtgesellschaft des Ruhrgebiets zu beschreiten. Bei der IBA Emscher Park waren es vornehmlich Städtebauer,

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Architekten, Landschaftsplaner und Soziologen, die den “Wandel ohne Wachstum” praktizierten. Das Kulturhauptstadtjahr stand unter dem Motto “Wandel durch Kultur” und folgte bewusst einem breiten Kulturverständnis bei der Ausformung des Programms. Mit Urbane Künste Ruhr sind es nun die Künstler, die den eingeschlagenen Weg weiterführen.

In diesem Sinne vereint Urbane Künste Ruhr unter neuen Vorzeichen die bildende und darstellende Kunst unter einem Dach, um im Dialog mit der Planung das polyzentrische Städtegeflecht an Emscher und Ruhr fernab traditioneller Planungsinstrumente zu betrachten. In diesem Anliegen, neue Perspektiven in die Stadt- und Regionalplanung über die Mittel der Kunst zu eröffnen, ist es nur folgerichtig die Stadtbewohner als eigentliche Urbanitäts-Experten einzubeziehen. Urbane Künste Ruhr verfolgt den Anspruch, kollaborativ zu wirken und die Stadtgesellschaft generationenübergreifend und interkulturell in den Prozess einzubeziehen.

Mit diesem programmatischen Ansatz im Blick, führt Urbane Künste Ruhr ausgewählte Kunstprojekte wie die EMSCHERKUNST im Nachgang der Kulturhauptstadt Europas weiter. Die Kunstausstellung im öffentlichen Raum versteht sich in der Tradition der IBA Emscherpark als “Werkstatt einer Region im Wandel”. International renommierte Künstler und junge Talente begleiten, kommentieren und verursachen die Umgestaltung des Neuen Emschertals, vielfach im Dialog mit den Menschen und immer für die Menschen vor Ort.

Eine weitere Besonderheit im künstlerischen Portfolio des Ruhrgebiets ist die seit Jahren andauernde Beschäftigung von Kuratoren, Künstlern, Planern und Designern mit den urbanen Infrastrukturen. Ein Thema, das Urbane Künste Ruhr mit der Weiterführung und Neudefinition des Kulturhauptstadtprojekts “B1 I A40 – Die Schönheit der großen Straße” aufgreift. Künstler realisieren temporäre Werke in den fast vergessenen Räumen rechts und links der Autobahn, um neue Perspektiven für Planer und Nutzer gleichermaßen aufzuzeigen.

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Schon seit Mitte der 1990er Jahre behauptet die Region von sich selbst, die größte Lichtlandschaft Europas zu sein. Lichtkunst und Lichtdesign im urbanen Raum haben tatsächlich eine lange Tradition und haben den Transformationsprozess des Ruhrgebiets stets begleitet. Urbane Künste Ruhr greift dieses wichtige Thema auf, das schon bei IBA und Kulturhauptstadt von Bedeutung war. Mit “Urban Lights Ruhr” soll ein neues Format entstehen, bei dem interdisziplinär besetzte Gruppen und Kollektive das Medium Licht und Energie als Forschungsinstrumente für die Zukunft von Stadtraum einsetzen.

Das Ruhrgebiet mit seinem ständigen Wechsel städtischer Dichten bietet dabei die Plattform und ist selber Anlass, um ortsspezifische wie grundsätzliche urbane Fragestellungen zu formulieren. Die Kunst erhält ihre Motivation aus den Orten und Menschen und verharrt nicht im kunstinternen Diskurs. Die Kunst trägt jedoch zugleich die visionäre, radikale und utopische Kraft in sich, die bestehenden urbanen Strukturen neu zu codieren und aufzuladen. Erst das Zusammenspiel von Planung, Kunst und Stadtbewohner schafft Möglichkeitsräume, um die Veränderung für die Zukunft zu erproben.

Ein zentrales neues Format von Urbane Künste Ruhr bilden die “Mobilen Labore”, in denen gemeinsam mit Künstlern und Kuratoren, lokalen Kunstinstitutionen und Städtevertretern die Themen und Projekte entwickelt werden, die im urbanen Raum des Ruhrgebiets eine internationale Relevanz entfalten können.

Die “Mobilen Labore” stehen für künstlerische Prozesse mit offenem Ausgang. Schon die Themenfindung, deren Verortung und Sichtbarmachung in neuen Formaten in der realen wie der digitalen Welt ist ein künstlerischer Akt. Über einen mehrjährigen Zeitraum behandeln die Labore in verschiedenen Phasen jeweils zugespitzte urbane Fragestellungen, die in ihrer Art global virulent sind, sowie lokal und regional im Ruhrgebiet ihre Verortung finden. Die künstlerischen Ausgangs-Fragestellungen der Labore zum urbanen Raum generieren sich aus den raumbildenden Disziplinen Bildende Kunst, Performative Kunst, Choreografie und urbanistische Intervention.

Ein gelungenes Beispiel für ein Projekt, das einer Laborsituation entstammt ist “This is not Detroit”. Ein aktuelles Thema, die Schließung des Bochumer Opelwerkes ist Anlass und Motivation für ein künstlerisches Experiment. In Recherchen, diskursiven Formaten, Performances, Ausstellungen und Installationen entsteht im Zusammenschluss von Urbane Künste Ruhr mit dem Schauspielhaus Bochum ein interdisziplinäres Stadtprojekt. Aufgabe für jeden Künstler oder jedes Kunst-Kollektiv, für Bewohner, Aktivisten und auch den Opelanern ist die Auseinandersetzung mit Fragestellungen aus dem Verhältnis von Arbeit und Stadt. Das Ziel von “This is not Detroit” ist es, der bevorstehenden großen ökonomischen Umwälzung eine große künstlerische Intervention entgegenzustellen.

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Das Archipel InVest ist ein Laborprojekt aus der bildenden Kunst, das sich mit dem bevölkerungsreichsten Landkreis Deutschlands beschäftigt, dem Vest. Im Mittelpunkt der künstlerischen Recherche stehen Fragen zur Zukunft der postindustriellen vvestlichen Welt. Die Kuratoren und Künstler sind aufgerufen lokale Utopien zu entwickeln, die sich über die üblichen Strukturen hinwegsetzen und sogenannte “Sondernutzungszonen” für den vestischen Kreis entwickeln dürfen. Diese “Sonderzonen” bauen auf vorgefundenen gewachsenen Strukturen auf und stellen die Inseln innerhalb des Archipel InVest dar. Teil der Projektidee ist eine “Anwerbekampagne”, um geeignete Experten in das Vest zu locken. Das Spektrum von lokalen und internationalen Spezialisten für die Gründung von Sondernutzungszonen erstreckt sich von Künstlern, Aktivisten und Planern über Projektraumgruppen bis hin zu Wissenschaftlern. Wichtig bei der Auswahl der Experten sind die Kompetenzen in der Gründung von selbstorganisierten Strukturen und ein spielerischer Umgang mit bestehenden Regeln.

Das sind nur zwei Beispiele für Laborprojekte, bei denen der urbane Raum mit seinen baulichen und sozialen Strukturen im Mittelpunkt künstlerischer Betrachtung steht und im Sinne einer experimentellen performativen Forschung neue Felder eröffnet - für Netzwerkarbeit, Interdisziplinarität und Kollaboration. Projekte ordnen sich übergreifenden Fragestellungen und Strategien unter, um so virulente, progressive und neuartige Kunstformate zu generieren, die in ihrer Bedeutung die Kraft eines Paradigmenwechsels in sich tragen. Alle Projekte von Urbane Künste Ruhr sind entweder bereits regional angelegt oder haben stets den Anspruch zwar punktuell zu wirken, dabei jedoch die gesamte Region im Blick zu behalten, um ihr relevante Modellprojekte an die Hand zu geben.

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KUNST BRAUCHT FLÄCHEKatja Sergeeva

Das Projekt “Kunst braucht Fläche” findet vom 20. Juli bis 4. August 2013 in Berlin zum zweiten Mal statt. Wie schon im letzten Jahr stellt AV Tour GmbH, ein Berliner Unternehmen, welches sich auf Kulturwerbung spezialisiert hat, mehrere ausgewählte Plakatwerbeflächen in der Innenstadt Berlins, wie z.B.: Werbetafel, Stadtbanner und Litfaßsäulen in verschiedenen Größen, zum freien Gestalten zur Verfügung.

Das Projekt will in Berlin lebenden Künstlern eine kostenlose Plattform bieten, ihre Arbeiten im urbanen Raum zu präsentieren. Den Formen (zweidimensional) sind dabei keine Grenzen gesetzt. Das Ziel ist es eine aktive Gestaltung des öffentlichen urbanen Raums durch Kunst, um das Stadtbild auf kreative Weise mit zu bestimmen.

Im Jahr 2012 wurden 9 Werbeflächen mit einer Gesamtfläche von ca. 240 m² zur Verfügung gestellt. Aus den zahlreich eingegangenen Bewerbungen wurden 18 Arbeiten ausgewählt.

Das Projekt richtet sich an Künstler aus dem klassischen Kunstbereich, die normalerweise keinen Street-Art Hintergrund haben. Die Kunstwerke, die auf Plakatwänden präsentiert werden, sind ansonsten in Galerien zu finden. Das Besondere ist, dass diese Open Air Ausstellung sich an einer Schnittstelle befindet: Die Künstler agieren in einem Zwischenraum von klassischem Kunstbereich, Urban Art, Kunst im öffentlichen Raum und Plakatwerbung. Es wurden speziell für das Projekt konzipierte Arbeiten begrüßt, die den konkreten Standort, dessen Umgebung und Geschichte mit einbeziehen und mit dem urbanen Raum spielen.

Die Kunstwerke wurden aus dem für die meisten Künstler normalen Kunstkontext herausgerissen: Zum einen bedeutet dies für die Künstler, dass keine Erklärungsmöglichkeiten bestehen. Das Kunstwerk ist dem Betrachter direkt ausgeliefert. Es gibt keinen Interpretationsrahmen, wie einen Ausstellungstitel an der Galeriewand oder ein kuratorisches Statement im Katalog.

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KUNST BRAUCHT FLÄCHEKatja Sergeeva

Zum anderen müssen die Künstler die Street-Art-Verhältnisse akzeptieren: Die Werke sind der Witterung ausgesetzt und können z.B. auch abgerissen, überklebt und verändert werden. Die Vergänglichkeit ist der Preis, den man bezahlt, um den öffentlichen Raum künstlerisch zu gestalten und als Kommunikationsmedium zu nutzen.

Im letzten Jahr wurden Arbeiten aus den Bereichen Fotografie, Zeichnung, Malerei, Collage, Performance, Installation und Grafik präsentiert. Ein Teil des Experiments sind die für viele ungewohnt großen Maße der Plakatflächen. Die Kunstwerke wurden auf die Maße der Werbung vergrößert. Eine Wüstenlandschaft mitten in der Stadt zu erblicken, die sich auf 20 Meter erstreckt, ist – sowohl für das Publikum, als auch für die Künstler selbst ungewohnt aber auch enorm beeindruckend.

Plakatflächen sind besonders gut geeignet, um einen Austausch zu ermöglichen und Kommunikation anzuregen. Es entsteht ein Überraschungsmoment: Passanten bleiben stehen, fotografieren, diskutieren. Der Künstler hat die direkte Durchwahl zum Betrachter, völlig unabhängig von der kommerziell agierenden Kunstwelt. Es ist nicht immer leicht, eine Galerie für eine Ausstellung zu gewinnen und das Publikum auf sich aufmerksam zu machen. Hier wird eine Ausstellungsfläche geschaffen, nicht in Innenräumen, mit einer begrenzten Zahl von Kunstinteressierten, sondern draußen, wo Passanten teilhaben am Erschaffen, Verwirklichen, Reflektieren.

Die direkte Arbeit mit der Plakatfläche bildet die Quintessenz der Projektidee. Ein besonderes Highlight bei „Kunst braucht Fläche“ 2012 war die Arbeit des Künstlers Lan Hungh “Ghost in the Mirror”: Der Raum gegenüber der Plakatfläche wurde mit einem Spezialverfahren fotografiert. Nach der Anbringung der Fotoinstallation agierte die Plakatfläche wie ein Spiegel für den urbanen Raum. Durch eine mehrstündige interaktive Performance/Installation des Künstlers direkt an der Plakatfläche wurden noch weitere Diskurse einbezogen: die Nutzung von Objekten, Körper, Politik; die Neukontextualisierung der existierenden Kunst; die Erschaffung neuer Werke. Grenzen wurden einerseits verwischt, aber gleichzeitig der Zwischenraum von klassischem Kunstbereich, Urbaner Art, Kunst im öffentlichen Raum und Plakatwerbung genauestens ausgelotet. Ein präziser Stich, der die Kommunikation und Interaktion mit der Gesellschaft nutzt, um uns einen Spiegel vorzuhalten.

Wo auf Plakatwänden normalerweise Konzerte, Ausstellungen oder Theatervorstellungen angekündigt werden, wurde junge Kunst gefördert und präsentiert. Der Raum wird für Kunst geöffnet und alternative Gestaltungsmöglichkeiten werden geschaffen, unabhängig von den traditionellen Verschönerungsmaßnahmen des öffentlichen Raums und alternativ zur Street-Art, die ungefragt urbane Flächen besetzt. Auf jeden Fall wird ein großes Publikum erreicht, das dadurch den öffentlichen Raum bewusster wahrnimmt. Ein Erfolg für alle – die Künstler, das Unternehmen und das Publikum.

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WORKS ON SITE AND NON-SITE

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Exhibition Urban AU II, Opening Stattbad, Berlin 29 June 2013

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Tanja and Ben Milbourne Projection “The Secret Life Of Buildings”, Stattbad, Berlin

29 June 2013

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Tanja and Ben Milbourne Projection “The Secret Life Of Buildings”, Kreuzberg, Berlin

26 June 2013

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Tanja and Ben Milbourne Projection “The Secret Life Of Buildings”, Pfefferberg, Berlin

18 June 2013

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Tanja and Ben Milbourne Projection “The Secret Life Of Buildings”, Pfefferberg, Berlin

13 June 2013

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Russell Isaac-Cole Sketches 10 June 2013

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DrawingRussell Isaac-Cole 15 June 2013

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Russell Isaac-Cole Model, Stattbad, Berlin

12 June 2013

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Russell Isaac-Cole InstallationStattbad, Berlin

29 June 2013

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Russell Isaac-Cole InstallationStattbad, Berlin

29 June 2013

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Russell Isaac-Cole InstallationStattbad, Berlin

29 June 2013

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Jumbo and Christian Hinz Looking for the right spot, Biesdorf, Berlin

14 June 2013

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ZAP Abandonment Factory, Biesdorf, Berlin

14 June 2013

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ZAP and Jumbo Sketch, Abandonment Factory, Biesdorf, Berlin

14 June 2013

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ZAP and Jumbo Wall Piece, Abandonment Factory, Biesdorf, Berlin

14 June 2013

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ZAP, Jumbo and Buff Diss MauerparkPrenzlauer Berg, Berlin

13 June 2013

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ZAP, Jumbo and Buff Diss MauerparkPrenzlauer Berg, Berlin

13 June 2013

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Jumbo Wall pieces, all over Berlin

10 - 30 June 2013

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Jumbo Wall pieces, all over Berlin

10 - 30 June 2013

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Jumbo Wall piece commissioned by EdelmatPrenzlauer Berg, Berlin

22 June 2013

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ZAP Wall piece commissioned by EdelmatPrenzlauer Berg, Berlin

22 June 2013

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ZAP Wall pieces, all over Berlin

10 - 30 June 2013

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ZAP Wall pieces, all over Berlin

10 - 30 June 2013

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Jumbo Outside Stattbad,Berlin

15 June 2013

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ZAP Outside Stattbad,Berlin

15 June 2013

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Jumbo Inside Stattbad,Berlin

29 June 2013

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ZAP Inside Stattbad,Berlin

29 June 2013

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Exhibition Urban AU II, Opening, Stattbad, Berlin

29 June 2013

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Exhibition Urban AU II Opening, Stattbad, Berlin

29 June 2013

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SECRETS + SURFACESOn the works of Ben and Tanja MilbourneDin Heagney

In 1975 Gordon Matta-Clark demolished a massive conical hole through two 17th century townhouses in Paris. Sadly, he would not live to see the legacy of this intervention upon the site that would become the Centre George Pompidou, an epicentre of controversial incursions into heritage by modernism.Through his displacement of form through space, revealing the interior and exterior of the building in a disorienting whorl, Matta-Clark converted this unwanted architecture by subtracting from its once functional volume, erasing essential elements of the structural skin of the building, remaking it as a sculpture within and of space.

Fast-forward to present-day Berlin, where the once divided east and west are increasingly brought together through architectural development; where the spatial, historical and cultural differences of the past are being constantly merged and erased through functional reconstruction. In the former inner west lies the Stattbad, designed in 1907 by Ludwig Hoffmann as a public swimming pool complex and more recently converted into a cultural centre. It is here that artists Ben Milbourne and Tanja Milbourne, working in architectural-photographic collaboration, created a series of interventions within one of the empty pools and across four further sites in the neighbouring suburbs.

In The Secret Life of Buildings, the artists’ projections punched through the urban fabric of industrial and residential walls. Appearing as ex-/implosions in the fabric of the façades, their light-based illusions revealed the imagined interiors of these buildings; empty spaces, lived spaces, abandoned spaces. While the references in this work to Marta-Clark’s interventions are clear, the methods differ; rather than physical deconstruction, the pair achieves the effects via photography and projection. Photography as a regular adjunct to architecture is most conspicuous, and often most passive, in its extension within the documentation process. Few developments, whether residential or commercial, could succeed without photographic documentation, representing the architectural form as object, enhancing its marketing and critical capacity

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with high resolution reproductions. Here lies an important interest for the artists: how to reframe the relationship between architect and photographer from one of object-documentation, and move it toward a more collaborative relationship that reveals the integrity of both the representation and the site. This type of photographic relationship can be seen in the reconstructions of Thomas Demand, James Casebere or in Filip Dujardin’s series Fictions and Guimaraes; works that invert the functional relations of architecture, signifying the site as lived or ‘real’ space by questioning our perception of the reality of the photograph. This interest can also be seen in the artist duo’s earlier investigations Behind This Wall and 1:20 Room 1 (future archaeology), which exploited what lies behind the constructed surfaces of white-cubed gallery spaces in Canberra and Berlin. In each of these series, Ben Milbourne and Tanja Milbourne combine the chosen fields to reveal the outside through the inside, bringing what may be hidden underneath to the surface.

If we consider architecture as site, as urban objects within a vast interconnected network of relational site-objects, how do we successfully inhabit them within the negotiation between private and public, commercial and domestic? When we are able to glance with x-ray vision into these spaces, as witnessed in The Secret Life of Buildings, we might question how these imagined projections alter our perceptions of how we live within this web of architecture: where the classical is subsumed by the modernist, where past and present jostle toward renovated entropy, where we are but temporary tenants in a vast ongoing event.

Presenting a spatial illusion of this kind also creates a momentary type of voyeurism into the sealed spaces of architecture, revealing this secret life within, the spaces we inhabit yet use to conceal our activities and interactions from the surrounding environment.

In this work we can see photography working with rather than for architecture, operating as a three-dimensional medium with anamorphic projections, enabling both construction and light mediums to inhabit the same space, allowing the building to mediate itself, concealing and revealing the site as form, object, and lived space.

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Continuing this spatial potential of the photographic-architectural form, the artists created a second work as part of their residency in Berlin, pressing further into abstraction with more ephemeral and light-based media. Installed in one of the disused swimming pools at Stattbad, Just Like Swimming applied controlled light to construct another spatial illusion. Having filled the empty pool with fog generated by a smoke machine, the site was transformed from a once-was space through an elemental reference to its former function; most simply, a pool once filled with liquid and now an empty pool filled with gas.

In projecting blue light across the top of the pool and the upper limit of the fog, the work archived a kind of illusory stasis, a shimmering surface, an illusion of refracting water. Engaging with the two spaces - the exterior of the pool and the interior container filled with vaporous substance - the viewer could literally step into the work and walk into the pool of light until submerged within the piece. To amplify the experience, the artists projected another layer within the pool: video imagery of swimmers from pools in and around Berlin, their bodies floating about, enhancing this submersion into illusion.

Being able to observe the installation from either outside the pool or submerged from within, the work triggers a memory of the built form, with the photographic and light mediums operating as a vehicle. How we perceive the reality of space, the ‘real’ space we inhabit, becomes split in Just Like Swimming, for we are submerged in a kind of light and atmosphere as we would be at any time of the day anywhere, yet here we are inside a concrete structure in a windowless building that performs a different function to its intended form. How does this displacement effect our perception of ourselves in space? What are we really seeing, what are we really building, where are ‘we’ in this constructed complexity?

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This is a good place to leave you: floating in a pool of light with questions about space; but consider this quote from James Turrell, a master artist in light-based media, who most succinctly describes these kinds of complications between space and ‘real’ space:

‘I literally made a whole new space out of the same physical space, which remained the same, although that’s not what you encountered perceptually. The example I like to give is the experience of sound when you are wearing good earphones or have a good stereo system. You find yourself in a music space that’s larger than the physical space you’re in. It’s the same when you’re reading: you become so engrossed in the book that you’re more in the space generated by the author than you are in the physical space where you are sitting. This extension to so-called “real” space is the space that we operate in all the time. Just look next to you at the stoplight and see that kid rocking back and forth with the music on. Is he in the same space you are? I don’t think so.’

From a series of conversation with the artists: Ben and Tanja MilbourneElaine A. King, ‘Into The Light: A Conversation with James Turrell’ in Sculpture Magazine, Nov. 2002, Vol.21 No.9.

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TIME + PRESSUREOn the advantages and disadvantages of history for Urban Art. Interviews and Editing by Rohan Ranasinghe and Benjamin Norris

Featuring Russell Isaac-ColeGRAFFITIRussell: Is a bit of a critique of the city that you’re in and what’s gone on before it. The spontaneous nature of street art is really hard to achieve in architecture.

CONCEPTRussell: You can’t really come up with a concept. You get it really to build and then get it built in the same space. You can at the same time be quite critical because it sometimes does have the same facade, that same presence on the street as the street frontage. Sometimes it is the same size.

RATIONALERussell: You don’t always need a refreshing idea to work with artists and walk the streets and become a part of the city.

SPACERussell: Its quite an interesting way to work where you’re in a foreign space and foreign country but then just moving around and resourcing materials - you can become quite a part of the city.

BERLINRussell: It’s quite interesting having a feel for Berlin, doing an installation. Sometimes I have more of a feel for this place than I have for numerous buildings I‘ve put up in Australia because I’ve only been to the site a couple of times an it was a vacant lot of land and I didn’t really get to know the people. This has been a refreshing way of making work. I’ll be trying to push this into my technical practice a bit more.

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PERFORMANCERussell: I think the thing about street art is that the guys wear their hearts on their sleeves. They paint live in front of people and their work is there straight away to be judged, it’s bright and it’s very clear what they’re doing. Architecture should have the same spontaneity where here’s my work, here’s what I’ve done. I’m quite happy for it to be judged in the same way. Which maybe is not always possible.

NOMADRussell: There’s a lot of work out there where it has to be the ultimate contemporary architectural project, which represents the whole office. Maybe if we could step back a little bit like artists do. They produce a project where they’re quite happy to deal with if its good if its bad and they move onto the next one.

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Featuring ZAP and JumboON PERSONAL HISTORIESZAP: I started doing graffiti when I was 13. It was just part of skate culture. I mean it wasn’t even really skaters doing it.Jumbo: I think I was interested in art, the traditional side of modern art. My grand ma was a painter. Maybe it was something inside that was just trying to get out. I don’t really take it too seriously, with street art or graffiti or whatever you want to call it. It’s not a serious medium. You can take it or leave it at the end of the day. You don’t treat it like you’re a professional painter or anything like that. If you dip in and out of it, I think that those times that you’re addressing ideas on the fly, there are no lines drawn, what ever happens happens. It’s a good medium.

ON THE HISTORY OF SKATEBOARDINGJumbo: Skateboarding is the movement through space on a deck of wood. It is as much a critique of occupied space as graffiti. It is a street art that runs parallel to graffiti and informs a lot of it.

ON THE HISTORY OF ITERATIONJumbo: We’re trying to spread our ideas over a number of surfaces. We’ve been painting quite a number of spaces. If you walk around, its quite hard to do in Berlin, but if you didn’t know the work and you just saw it and in a weeks time you saw it again in a different place, the parallels that you can draw and just knowing that it is something you have seen before is quite interesting.

ON THE HISTORY OF INTENTJumbo: People’s motivations are pretty fascinating. Me personally, if I mark a space in a foreign city far away I know that somehow its engaging someone who doesn’t really know what its about. It’s just a fascinating thing to do really.

ON THE HISTORY OF MARKINGZAP: I paint just to leave a mark on a space and be seen.

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ON THE HISTORY OF SELF AWARE HISTORYJumbo: Visually there’s not a great difference between street and fine art. You just can’t separate things anymore. Especially in this day and age. Things merge, and they’ve been crossed over so many times. The idea of experimentation is really current but especially now it’s really hard to do. With that kind of wishful exploration, the ground has been covered quite a lot. You don’t call something new it’s just something that you do that has its own experience. Everything has its own history and you just have to be aware and refer to that history because you can’t think of what you do as different anymore. You have to be aware of what was going on in the past. When you talk to graffiti artists, particularly ones who are thinking about graffiti a lot, they do what they do because they are trying to find a place for themselves in that chronology. And that’s a very interesting thing about street art it has a very deep history. It goes way before the Shepard Fairys and his OBEYS and the Mike Giants and the Banksys of the world - it really goes back to the late 1960s in Paris with the drawling and scrawling and that stuff. If you’re aware of all that story then you have a better chance of understanding what you’re doing. In doing this you realise that it’s not necessary to make any distinction between them. ZAP: It’s different because you’re doing it on the street and its more expressive than something that’s contained in the gallery. Visually, street art is different to fine art because you’re dealing with massive forms. With canvas and stuff you’re dealing with a small scale. Whereas graffiti is something that is several stories high. So it’s going to be different. Also, stuff done on the streets is done for power. Jumbo: The product and the action are two different things.ZAP: The reason that people go to galleries is driven by money. A lot of traditional graffiti has no money in it at all.

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ON THE HISTORY OF DISCOURSEJumbo: I think that it is a dated question. If you look at the bigger picture and zoom out: street art / fine art / urban art - all those things combine right now to create an art world. There’s plenty of different actions, but if you look at the what there actually doing its a visual language. They’re talking and they’re speaking. They might talk on the street or speak in the gallery. I don’t think that surfaces are necessarily a part of the story.

ON THE HISTORY OF CURATIONJumbo: If you consider a big gallerist in London or New York - they understand what that artist is doing at that particular time. The audience is so different across the art world, obviously. In Sydney, they’re not really across that whole story. If you go to London and places like that, people have a very vast understanding of what that person is doing at that particular time and why they’re doing it. You know, the gallerist, because they know that particular artist has a particular place in history of their art context. It’s complicated, you know. A gallerist chooses an artist for a reason and a good curator is looking for an artist that is like a little flagpole for their era. You find that these graffiti artists are symbolic for their era, and these ones are the particular most important ones. A good gallerist will always choose that artist.

ON THE DEVELOPMENT OF HISTORIESJumbo: But the audience doesn’t always clock that, but if you keep going to the same gallery - you’ll find that that particular gallerist has chosen these artists for a reason - and that’s a story they’re trying to create. They might even be reinventing contemporary art history for their own means, to sell artworks.What I’m saying is that there’s a lot of hype and bullshit. Truth be told, people know where the best galleries are, the ones that show the best artists - at least - the artists that have their head around it. I don’t think that any artist has control over what they’re saying 100%. It’s just not possible. You throw the work out there, someone comes back to you and says “Oh, that looks good”, “Oh it reminds me of” and then they create the story for you. The audience is always

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going to have a 50/50 say - perhaps not to that extent sometimes - but generally the artist does not have full control over the story that they’re doing.

ON THE HISTORY OF MEANINGJumbo: You don’t have to rationalise your process. Because you’re an artist that is creating things and you just don’t want to control every aspect of it. What does this mean? Who cares? Especially in street art where you just paint it. Meaning is secondary. I just try to get things done. It’s pretty lucid for the most part. Just right now I’m trying to find solutions to visual problems, which are things that are obviously intrinsic in your own mind. There’s a million and one ways to solve a visual problem. But when you develop an idea and language you just have these parts that you have to join together. Really it’s just a practical solution for things that’s not entirely practical anyway. You make that fair in your own mind because you’ve found ways to do things structurally with a drawing that work for you and help develop a language further. On that scale it’s about finding ways of solving a picture. ZAP: It just happens I think.Jumbo: I think that down the line the meaning behind all this graffiti in Berlin is to do with the history of Graffiti and the various political messages that go on. A lot of graffiti artists here are more in tuned to the history of graffiti as is New York. New York is wise to graffiti. You go there, the people aren’t necessarily putting out a political message but they’re definitely anti systems type people. They’re not straight edge.

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ON OVER EXPOSURE TO HISTORIESJumbo: Well if you look at the history of things, then the story finds its place. If someone comes to you and says this reminds me of something, its automatically placing you in a context. Contextualising you puts you into brackets, it helps in some ways. You can’t always force a meaning. That’s what a lot of art is about, it’s about allowing people to form their own interpretation. I’m not one for meaning. Meaning is just not the most important part of what we do. I think that meaning is everywhere and that we’re surrounded by so much information that if you can create a space on a wall, which doesn’t derive too much from thought - it doesn’t create a political message too much. I think that there’s a beauty about that. You’re not forcing meaning down people’s throats. It’s that 50/50 mix that’s really important to me. If you put something out there, people are going to interpret it anyway. People kind of miss meaning when you try to push it. For me the beauty of something is just as important.

ON OWNERSHIP AND AUTHORSHIPZAP: Maybe a building gets handed over to the public during the transition between different uses. Some architecture is industrial and there’s no living presence around. You should be able to paint over there and stuff and things you know? Like industrialisation, there’s a lot of it in the city there’s just nothing on it.

ON GOVERNMENT CURATION OF STREET ART HISTORYJumbo: Sydney’s not a very beautiful city is it? I look at it sometimes and go ‘why don’t people express themselves more in it’. ZAP: Like what we did today in the park (in Berlin), if we did that in Sydney the cops would be there in 20 minutes. Bang. Charged.Jumbo: Graffiti is a funny thing.ZAP: I had these old school graf(fiti) writers at a wall in Marrickville (Australia). And then fucking oath they got charged. Had to go to court over it. Just because they didn’t have the permission.

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Jumbo: Berlin definitely throws up a lot of questions about the legitimacy of graffiti-ing every single surface. Should every surface be covered? It’s a question that I ask myself a lot. ZAP: Yeah it’s true about that. Whatever happens. But there’s some parts of the world where they visually decorate everything. India, the Philippines or. Jumbo: I think a graffiti artist’s perception in terms of public and private space should be finely tuned to the goings on in the city. Like when you turn up to Rome or somewhere like that you just realise that the joints covered in graffiti. What you do may not be that risky there. But if you turn to Sydney and you look around you know instantly that there’s things that you’ve got to be really careful not to paint on to. Don’t go for particular buildings and all that. But when you come here you feel that there’s a great freedom to paint anything but then you start to ask yourself what is it about all these buildings getting completely covered on every surface. Why are we so obsessed about doing it? ZAP: In Sydney, there’s mostly just suburban houses. Where would you do it? I think that graffiti suits urban landscapes like this. The sprawl, the urban landscapes, the industrialisation you know?

ON THE HISTORY OF SNEEZINGZAP: People involved in tagging can read a tag and understand the risks, techniques, quality of paint and almost read experience what that moment would have been like. It’s a visceral communication. The common public can read the message of an anonymous hand and perhaps absorb its universal content in a public space more readily than from a live interaction with another human being.

ON THE HISTORY OF IMMEDIACY Jumbo: When you’re under pressure, it definitely makes your mind think very efficiently. And its a good thing, I think that is...

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SYMPOSIUMSmart City: The Next GenerationUlla Giesler, Aedes East e.V., Miriam Mlecek, ANCB

SMART RECEPTION at Aedes /Opening of the exhibitionFriday, 7. June 2013Words of Welcome:Kristin Feireiss, Founder AedesJejomar C. Binay Vice-President of the Republic of the Philippines, Amb. Volker Schlegel, President APFB, Xaver Augustin, Regional Director, Goethe Institut Jakarta, Ulla Giesler, Curator, Aedes, Vannita Som/Sok Muygech, winners of the workshops in Phnom Penh

Smart City Talks / SymposiumSaturday, 8 June, 2013, Welcome: Ulla Giesler, Curator Aedes, Hans-Jürgen Commerell, Director ANCB

Panel 1 : Smart Behaviour / Social InclusionPrapan Napawongdee, Shmadesign, Bangkok (Integrated Park and Streetscape, Bangkok) Ellisa Evawani, Jakarta (Alternative Helicopter, Jakarta)Eva Esposto Lloyd, Collective Studio, Phnom Penh (Tropical Urban Block)Erwin Viray, Kyoto Institute of Technology, KyotoThomas Auer, transsolar, StuttgartPanelist: Budi Pradono, Architect, Jakarta; Elisa Sutanudjaja, Rujak Center for Urban Studies, Jakarta Moderator: Adeline Seidel, Stylepark

Panel 2 : Smart Technologies and MaterialsDirk Hebel or Felix Heisel, FCL/ETH, Singapore (Bamboo Material Research) Eike Roswag, Ziegert | Roswag | Seiler Architekten, BerlinThorsten Klooster, TASK Architekten, BerlinModerator: Dr. Sascha Peters, Agentur für Material und Technologie, Berlin

Panel 3: Smart HousingDr. Eleena Jamil / EJA Kuala Lumpur (Urban housing model)Kazuhiro Kojima/ Kazuko Akamatsu, Cat, Tokyo (University Campus Ho Chi Min City) Bernhard Franken Franken Architekten, Frankfurt (Housing Hanoi)Panelist: Paola Alfaro d ́Alencon, TU BerlinModerator: Kristien Ring, Architect and Curator, Berlin

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Intervention: Presentation by Prof. Gabi Schillig, Fachhochschule Düsseldorf

Panel 4 : Smart MobilityMax Hirsh/FCL/ETH, SingaporeHardesh Singh / Better Cities, Kuala Lumpur (Re-car, KL)Felino Palafox, Palafox, Philippines (San Juan City Plan)Rainer Becker / Head of Business Development Asia-Pacific, Daimler Mobility Services GmbH Norbert Feuerstein, Doppelmayr SeilbahnenChristian Derix, Aedas, London (Marina Bay Station)Moderator: Florian Lennert, Innovationszentrum für Mobilität + Gesellschaftlichen Wandel, InnoZ

Sunday, 9 June, 2013,Welcome: Miriam Mlecek, Program Manager ANCB

Panel 5: Smart City - The Larger ScaleAmbassador HE Jai Singh Sohan, Singapore EmbassyDirk Sijmons, 6th IABR: URBAN by NATURE’ , NLKelly Shannon, Oslo School Of Architecture, Norway (Cantho Urban planning Mekong Delta) NN, Field Operations / FABRIC, city of Rotterdam case studyLars Lerup, Rice University HoustonPanelists:Cosmas Gozali, PT, Atelier Cosmas Gozali Jakarta (New Jakarta Green Belt)Ben Milbourne, BILD/RMIT, MelbourneModerator: Florian Lennert, Innovationszentrum für Mobilität + Gesellschaftlichen Wandel, InnoZ

Intervention: Short presentation by artist Irwan Ahmett

Panel 6: Creative Industries as Smart Economy FactorsDr. Rattapong Angaksith, Creative City Chiang MaiTita Larasati, Bandung Creative City Forum, Bandung Prof. Ulrich Weinberg, Hasso-Plattner-Institut, Potsdam Gerhard Schmitt, Future City Lab / ETH Zurich, Singapore Dr. Ragnar K. Willer, Konsumsoziologe, Berlin Moderator: Adeline Seidel, Stylepark

Panel 7: Smart Collaborative Heritage ManagementSimon Molesworth, Chairman, International National Trusts OrganisationRene Tan, RT+Q Architects, SingaporeModerator: Anupama Sekhar, Deputy Director, Cultural Exchange, Asia-Europe Foundation (ASEF)

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WORKSHOP Curatorial practice. Art and Architecture on site and non-siteDr. Claudia Perren, University of Sydney

A Workshop with students from the University of Sydney took place with ANCB (Aedes Network Campus Berlin) Design Studio in the STATTBAD, Berlin, 19+20 June 2013. Coaches were the Urban AU artists and architects: ZAP, Jumbo, Russel Isaac-Cole (Sydney) and Ben Milbourne and Tanja Milbourne (Melbourne).

The objective of the Curatorial Practice Intensive ‘Art and Architecture on site and non-site’ at ANCB (coordinated by Dr. Claudia Perren) was to investigate the relationship between architecture and art in institutional (i.e. galleries, museums) and non-institutional spaces (i.e. street, public space, abandoned sites). According to the artist Robert Smithson the non-site represents an actual site. While art in a gallery often presents itself on site, architecture is mostly represented though models, drawings, photographs, and diagrams off site: a reality that became explicitly relevant for Land art and Street art projects, which were documented and represented in gallery environments.

Field trips in Berlin served as a starting point in the analysis of the artist’s/architect’s pictorial and physical engagement within different urban settings and seeked to lead to an understanding of these practitioners’ roles in participating in contemporary cities. Students explored the meanings of inside/outside, public/private, mass/individual, destruction/resurrection and persistence/movement: distinct configurations grounded in an experience of place. Students looked at selected art and architecture exhibitions to explore exhibition strategies (on site and non-site), design principles, techniques and structural systems while simultaneously searching for alternative ways for engagement in art and architecture, i.e. links between the vivid scene of street art activities and its spontaneous and flexible consideration of abandoned sites and modern planning.

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The process work, taking place in the studio, hereafter revealed how art/architecture practices function in specific urban contexts as a tool for enhancing innovation, experimentation, communication and active participation. Students worked in pairs and focussed on one example of a specific art/architecture topic from their field trip in order to design a temporary intervention in the urban environment of Berlin. Students were asked not to copy one of their research examples but to understand and apply the underlying principles to their own projects.

Key areas for the students to cover in the workshop: • strategies of engagement: how to engage people in experimentation and participation;• temporary interventions: moving parts (rotating, turning, shifting, flapping, folding, rolling, swinging, lifting) and time-frames defining action; • latent potential of site: testing ideas and programing;• impact: conceptual notions and spatial qualities;• behaviour: individual, collective, political, proactive, adaptive; • creation of synergies: across disciplines, studios, spaces, cultures.

Ben Milbourne, Miriam Mlecek, Lukas Feireiss, and Kerstin Gust were guest critics for the interim and final presentation of the student’s projects on architectural interventions at the ANCB on 24 + 28 June 2013.

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ARTISTS/ ARCHITECTS

Ben Milbourne is an architect and artist based in Melbourne. He is a founding director of Bild Architecture, a cross disciplinary studio utilising hybridised techniques from architecture, art and design to explore a broad range of projects; from ephemeral site-specific instillations through to investigations at the metropolitan scale. Ben’s work has been widely published and exhibited internationally, including featuring in the Australian Pavilion of the 2010 Venice Architecture Biennale. In addition to his art and architecture practice, Ben currently teaches design at RMIT University and Melbourne University.

Tanja Milbourne is a photographer and cross-disciplinary artist. Her main interest lies in the site of the exhibition, engaging the audience with their immediate surroundings. In this context she also examines human perception and our sense of ‘truth’ in photography and image-making. For the continuation of the Urban AU project in Berlin she has teamed up with previous collaborator Ben Milbourne, working with video installation and spatial intervention on fire walls and an empty swimming pool.

Jumbo is an artist working on the street but also for institutions like the Maritime Museum in Sydney. His art is a celebration of free art. He is interested in freestyle expression and exploration of experimental ideas in public art. His early influences were Keith Haring and Basquiat who appropriated the streets and alleyways into exhibition spaces. This combined with skateboard, graphics, graffiti and comic art provided a lot of inspiration throughout his youth and into art school. Travelling through Europe in the following years Jumbo exhibited in London, participated in several live drawing events and continued his postering and outdoor art activities.

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ZAP is an artist working on canvas, sculptures and the street. He is inspired by Abstract art, Graffiti from the 70’s and ‘80s, and comic book characters. He has teamed up with Jumbo and hung some giant wall posters around the city of Sydney and beyond. This has resulted in being collected by the National Gallery of Australia in Canberra (NGA) and doing a number of exhibitions and festivals in Australia including ‘Go Font Urself’, ‘Semi-Permanent’, Adelaide Urban Art Festival and ‘This Is Not Art’.

Russell Isaac-Cole is an architect engaging with the public and present architectural thinking in a series of drawings and sculptures. In the exhibition Urban AU II he is commenting on the potential of architectural installations, and questioning the boundaries of art within architectural planning. He is working to redefine were architectural thinking is valid within society.

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Dr Claudia Perren is an architect, curator, and lecturer in Architecture at the University of Sydney. She is interested in hybrids, in questioning architecture through other disciplines, and challenging the traditionally fixed relationship between form and matter for the benefit of an integration of time, variation and development of form into architecture. Her writings have been published in Germany, Australia, the Netherlands, the Czech Republic, Poland, Singapore, Spain and Switzerland.

Din Heagney is an Australian writer and editor specialising in contemporary art and visual culture. He has edited and written for numerous magazines and websites, as well as managed publications including Simryn Gill’s Here art grows on trees for La Biennale di Venezia, all our relations: 18th Biennale of Sydney, John Ogden’s Portraits From a Land Without People and Making Space. Din is currently writing his first novel.

Katja Aßmann is a curator and cultural manager. She is currently the artistic director of Urbane Künste Ruhr (Urban Arts Ruhr). In 2007, Aßmann was assigned to manage the divisions Architecture, Urban Planning, and Visual Arts of the European Capital of Culture Ruhr.2010. She also worked as freelance curator for several exhibition projects (e.g. “Stadtlicht-Lichtkunst” at Lehmbruck Museum, “ENTRY2006” in cooperation with MoMA, Cooper-Hewitt Museum et al.) and directed the art and culture department of the International Building Exhibition Emscher Park.

AUTHORS

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Katja Sergeeva is project manager of “Kunst braucht Fläche”, an initiative by AV Tour GmbH calling for young, talented, undiscovered artists to showcase their works to the public in several of selected urban advertising spaces such as billboards, city banners, and columns in various sizes. The project is of a non-commercial nature, and its purpose is to provide a platform for young artists to present their work to a wider audience as an integral part of the urban environment. Artworks presented include photography, drawing, painting, collage, printmaking, street art, and performance.

Maria Crealey holds a master’s degree in business specializing in arts management. Previously a research assistant in the Faculty of Business, Queensland University of Technology, she worked at the Australia Council for the Arts before becoming a Cultural Marketing Consultant in Berlin. Her research interests include arts marketing, new product development and cultural policy.

Miriam Mlecek is a Berlin and Sydney based architect, artist, and curator. She founded the Transit Lounge studio and gallery, an experiment in trans-disciplinary collaboration in Berlin. Thought as an archetypal transit space; it is a location which blurs traditional conceptions of geo-political boundaries, creating pockets of international space within the borders of individual nation-states. She holds a research position at the University of Hanover at the Department of Urban Planning and was involved with the transmediale festival as participant and partner project curator. Miriam is currently program manager at the AEDES Network Campus Berlin.

Notwithstanding their fetish for secretly recording conversations with the general public, architecture students at the Sydney University Rohan Ranasinghe and Benjamin Norris are seeking a new rush of having them transcribed, bound and published.

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IMAGE CREDITS

Tanja and Ben MilbourneTanja MilbourneTanja MilbourneTanja MilbourneTanja MilbourneTanja Milbourne Russell Isaac-ColeRussell Isaac-ColeClaudia PerrenTanja MilbourneTanja MilbourneTanja MilbourneZAPZAPZAPZAPZAPZAP (Both Images)Jumbo (All Images)ZAPZAPZAP (All Images)Claudia Perren Claudia PerrenMiriam MlecekClaudia PerrenTanja MilbourneTanja Milbourne

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PARTNERS

We kindly thank the participating architects, artists andauthors for their cooperation

We would like to thank the following partners and sponsorsof this exhibition:

RIES.ES.M.B.GMBHFINANZBERATUNG: KÜNSTLER, ARCHITEKTEN, INGENIEURERIES.ES.M.B@GMAIL.COM

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This catalogue is published in conjunction with the exhibition

URBAN AU II

Works by ZAP, JUMBO, TANJA MILBOURNE, BEN MILBOURNE and RUSSELL ISAAC-COLE

Curators: Claudia Perren and Miriam Mlecek

13 June to 30 June 2013

STATTBADGerichtstrasse 6513347 BerlinGermany

CatalogueEditors: Claudia Perren and Miriam MlecekProof Editing: Claudia PerrenGraphic Design: Jesse ThomasPrinting and Binding: Carbon8, Sydney

© 2013 Claudia Perren, Miriam Mlecek and Authors

ISBN: 978-1-74210-316-7

Cover Illustration:Russell Isaac-Cole, Drawing 25