Post Product: Things After Life

The Program

Festival28th of August

–6th of September

Exhibition until the 29th of September

Monday to Friday from 10 a.m. to 9:30 p.m.Saturday from 10 a.m. to 6:30 p.m.

SESC Consolação R. Dr. Vila Nova, 245

Vila Buarque São Paulo

workshopurban intervention

performancechoreographyscenography

paintingphotography

video

lecturemusicdance

new mediarelational art

contextual artpublishing

Eternal Tour: of our infinite ability to travelby Danilo Santos de Miranda 4Introduction Eternal Tour by Donatella Bernardi 5Introduction Cosmopauloby Donatella Bernardi 6“Eternal Tour stories 2008–2012” exhibitionby Donatella Bernardi 7A Tribute to Lina Bo Bardi for a never-before-seen scenographyby Donatella Bernardi 8Eternal Tour: some concluding visionsby Pablo Leon de la Barra 9Blogby Daniela Capelato and Boris Meister 10Two events in parallel to Eternal Tour 11Walking along the Moebius strip with Lygia, some indigenous people and a few Frenchmenby Suely Rolnik 12Zumbi and Princess Isabel: an inverted mirror for rethinking contemporary Brazilby Denise Ferreira da Silva 13Art and territoryby Simon Lamunière 14Post-product: things after-lifeby Gabriele Oropallo 15Grand Tourby Cecilie Hundevad Meng Sørensen e Merzedes Sturm-Lie 17Tripartite reunitedby Roberto Shwafaty 19Mandacarusby Pazé 21Bioperversityby Stéphane Malysse 23We are all happyby Beat Lippert 25agorafobi/agorafobia/agoraphobiaby Anna Kindgren and Carina Gunnars 27Haiti and Brazil: same rootsby Anne-Laure Kénol in collaboration with Ted Beaubrun and Valérie Girault 29Poetic surgeryby Dominique Fleury and Ana Teixeira 31Urban walks: why is São Paulo beautiful?by Cris Faria, Céline Guibat, Thais Ribeiro, Karin Zindel and David Zumstein 33Anxious dreams in a single eyeby Cris Faria 35Percatempo – mobile community baseby Yusuf Etiman 37Camenzind goes to… São Paulo and the bureau for knowledge tourismby William Davis 39Far away & Make me beautifulby Boutheyna Bouslama 41Our last sonataby Donatella Bernardi and Rudy Decelière 43Hot cat hot cityby Fabiana de Barros and Michel Favre 45Tribute to Meret Oppenheimby Fabiana de Barros, Sandra Belucci, Donatella Bernardi, Eliane Maria Guimarães, Silvia Lucchi, Angela Marzullo, Enrico Natale and eight performers 47LapTopRadio – Don’t wait for things to happenby Sophie Alphonso, Leila Amacker, Mara Krastina, Renaud Marchand, Ceel Mogami de Haas, Laurent Schmid and Seda Yildiz 51

PRE-FESTIVAL from AUGUST 6th to 11th

Bikini production for Meret Oppenheim’s tribute

with Sandra Belucci, Eliane Maria Guimarães, the fashion designer Silvia Lucchi, and artists Donatella Bernardi and Fabiana de Barros

Developments and the stages in performing arts, fashion design, painting, crocheting and notions about the work of one of the most important Surrealist artists, Meret Oppenheim (1913–1985).

OPENING AUGUST 28th

at 8.p.m.

Tribute to Meret Oppenheimby Fabiana de Barros, Sandra Belucci, Donatella Bernardi, Eliane Maria Gumarães, Silvia Lucchi, Angela Marzullo, Enrico Natale and eight performers

A tribute to Lina Bo Bardi

Camenzind goes to… São Paulo

and the bureau for knowledge tourismby William Davis

LapTopRadio – Don’t wait for things to happen

by Sophie Alphonso, Leila Amacker, Mara Krastina, Renaud Marchand, Ceel Mogami de Haas, Laurent Schmid and Seda Yildiz

Percatempo – mobile community baseby Yusuf Etiman

We are all happyby Beat Lippert

www.eternaltour.org

Launching of the blog by Daniela Capelato and Boris Meister

AUGUST 29that 9 a.m.

Urban walks: why is São Paulo beautiful?

by Cris Faria, Céline Guibat, Thais Ribeiro, Karin Zindel and David Zumstein

Guests: Letícia Ramos and Guilherme Wisnik

Routes: Estação Sacomã – Estação Luz

at 7 p.m. Artists’ presence at the event’s opening

Hot cat hot cityby Fabiana de Barros and Michel Favre

at 8 p.m.*

Haiti and Brazil: same rootsConcert by Anne-Laure Kénol in collaboration with Ted Beaubrun and Valérie Girault

AUGUST 30that 2 p.m. Artists’ presence at the event’s opening

Tripartite reunitedby Roberto Shwafaty


Far away & Make me beautifulby Boutheyna Bouslama


Poetic surgery by Dominique Fleury and Ana Teixeira

at 6 p.m.*

agorafobi/agorafobia/agoraphobiaPresentation of the publication by Anna Kindgren and Carina Gunnars, in collaboration with Ivaneti de Araújo, Sheila Souza, Andre Kobashi, Eduardo Costa and Renato Cymbalista.


Bioperversityby Stéphane Malysse

AUGUST 31stat 9 a.m.



Guest: Morena Nascimento

Routes: Estação Luz – Estação Santana

from 10 a.m. to 9:30 p.m.



Anxious dreams in a single eyeby Cris Faria


Mandacarusby Pazé

at 8 p.m.*

Post-product: things after-lifeTalk by Gabriele Oropallo

SEPTEMBER 1stfrom 10 a.m. to 6:30 p.m.



Our last sonataby Donatella Bernardi and Rudy Decelière

at 4 p.m.*

Walking along the Moebius strip with Lygia, some indigenous people and a few Frenchmen

Ideas looking for conversation by Suely Rolnik

SEPTEMBER 3rdat 9 a.m.



Guests: José Bueno, Luiz de Campos Jr, Iniciativa Rios & Ruas, Instituto Harmonia – Sustentabilidade

Routes: Estação Santana – Estação Tucuruvi

at 7 p.m.

Zumbi and Princess Isabel: an inverted mirror

for rethinking contemporary BrazilConference by Denise Ferreira da Silva

SEPTEMBER 4that 2 p.m.



Guests: Juliana Gatti and Yusuf Etiman

Routes: SESC Consolação – Parque do Ibirapuera

SEPTEMBER 5that 4 p.m.

Art and territoryTalk by Simon Lamunière

SEPTEMBER 6thfrom 10 a.m. to 9:30 p.m.


at 6 p.m.*

Discussion and reflection on the urban walks

Talk by Cris Faria, Céline Guibat, Thais Ribeiro, Karin Zindel and David Zumstein

at 8 p.m.*

Eternal Tour: some concluding visions

Talk by Pablo Leon de la Barra

DAILY ACTIVITIES Itinerante, nos arredores da unidade

Percatempo – mobile community baseby Yusuf Etiman

Itinerante, nos arredores da unidade

We are all happyby Beat Lippert

from 2 p.m. to 4 p.m.


and the bureau for knowledge tourismby William Davis



by Sophie Alphonso, Leila Amacker, Mara Krastina, Renaud Marchand, Ceel Mogami de Haas, Laurent Schmid and Seda Yildiz

www.eternaltour.org

Blog Eternal Tour 2012 SESC Consolação Openingby Daniela Capelato and Boris Meister


Grand Tourby Cecilie Hundevad Meng Sørensen e Merzedes Sturm-Lie

ExHIBITION until SEPTEMBER 29th

Following artists’ and thinkers’ actions, a recording will be integrated in the exposition until 09/29.

PLACE: SALA MOEBIUS

(ESPAÇO CONVIVÊNCIA)

* Limited seating. Ticket withdrawal one hour in advanceone hour in advance at the site. (During the lectures and the concert, the exhibition at Sala Moebius will remain closed to visitors.)

5Eternal Tour 2012 São Paulo

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It is true that the appreciation of arts and cultural initia-tives is at the heart of our purposes. They add colors to our sometimes ordinary journey, rearranging and giving new meanings to our experiences. However, they are not records of our values or symbolic creations that inhabit only the imaginary. Rather, since we want to remem-ber that besides these aspects – often connected to the individual subjectivities of freedom that color these ini-tiatives, there lies a nature of collective understanding capable of drawing and conceiving realities. We can affirmatively state that that these manifesta-tions are transformed into messages, and appear as a strong cognitive link among people, times and spaces. This magical property of the record – whether material or immaterial – is what gives this property to “travel” through a broad spectrum of the arts and cultural initiatives. In the process of traveling, we become curious or skittish, we try to get closer and admire things, or turn away and object; in short, it is a triggering encounter where we can feel identity or estrangement. In order to provide one of these triggering encoun-ters, the SESC welcomes the sixth edition of the nomadic festival Eternal Tour, whose transdisciplinary creations are inspired by the cosmopolitanism of the 21st century. At the São Paulo edition, topics like nature, anthropophagy, modernism, slavery, racism and beauty will be shared through experiences of practice and reflection. Being part of this and many other trips into the area that results in the best construction of meta-phors about human and social tensions is to provide paths and bridges, subtly drawing crisscrossing desires and worldviews.

Danilo Santos de MirandaDirector of the regional department

Eternal Tour: of our infinite ability to travel

From hospitality to creolization

How can one inhabit the world? How can one travel and experience hospitality: to be welcomed and know how to welcome others? According to Jacques Derrida, hospitality should be infinite, even if unconditional hospitality is impossible. Aporia, paradox and imbalance characterize hospitality, and by extension, the Eternal Tour project. What is the status of the host, the tourist or the migrant at the geopolitical scale on one hand, and at the scale of thought, know-how and specialized fields, on the other? How is one to act, and why, in the context of contemporaneity?

If universalism and other Western mechanisms are strongly discredited, what should be preserved of this heritage for building a future that is already present? Experimentation of content and form is put into place, accompanied by a perpetual creolization motion, free from the trap of the definition of being or of origins. Though one can anticipate the results of miscegenation by synthesis, one cannot guess what creolization will produce – it can be addressed only through the imagination (Édouard Glissant) in an adventurous, speculative move, and is therefore tinted by a fondness for risk taking.

More than things given: things obtained

Founded in 2007 in Geneva by a dozen artists and scholars, Eternal Tour has produced a new cross-disciplinary festival each year since. The project unites and regularly renews a network of people who only deal in symbolic values: knowledge, imagery and sound. Its different editions – Rome 2008, Neuchâtel 2009, Jerusalem/Ramallah 2010, from New York to Las Vegas 2011, Geneva and São Paulo in 2012 – are opportunities to be exposed to otherness in a game inspired by the Grand Tour. Travels of northern European elites going south dur-ing the 17th to 19th centuries engender and led to a homogenizing neoclassic culture. By ricocheting off this strategy of movement and its consequences for identity, Eternal Tour has given tourism a political content through an intense appropriation of physi-cal and immaterial territories. The stakes are high: they reveal in an obvious way that nothing is given, only obtained (Pascal Amphoux).

For an initiatory tourism

By admitting what generally founds the criticism of tourism, that is, the brevity of sojourns, their relative superficiality, or the gaze that is always “foreign” to the place, Eternal Tour bets on the strength and concrete dimension of the initiatory tour. Becom-ing then a true tool for networked research and practice, tourism is emptied of its globalized and contemporary mercantile content to rediscover its dimension of interpersonal transmission. In fact, if one refers to the Grand Tour’s principal char-acteristics, one can note the interest given to net-works of sociability present in tour organization in which familial, cultural and professional circles are asked to contribute. In a certain light, this investi-gative method can also seem an anthropological or socio logical endeavor. Eternal Tour thus promotes know ledge of the world based on interaction and exchanges by turning to its indigenous peers. It bets on a personalized, intimate and oral transmission of knowledge: artists, academics, institutional leaders, curators, architects, activists, educators or teach-ers are actively sought out. The meetings line up, overlap and sometimes contradict one another – the accumulated ideas are juxtaposed and sharpened.

A performative program

The result is a program where Genevan, Swiss and international artists and scientists collaborate inten-sively for a given time, in a structure that favors workshops, conferences and discussions around proposals in multiple formats. The festival is also relayed on the Internet and in publications, peculiar in both their editorial form and their contributors.

Over the years, the complexity and irreducible character of certain human phenomena, or the dan-ger of cultural relativism, have become more and more evident. Instead of a tabula rasa, Eternal Tour is written on a palimpsest; better than a mineral or architectonic sedimentation, the desire for acclima-tion is ceaselessly renewed, dreamt and performed, tributary to the epiphany of the present moment.

Eternal TourEternal Tour 2012 São Paulo

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Eternal Tour 2012 São PauloEternal Tour 2012 São Paulo7

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The city of São Paulo presents itself as the ideal place to host an itinerant artistic and scientific proj-ect that questions movement – both literally and fig-uratively, tourism, and the migration of bodies and ideas. In many respects, Latin America’s largest city could even represent the archetype of multicultur-alism explored by and dear to Eternal Tour. In fact, having been one of the figureheads of the triangular trade, then by becoming, in turn, an important pole for European, Japanese and Lebanese immigration during the 19th and 20th centuries, and an Eldo-rado for millions of Nordeste (Northeastern) Brazil-ians, São Paulo saw its immigration practically erase the border between identity and otherness. Still along these lines, Paulistano cosmopolitanism finds itself incarnated in the ambient syncretism, which, beyond occupying the religious sphere, impreg-nates and characterizes the events, habits and social codes as a whole. Far from being restricted to a unilaterally positive interpretation of cosmopoli-tanism, Eternal Tour proposes to explore the most diverse events while examining the breaking points. Gilberto Freyre, in the first chapter of Casa-grande e senzala, where he examines the “hybridization” of Brazilian society, highlights the negative aspects of this process when he quotes the following proverb, which characterizes the role of women according to their color: “White woman for marriage, mulatto woman for f–, Negro woman for work.” 1

Landscape, slavery, cannibalism and beauty

Following a methodology adopted for its previous editions, Eternal Tour sent out an invitation along four axes, constructed from collective fields of interest but also adapted to fit the festival’s loca-tion, São Paulo for this edition, and the Brazilian context. To put it roughly: 1) the tropical and urban landscape, fauna and flora, wild and domesticated; 2) slavery and the pro-slavery doctrine; 3) cannibal-ism, whether treated historically (Hans Staden), modernly (Oswald de Andrade) or addressed today philosophically in the context of advanced capital-ism (Suely Rolnik); 4) a complex relationship with beauty and the body, a vehicle for societal values and codes. Far from being themes to be illustrated, these four propositions are to be conceived of as pathways that each contributor is free to modify, develop and even refute.

1 Proverb recorded by H. Hendelmann in his História do Brasil, 1931; quoted by Gilberto Freyre, Masters and Slaves, 1933. Mentioned in the first chapter “General characteristics of Portu-guese colonization of Brazil: forming an agrarian, slaveholding and multiracial society.”

Casting rules

The invited artists and thinkers were chosen accord-ing to their curiosity and potential interest in join-ing a resolutely experimental project, since the end result of the operation cannot be foreseen. Start-ing from this postulate, the 2012 São Paulo Eter-nal Tourists were therefore strongly encouraged to take risks with regards to their usual praxis and to participate in the totality of the festival. It thus has the status of a global workshop that addresses both participants and public. It voluntarily provokes the reception of artworks and would like to implicate an audience whose boundaries between profes-sionals and amateurs, specialists and generalists, practitioners and theoreticians, are endlessly criss-crossed, without any complex or expectation other than dynamics and speech.

Donatella BernardiCurator Eternal Tour 2012 São Paulo

Cosmopaulo

From August 28 to September 6, the large entry hall of the SESC Consolação, re-baptized Sala Moebius for the event, welcomes the festival’s various activi-ties and is the general rallying point for festival-goers. Once the festival is over, until September 29, at the same hall, it proposes a public exhibition where the Eternal Tour São Paulo 2012 installations shall be presented along with a selection of pictures, sounds, films and videos from past editions assem-bled especially for the occasion. This is to give the spectator a taste of the festival, and to translate the sensations of a project where what is essential is lived experience, that is, immaterial and ephemeral

souvenirs that tend to disappear. Without directly or vindictively claiming to, Eternal Tour produces experiments and laboratories that welcome and frame them, in parallel to the existing system of art, its objects, their market, and their conservation by individuals and institutions. Eternal Tour thus aims, first and foremost, to displace humans, their affects, their energy and their desire to do things. This strat-egy is obviously not exclusive, but chooses primarily to investigate the process, its potential and its edu-cational value, just as much for the artist and intel-lectual as for the spectator or reader.

“Eternal Tour stories 2008–2012” exhibition

Chapelle palimpseste, with Omar Ba, Josse Bailly, Crystel Ceresa, Hadrien Dussoix, Thierry Feuz, Tami Ichino, Emma Perrochon, Frédéric Sanchez, Aymeric Tarrade and Eric Winarto.

Wall painting, mixed media.Cosmotopia, curated by Donatella Bernardi, Eternal Tour Geneva 2012.

Photo: Vlado Alonso.

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Eternal Tour was conceived at the Swiss Institute of Rome. This institution welcomes a dozen Swiss grantees a year – artists and scholars in an ideal environment. It is one of many national cultural institutes as splendid as they are mysterious for the Romans. In fact, these luxurious infrastructures wel-come a cosmopolitan elite momentarily expatriated and reunited in the eternal city that admires and exploits, above all and almost exclusively, the ves-tiges of the past. In order to address this phenome-non, based both on exclusiveness and a valorization of the heritage, Eternal Tour ventured to question its mechanisms and its legitimacy by organizing a festival in July 2008. When invited to confront the project to the Paulistano context by the SESC in 2012, Lina Bo Bardi proved to be an incontrovert-ible figure of investigation and inspiration. Born in 1914 in Rome, the young architect arrived in Brazil in 1946 and obtained the Brazilian nationality in 1951. In her words, her jewelry projects, buildings, scenography, museums, furniture and exhibitions are works of architecture in their own right. Among her major creations, the MASP – Museu de Arte de

São Paulo (1957/1968) – bears witness to her pro-cess of esthetic simplification, after a long stay in Brazil’s Northeast. With regards to the scenogra-phy developed to present works from MASP’s col-lection, namely, a series of glass panels supported by concrete cubes, she writes: “The didactic glass panels in which the paintings are displayed do not please those that are accustomed to the comfort of overstuffed furniture and remote controls, as to read the technical data, names of the authors and titles of the works presented, it is necessary to look behind the panels.”1 This glass structure, which asserts itself by its radicalness while disappearing to the benefit of the art displayed there, is the starting point proposed to architect Alvaro Razuk to develop the never-before-seen scenography of the Sala Moebius. It is a series of transparent walls which serve both as separations between workspaces and as panels for hanging up artworks. The reference to Bo Bardi’s work is also very freely re-appropriated at the material and format levels, put to the service of the project’s specific needs and the construction materials available in 2012.

Eternal Tour 2012 São PauloA Tribute to Lina Bo Bardi

for a never-before-seen scenography

Glass easels in the art gallery,São Paulo Art Museum, 1957/1968,1969.Instituto Lina Bo e P. M. Bardi, São Paulo

e Hans Gunter Flieg/Acervo Instituto Moreira Salles.

1 Lina Bo Bardi, Edizioni Charta, Milano, Instituto Lina Bo e P. M. Bardi, São Paulo, 1994, p. 100.

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Eternal Tour: some concluding visions

(Talk)

The Mexican curator Pablo Leon de la Barra has been invited to attend the Eternal Tour festival in its entirety with the view of drawing up the final assessment. In fact, 2012 São Paulo will be the last edition of the festival. What is one to think of this adventure? What forms of art and knowledge does it develop?

Pablo Leon de la Barra is an independent curator, researcher, writer and editor. A doctor in history and the theory of art and architecture from the Architectural Association in London, he has planned and overseen numerous exhibitions and projects, notably in Latin America. This Is Not America in San Juan, Puerto Rico (2009); Incidents of Travel in Central America, Chiapas, Yucatan and Elsewhere at the CCE in Guatemala (2010); To Know Him Is To Love Him, Cerith Wyn Evans at Casa Barragan, Mexico City (2010); Incidents of Mirror Travel (2011) at the Museo Tamayo, Mexico City; and Bananas is my Business: The South American Way at the Museum Carmen Miranda, Rio de Janeiro. He has written for many publications and magazines, among them: Frog-Paris, Spike-Austria, PinUp-New York, Wallpaper-London and Celeste-Mexico. He is also the editor of the blog The Centre for the Aesthetic Revolution.

Eternal Tour: algumas visões conclusivas (Bate-papo)

O artista e curador mexicano ,Pablo Leon de la Barra, é convidado a acompan-har o festival Eternal Tour em sua íntegra, a fim de estabelecer um balanço final desta que é a última edição do Festival. Que pensar dessa aventura? Que formas de arte e de co-nhecimento propiciou?

Pablo Leon de la Barra é curador independente, escritor e edi-tor. Doutor em história e em teoria da arte e da arquitetura pela Architectural Association de Londres, foi responsável pela cura-doria de inúmeras exposições e projetos, particularmente na América Latina. This is not America em San Juan, Puerto Rico (2009); Incidents of Travel in Central America, Chiapas, Yucatan and Elsewhere no CCE na Guatemala (2010); To Know Him Is to Love Him, Cerith Wyn Evans na Casa Barragan, Cidade do México (2010); Incidents of Mirror Travel (2011) no Museo Tamayo, Cidade do México; e Banana is my Business: The South Ameri-can Way no Museu Carmen Miranda, Rio de Janeiro. Escreve para publicações e revistas, entre elas, Frog (Paris), Spike (Áus-tria), PinUp (Nova York), Wallpaper (Londres) e Celeste (México). É também editor do blog The Centre for the Aesthetic Revolution.

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Rainbow by Radames ‘Juni’ Figueroa (2010), at 1st Bienal Tropical, Loiza, San Juan, Puerto Rico, curated by Pablo Leon de la Barra, 2011.

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Blog

The Eternal Tour 2012 São Paulo blog has the role of relaying the festival’s happenings through its Internet platform on a daily basis. It is fueled by texts, images and videos, and it is bilingual – Portuguese and English. It is accessi-ble via www.eternaltour.org. Dependent on “real-time” energy, this platform also aspires to supply quality information and to translate, for those who cannot be physically present, the different events, their backstage activities, and the subjectivities involved during the festival. The blog also builds up an instant archive.

Daniela Capelato lived until she was ten in Paris before moving back to Brazil in 1980. With a communications diploma in hand, she participated in the production of documentaries for French, English and German television at the INA (National Audiovisual Institute) in France. From 1997 to 2001 she was responsible for managing the Itaú Cultural institute’s Cinema and Video sections. In 2001, she started the business DOCFILMES which produces documentary and fiction films for cinema and television with Bra-zil and abroad. As a producer, Daniela made full-length films: Viajo porque preciso, volto porque te amo, by Karim Ainouz; Do outro lado do rio, by Lucas Bambozzi, and Solo dios sabe, by Carlos Bolado – the first Brazilian-Mexican coproduction. As a screen-writer, Daniela developed the project 9 actes pour un jeu in 2002 – a film signed by several authors, destined for Internet and prized by the show Itaú Transmedia.

Boris Meister was born in 1989 in Geneva, where he lives. In November 2004 he started www.nack.ch/mandark (offline today), a daily-updated blog that mixed photos and texts writ-ten in French. Pioneer of the blogging phenomenon, then just recently arrived in Switzerland, much attention was given to the site with over 4,500 daily visitors. In 2006, WE LOVE GENEVA! appeared at www.welovegeneva.blogspot.com, founded by Boris Meister, joined by Alexandra Afsary and Raphael Roux. WE LOVE GENEVA! deals with Genevan culture by day and especially by night. Interviews, articles, comments on the cultural and party life in Geneva are published there. The productions of young musi-cians or local artists are also webcast on this platform. Rapidly, the number of readers increased to reach 2,000 weekly readers in September 2009. Today 6,000 people read the blog each month. Boris Meister also makes his knowledge of web 2.0 available to different clients as a “community manager”.

Blog

O blog Eternal Tour 2012 São Paulo tem como função retransmitir o festival na internet a um ritmo cotidiano, alimentado por textos, imagens e vídeos. É bilíngue, português e inglês. O acesso é feito no site www.eternaltour.org. Movida pela energia do “tempo real”, essa plataforma tem simultaneamente a ambição de fornecer informações de qualidade e de traduzir, para aqueles que não puderem estar presentes fisicamente, os diferentes eventos, seus bastidores e as subjetividades implicadas no transcorrer do Festival. O blog é também, e de maneira quase instantânea, um arquivo.

Daniela Capelato viveu até os 10 anos em Paris, antes de voltar ao Brasil em 1980. Formada em comunicação, participou da produ-ção de documentários para a televisão francesa, inglesa e alemã no Institut National de l’Audiovisuel (INA), na França. De 1997 a 2001, foi responsável pela gestão do Departamento de Cinema e Vídeo do Instituto Itaú Cultural. Em 2001, abriu a empresa DOCFILMES que produz documentários e filmes de ficção para cinema e televisão com o Brasil e o exterior. Como produtora, Daniela realizou os longas-metragens: Viajo porque preciso, volto porque te amo, de Marcelo Gomes e Karim Ainouz; Do outro lado do rio, de Lucas Bambozzi e Sólo dios sabe, de Carlos Bolado – primeira coprodução realizada entre o Brasil e o México. Como roteirista, Daniela desenvolveu, em 2002, o projeto 9 atos para um jogo – filme assinado por várias mãos e destinado à internet, contemplado pelo programa Itaú Transmídia.

Boris Meister nasceu em 1989 em Genebra, onde vive. Em novembro de 2004, lança www.nack.ch/mandark (hoje desa-tivado), um blog atualizado cotidianamente que misturava foto-grafia e textos escritos em francês. Pioneiro no fenômeno do blogging, recém-chegado à Suíça, o site tornou-se objeto de grande atenção, com uma frequência de cerca de 4.500 visitan-tes por dia. Em 2006, surge WE LOVE GENEVA!, no endereço www.welovegeneva.blogspot.com. Fundado por Boris Meister, ao qual vieram se juntar Alexandra Afsary e Raphael Roux, WE LOVE GENEVA! trata da cultura genebrina diurna, mas principal-mente noturna. Entrevistas, artigos, comentários sobre a vida cultural e festiva de Genebra são ali publicados. A produção de jovens músicos e artistas locais é também difundida pela plata-forma. Rapidamente, o número de leitores semanais cresce, che-gando a 2 mil em setembro de 2009. Hoje, 6 mil pessoas leem o blog a cada mês. Além disso, Boris Meister, como community manager, coloca seus conhecimentos de WEB 2.0 a serviço de diversos clientes.

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30th São Paulo Biennial of Contemporary Art September 4th

The opening night of the 30th São Paulo Biennial of Contemporary Art is included in the Eternal Tour 2012 program. Through its prestige, its internation-alism and the synergy produced there, this grand event will offer the chance of confronting an exceptional selection of artworks and people.

La Faute à Rousseau September 5th

The next day, September 5th, at the CineSesc, an evening dedicated to La Faute à Rousseau [Rousseau’s fault] (a series of 55 films initiated and coor-dinated by Pierre Maillard for the tricentennial of the Genevan thinker’s birth – June 28th 1712) is the ideal opportunity to link the Eternal Tour program to the cinematographic reading of Rousseau, whose work is produced by active artists at the start of the 21st century.

Rousseau for all, an evening realized by the CineSESC of São Paulo with the support of the Swiss Consulate-General in São Paulo and Presence Switzerland. Blame it on Rousseau is a collection of short films produced by RITA and the Geneva University of Art and Design (HEAD), in coproduction with RTS – Radio Télévision Suisse.

Gol, Fulvio Bernasconi, 6'13'', 2012.

30a Bienal de arte contemporânea de São Paulo 4 de setembro

Dois eventos paralelos a Eternal Tour acontecem em São Paulo. Não é uma coincidência! A 30a Bienal Internacional de arte de São Paulo integra o pro-grama dos Eternos Turistas do festival Eternal Tour 2012, com seu prestígio, internacionalismo e a sinergia que dela emana, a grande manifestação será a oportunidade de se confrontar com uma seleção excepcional de obras e perso-nalidades.

La Faute à Rousseau 5 de setembro

No dia seguinte à abertura da 30º Bienal, no CineSesc, uma noite consa-grada a La Faute à Rousseau – série de 55 filmes iniciada e coordenada por Pierre Maillard, por ocasião do tricentenário do nascimento do pensador genebrino –, será a ocasião ideal para estender fios entre a programação de Eter-nal Tour e a leitura cinematográfica da obra rousseauniana feita por artistas ativos neste início do século XXI.

Rousseau para todos, um evento realizado pelo CineSESC de São Paulo, com o apoio do Consulado geral da Suíça em São Paulo e Présence Suisse. La faute à Rousseau é uma coleção de filmes curta-metragem produzida por RITA e a Haute École d’art et de design – Genebra (HEAD), em coprodução com a RTS - Radio Télévision Suisse.

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ilvaZumbi and Princess Isabel:

an inverted mirror for rethinking contemporary Brazil

(Lecture)

For Eternal Tour, Denise Ferreira da Silva presents the analysis of an inverted mirror-image of Isabel (white mistress) and Zumbi (black slave) to contemplate Brazilian identity in today’s political context. Denise was in Brasilia for the nationwide commemorative demonstration dedicated to Zumbi on November 20th 1995. Representatives from a score of black communities were invited to join an important “Zumbi for Justice and Life” march, organized to boy-cott the official ceremonies, as the government had been accused of appropriat-ing Zumbi and his memory for use in national reconciliations. Today, almost twenty years after these events, the Brazilian government has completely reversed its rhetoric, the programs developed and the policies put in place, and created institutions to eradicate the effects of racism from the country.

Denise Ferreira da Silva is professor of ethics and director of the Center for Ethics and Politics at the School of Business and Man-agement at Queen Mary, University of London (QMUL). She also taught for eleven years at the University of San Diego, California. Thinking from a theoretical feminist perspective, her research deals with the conceptual, political, legal and ethical challenges of the contemporary period. She is particularly interested in Latin America where she examines the continuing effects of the colo-nial machine, of power and racial knowledge, and she draws up a cartography of the way they function in the local, national, regional and international contexts.

Zumbi e Princesa Isabel: um espelho invertido para repensar

o Brasil contemporâneo (Conferência)

Para o Eternal Tour, Denise Ferreira da Silva apresenta sua análise a partir de uma imagem em espelho invertida da princesa Isabel (senhora branca) e de Zumbi (escravo negro) para pensar a identidade brasileira no contexto político contemporâneo. Em 20 de novembro de 1995, Denise esteve em Brasília, par-ticipando da manifestação que relembrava os 300 anos da morte de Zumbi dos Palmares. Representantes de cerca de 20 comunidades e movimentos negros haviam sido convidados a compor uma importante marcha, a “Marcha Zumbi dos Palmares contra o racismo, pela cidadania e pela vida”, organizada para boi-cotar as cerimônias oficiais, pois o governo era acusado de se apropriar da ima-gem de Zumbi e de sua memória em prol de uma ideia de conciliação nacional. Hoje, quase 20 anos após esses acontecimentos, o governo brasileiro modificou completamente sua retórica, os programas desenvolvidos e as políticas imple-mentadas, criando instituições para eliminar os efeitos do racismo no país.

Denise Ferreira da Silva é professora de ética e diretora do Center for Ethics and Politics da School of Business and Management de Queen Mary, Universidade de Londres (QMUL). Também ensinou durante 11 anos na Universidade de San Diego, Califórnia. Ado-tando uma perspectiva teórica feminista, suas pesquisas tratam dos desafios conceituais, políticos, legais e éticos da contempo-raneidade. Interessa-se particularmente pela América Latina, exa-minando os efeitos contínuos da máquina colonial, do poder e do conhecimento raciais e traçando a cartografia de seu funciona-mento nos contextos locais, nacionais, regionais e internacionais.

48Walking along the Moebius strip with Lygia, some

indigenous people and a few Frenchmen

(Ideas looking for conversation)

Caminhando [Walking] with Lygia Clark along the Moebius strip, Suely Rol-nik seeks to impart sensibility to a politics of thought, desire, and subjectivity effective in Brazil and, even more broadly, in the “global south”. According to Rolnik, this politics is supposedly in the process of being updated while inject-ing the knowledge of the body into the bloodstream of the crisis that currently affects western modernity. Starting from the idea of repression of this knowl-edge as the key micro-political operation of colonization, she suggests that the return of the repressed asserts itself as an inescapable act of resistance suppos-edly powerful enough to displace the state of things in our contemporaneity.

Suely Rolnik is a psychoanalyst, critic of art and culture, curator, and chair professor of the graduate program in Clinical Psychol-ogy at PUC-SP. She has integrated the faculty of the Program of Independent Studies (PEI) at Museo d’Art Contemporani de Barcelona (MacBa), Spain. She has conceived Arquivo para uma obra-acontecimento [Archives for a happening/work], a research project for the activation of the bodily memory of Lygia Clark’s artistic propositions and her context. As part of this project, Rol-nik has produced 65 films of interviews conducted in different countries. Her extensive bibliography includes a book written jointly with Felix Guattari released in seven countries: Micropo-lítica. Cartografias do desejo (São Paulo: Vozes, 1986; 11th ed. 2011). Suely Rolnik is the author of more than 80 essays pub-lished in anthologies, art and culture magazines, and catalogues of art exhibitions held in various countries.

Caminhando pela fita de Moebius com Lygia, uns índios e alguns franceses (Idéias querendo conversar)

Caminhando com Lygia Clark pela fita de Moebius, Suely Rolnik busca tornar sensível uma política do pensamento, do desejo e da subjetividade, presente no Brasil e, mais amplamente, no “Sul-Global”. Tal política, segundo ela, estaria hoje em vias de atualização, injetando o saber do corpo nas veias da moder-nidade ocidental em crise. Partindo da idéia de que o recalque deste saber é a operação micropolítica fundamental da colonização, Rolnik sugere que o retorno deste recalcado afirma-se com um ato incontornável de resistência que teria a força de deslocar o estado de coisas em nossa contemporaneidade.

Suely Rolnik, psicanalista, crítica de arte e de cultura e curadora, é Professora Titular da PUC-SP, no Pós-Graduação de Psicologia Clínica. Membro do corpo docente do Programa de EstudiosIn-dependientes (PEI) no Museo d’Art Contemporani de Barcelona (MacBa). Autora do Arquivo para uma obra-acontecimento. Pro-jeto de pesquisa e ativação da memória corporal das proposições artísticas de Lygia Clark e seu contexto, no qual realizou 65 filmes de entrevistas em vários países. Entre suas publicações, escreveu em co-autoria com Félix Guattari, Micropolítica. Cartografias do desejo (Vozes, 1986; 11ª ed. 2011), publicada em 7 países. Autora de mais de 80 ensaios publicados em coletâneas,revistas de arte e de cultura e catálogos de exposições em vários países.

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Suely Rolnik, 2012. Design: Bijari/Rodrigo Araujo.

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(Talk)

Known for having been the curator for Art Unlimited (Art Basel’s large-scale works section) for 12 years, Simon Lamunière has also directed Utopics, the 11th Swiss Sculpture Exhibition in 2009. At the festival, he presents the artis-tic strategy for his projects and draws a parallel with other artistic and territo-rial forms such as Yoko Ono and John Lennon’s Nutopia, Inhotim, and The Land (Rirkrit Tiravanija and Kamin Letchaiprasert’s self-managed agro-cul-tural farm in Thailand). Trying to understand these artistic models is, first of all, to address the difficult relation art maintains with territory and tangible signs. Increases in scale, mediatization and globalization generate numerous strategic modifications both by urban centers and artists. At the same time art grows, competition grows stronger. Territory is limited. A battle is under way between visibility and invisibility, between centers and peripheries.

A arte e o território (Bate-papo)

Simon Lamunière, curador da Art Unlimited (a seção das grandes obras da feira Art Basel) durante doze anos, diretor da Utopics, XI Exposição Suíça de Escul-tura em 2009, e coordenador do projeto de arte pública Neon Parallax, apre-senta no Festival a estratégia de seus projetos e traça um paralelo entre eles e outras formas artísticas e territoriais, como Nutopia, de Yoko Ono e John Lennon, Inhotim e The Land (fazenda autogerida agrocultural dos artistas Rirkrit Tiravanija e Kamin Letchaiprasert na Tailândia). Tentar entender esses modelos artísticos significa abordar a difícil relação que a arte mantém com o território e seus signos tangíveis. O aumento das escalas, a midiatização e a globalização engendram inúmeras mudanças estratégicas, tanto da parte dos centros urbanos como dos artistas. Ao mesmo tempo que a arte cresce, a com-petição se acirra. O território é limitado. Um combate entre visibilidade e invi-sibilidade, entre centros e periferias, é declarado.

Untitled, Fabrice Gygi and ECAL, 2009, lacquered steel, 350 × 210 cm.

Photo: Annik Wetter.

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alloPost-product: things after-life

(Talk)

The constant improvement of electronic equipment and their ultra-fast com-mercialization leads to a consequent proliferation of outdated material that is often abandoned without any consideration of their toxicity or their effect on the environment and the population. This phenomenon is commonly called “e-waste”. The rag-pickers that collect the discarded used electronic products must constantly adapt. Gabriele Oropallo, a design historian particularly inter-ested in the durability of objects, considers that Brazilian e-waste rag-pickers distinguish themselves from their African and Asian colleagues: they are organized into movements and co-ops and demand respect for their attempts to recycle outdated electronic materials. The pushcarts they drive down the streets have become a strong symbol.

Gabriele Oropallo lives and works in Oslo, Norway. Historian and design critic, his research is on the durability of industrially produced objects. He is also the English-Italian translator for Eyal Weizman and frequently uses video technique to further his research.

Lixo-eletrônico: as coisas após sua vida útil (Bate-papo)

O aperfeiçoamento constante dos equipamentos eletrônicos e sua comerciali-zação ultrarrápida levam à consequente proliferação do material obsoleto, que é muitas vezes abandonado sem que se atente a seu teor tóxico ou seu efeito sobre o meio ambiente e a população. Esse fenômeno é comumente chamado “e-lixo”. Os sucateiros, que coletam os produtos eletrônicos descartados após o uso, devem se adaptar constantemente. Gabriele Oropallo, historiador do design especialmente interessado na durabilidade dos objetos, considera que os sucateiros brasileiros do “e-lixo” se distinguem dos colegas africanos ou asiá-ticos: organizam-se em movimentos e cooperativas, e reivindicam sua digni-dade para tentar reciclar os materiais eletrônicos obsoletos. Seus carrinhos, que empurram pelas ruas, tornaram-se um verdadeiro símbolo.

Gabriele Oropallo vive e trabalha em Oslo, na Noruega. Historia-dor e crítico do design, suas pesquisas focalizam-se nos objetos provenientes da produção industrial. Fotógrafo e autor de um blog, emprega frequentemente a técnica do vídeo para desenvol-ver suas pesquisas. É também o tradutor do inglês para o italiano de Eyal Weizman.

Catadores coletam computadores usados no centro de São Paulo, março de 2012.

Foto: cortesia de Victor Grigas.

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Grand Tour

The two young artists will use the festival’s platform and its duration as a Grand Tour lasting two weeks. They will explore the city and some of its strata: art schools, cultural institutions, established galleries and art brut. This exploration will lead them to many meetings and collaborations. Three main themes, like urban reading templates, have been chosen by the artists: nation-ality, liberty and propaganda. These guidelines will result in the creation of site-specific works in media adapted to given situations. These productions, as well as the experiences that accompany them, are compiled into one “Game plan”. This will be used by other visitors or inhabitants of São Paulo, like an alternative city guide.

Cecilie Hundevad Meng Sørensen is a Danish artist currently studying at the Royal Institute of Art in Stockholm, Sweden. She explores the many ephemeral processes underlying the creation of meaning. How or when is meaning being created and how does art have a purpose, a sense of meaning in the world? She looks at art as being a collective effort with no direct single author. This in turn leads her to question the whereabouts of not only the artwork, but the artist as well.

Merzedes Sturm-Lie is a Swedish/Norwegian/Belgian artist who currently studies at the Royal Institute of Art in Stockholm, Swe-den. Besides her artistic practice, she has curated four exhibitions at Espace0IN in Brussels, and in April 2011 organized and curated the exhibition White Zoo and Black Powers at the Royal Institute of Art in Stockholm which was a direct comment on the conven-tional white gallery space.

Grand Tour

As jovens artistas Cecilie Hundevad Meng Sørensen e Merzedes Sturm-Lie vão utilizar a plataforma e o tempo do festival como um Grand Tour de duas semanas. Vão perscrutar a cidade e alguns de seus extratos: escolas de arte, ins-titutos culturais, galerias estabelecidas e de arte bruta. Essa exploração implica inúmeros encontros e colaborações. Três temas principais, como grades de lei-tura urbanas, foram selecionados pelas artistas: nacionalidade, liberdade e pro-paganda. Essas linhas diretoras levam à criação de trabalhos site-specific em mídias adaptadas às ocasiões particulares. Essas produções e as experiências a elas relacionadas são reunidas em um “Gameplan”, que poderá ser usado por outras pessoas que estiverem visitando São Paulo como um guia de viagem alternativo.

Cecilie Hundevad Meng Sørensen é uma artista dinamarquesa que estuda atualmente no Instituto Real de Arte de Estocolmo, Suécia. Explora os muitos processos efêmeros subjacentes à criação de significado. Como ou quando o significado está sendo criado e como a arte tem um propósito, um senso de significado no mundo? Ela enxerga a arte como um esforço coletivo des-provido de um autor singular direto. Por sua vez, isso a conduz a questionar o paradeiro não apenas da obra de arte, mas do artista.

Merzedes Sturm-Lie é uma artista sueca/norueguesa/belga que estuda atualmente no Instituto Real de Arte de Estocolmo, Sué-cia. Ao lado de sua prática artística, foi responsável pela curado-ria de quatro exposições no Espace0IN em Bruxelas e, em abril de 2011, da exposição White Zoo and Black Powers no Instituto Real de Arte de Estocolmo, que foi um comentário direto sobre o espaço das galerias brancas convencionais.

Contra-Union, Cecilie Hundevad Meng Sørensen & Merzedes Sturm-Lie, Grand Tour, a game plan resulting from live performances,

propaganda and videos in São Paulo, 2012.

Contra-Union, Cecilie Hundevad Meng Sørensen & Merzedes Sturm-Lie, Grand Tour, um jogo de estratégias resultante de performances ao vivo,

propaganda e vídeos, em São Paulo, 2012.

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Tripartite reunited

Since 2010 Roberto Shwafaty has been developing research on the Moebius strip, a mathematical figure that appeared in 1858 and has undergone several very different formalizations over time, in the domains of art, advertisement and design. The form itself has migrated and transformed, like the Eternal Tour logos for 2008, 2009, 2010, 2011 and 2012, which are all different interpreta-tions of the Moebius strip. In Brazil, one version is particularly well-known: Max Bill’s work Tripartite Unity which won the sculpture award at São Pau-lo’s first Contemporary Art Biennial in 1951. It remains the symbol of progress for South America. The Moebius strip also incarnates an eternal movement whose two sides are but one unique surface: black and white, sad and happy, cruel and kind. It is everything at once, in succession.

An artist based in São Paulo, Beto Shwafaty obtained in 2001 his diploma in visual arts from the State University of Campinas/SP (UNICAMP), and a master’s in visual arts and curatorial studies from the Nuova Accademia di Belle Arti (Naba/Milano) in 2010. He followed Simon Starling’s class as an invited student for over a year at the Staedelschule – Frankfurt am Main. His interests lie mainly at the junction of critical design, the politics of space, and the economy of knowledge as well as visual culture. Some of his recent exhibitions: Mythologies – Cité des Arts (2011, Paris); Shadowed by The Future – Instituto Cervantes (2010, São Paulo); 4th Architecture Biennial Rotterdam (Urbaninform Plat-form, 2009); 3rd Utrecht Manifest (2009); Public Turbulence at Isola Art Center (2009, Milan), The Building: E-flux (2009, Berlin); Rumos Artes Visuais – Itaú Cultural (São Paulo, 2006); 6th Goias Art Exhibition (Goiania/Brazil, 2006) and the 31st SARP (Ribeirão Preto/Brasil, 2006).

Tripartite reunited

Beto Shwafaty desenvolve desde 2010 uma pesquisa sobre a fita de Moebius, uma figura matemática surgida em 1858 e que conheceu formalizações muito diferentes ao longo do tempo, no domínio da arte, da publicidade e do design. A forma migrou e se transformou, como os logotipos de Eternal Tour 2008, 2009, 2010, 2011 e 2012, todos eles interpretações diferentes da fita de Moebius. No Brasil, um deles é particularmente famoso: a obra concreta de Max Bill, Tripar-tite Unity [Unidade tripartida], que ganhou o prêmio de escultura da primeira bienal de arte contemporânea de São Paulo, em 1951. Ela permanece o sím-bolo do progresso na América do Sul. A fita de Moebius encarna também um movimento eterno, cujas duas faces são, na verdade, apenas uma única super-fície: preto e branco, triste e alegre, cruel e amável. É tudo ao mesmo tempo, alternadamente.

Beto Shwafaty obtém, em 2001, um diploma em artes visuais na Universidade Estadual de Campinas (Unicamp) e um mestrado em artes visuais e estudos curatoriais na Nuova Accademia di Belle Arte (NABA/Milano) em 2010. Frequenta, durante mais de um ano, as aulas de Simon Starling como estudante convidado na Staedelschule – Frankfurt am Main. Seus interesses residem prin-cipalmente no encontro dos campos do design crítico, da política espacial, da economia do saber e da cultura visual. Entre suas exposições recentes destacam-se: Mythologies – Cité des Arts (2011, Paris); Remediações – à sombra do futuro – Instituto Cer-vantes (2010, São Paulo); IV Bienal Internacional de Arquitetura de Rotterdam (Urbaninform Platform, 2009); 3rd Utrecht Mani-fest (2009); Public Turbulence no Isola Art Center (2009, Milão), The Building: E-flux (2009, Berlim); Rumos Artes Visuais – Itaú Cultural (São Paulo, 2006); 6º Salão de Artes de Goiás (Goiânia/Brasil, 2006) ou ainda o 31º SARP (Ribeirão Preto/Brasil, 2006).

Eternal Tour 2012 São Paulo

Tripartite Reunited, 2011. Digital collage fusing Tripartite Unity sculpture (Max Bill),

PDF Acrobat and Commerzbank logos, c-print mounted in methacrylate.

A small atlas of meanings and forms, projeto Tripartite Reunited, 2011/2012.


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Paulistano artist Pazé proposes never-before-seen watercolors of his research on the mandacarus plant which inspired him for his installation in Ibirapuera Park, near the Auditorium, where a few of the plant’s red fruits were recreated in glass forms that can be lit. It will also be presented in the Urban walks’ fourth day. The mandacarus is very useful in Brazil’s semi-arid regions during long periods of drought, both for humans and for animals, since it stocks water in its stem and roots, and is eaten by some herds. Pazé also appreciates the plant’s quasi-sculptural aspect, emanating a certain beauty.

Pazé, an artist based in São Paulo, holds a diploma in Fine Arts, obtained from FAAP – Fundação Armando Álvares Penteado, São Paulo, in 1999. Violence, illusion, hostility and utopia are the main themes that occupy the artist, and their implications are addressed through strongly visual and conceptual sculptures or installations. He associates ancient mythologies with the latest novelties, the virtual trend chief among them. Pazé has exhibited his work at the Mercosul Biennials of 2001 and 2002, the Havana Biennial in 2003 and at the SESC in 2007 and 2010.

Mandacarus

O artista paulista Pazé propõe aquarelas inéditas a partir de sua pesquisa sobre a planta mandacaru, na qual se inspirou para sua instalação no Parque do Ibi-rapuera, nas imediações do Auditório. Ele também participa das Caminhadas urbanas, apresentando a instalação no quarto dia dos passeios. Nela, os fru-tos vermelhos da planta foram recriados em vidro e podem ser iluminados. Durante os longos períodos de seca das regiões do Brasil semiárido, o man-dacaru é muito útil tanto para os seres humanos como para os animais, pois estoca água em seu caule e raízes e serve para alimentar os rebanhos. Pazé apre-cia igualmente o aspecto quase escultural da planta, da qual emana uma beleza particular.

Artista baseado em São Paulo, Pazé é titular de um diploma de Artes Plásticas da FAAP – Fundação Armando Alvares Penteado de São Paulo (1999). Violência, ilusão, hostilidade e utopia são os temas que ocupam o artista, sendo abordados pelo viés de escul-turas ou instalações fortes nos níveis visual e conceitual. Associa mitologias antigas com as mais recentes novidades, entre elas a corrente virtual. Pazé expôs na Bienal do Mercosul em 2001 e 2002, na de Havana em 2003 e no SESC em 2007 e 2010.


Mandacaru (76 × 56 cm).Aquarela, 2012.

Mandacaru (76 × 56 cm).Watercolor, 2012.


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Within Eternal Tour, Stéphane Malysse proposes a performance that will pro-voke a debate with the audience on ecology and its propagandistic drift. It is based on the manifesto he wrote for “bioperversity” in 2010:Do “bio-disagreeable” things to living plants:Torture with maliceSlowly poisonTie sadisticallyCut estheticallyBurn in a bain-marieDamage efficientlyMistreat guiltlesslyAsphyxiate in all simplicityTransplant upside downPrevent photosynthesis at any cost…

This manifesto is a veritable pamphlet in the context of the green revolution we are experiencing today.

Stéphane Malysse lives in Brazil and teaches art and anthropol-ogy at the University of São Paulo (EACH/USP). He also works as a visual artist and art critic. After obtaining a PhD in social anthropology at Paris’ School for Advanced Studies in the Social Sciences (EHESS), he published his post-doctoral research on UNICAMP Art Institute of São Paulo’s multimedia platform. He recently published his first book on Brazilian bodybuilding culture.

Bioperversidade

No âmbito do festival Eternal Tour, o artista plástico Stéphane Malysse propõe uma performance que permitirá dar início a um debate com o público sobre a ecologia e seus descaminhos propagandísticos, baseada em seu “manifesto da bioperversidade”, redigido em 2010:Realizar gestos “biodesagradáveis” em plantas vivas:Torturar com malíciaEnvenenar lentamenteAtacar sadicamentePicar esteticamenteDescascar impecavelmenteQueimar ao banho-mariaEstragar eficazmenteMaltratar sem culpaAsfixiar simplesmenteTransplantar de cabeça para baixoImpedir a fotossíntese a qualquer custo…

Stéphane Malysse vive no Brasil e ensina arte e antropologia na Universidade de São Paulo (EACH/USP). Também trabalha como artista plástico e crítico de arte. Após um doutorado em antro-pologia social na Escola de Altos Estudos em Ciências Sociais (EHESS) de Paris, publicou sua pesquisa pós-doutoral no suporte multimídia do departamento Multimídia do Instituto de Arte da Unicamp. Recentemente publicou seu primeiro livro sobre a cul-tura brasileira da musculação.


Bioperversidade, 2012.

Bioperversity#4, (after Dexter), 2011.


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Throughout 2007, Donatella Bernardi and Beat Lippert incubated this idea. It began with workshops, chiefly in underprivileged areas, and brought together indigenous artists (Natuno in 2007), children (African Community Society in Jerusalem during 2010), and asylum seekers (Centre EVAM, Bex, Swit-zerland, in 2011). Ephemeral art pieces and structures were assembled with reworked materials. Micro-documentaries filmed by the two artists showcase these works. Joining in the Percatempo endeavour in Sao Paulo, Beat Lippert will recapture these methods and, using waste materials, new sculptures arise. Using the snap-shot technique, a new registry of these works will recover these images.

Born in Lausanne in 1977, Beat Lippert studied sculpture (Alanus Hochschule für Kunst und Gesellschaft) Bonn, Germany (1997–2001), archeology and visual arts (HEAD – Geneva University of Art and Design) (2003–2007). In his work, the artist associates these three domains to both art and science, thus questioning their respective legitimacy. In several works, Lippert appropriates the motifs of ancient statuary, by for example traveling through Italy pulling a Corinthian column with his bicycle, Véhicule (2008), or by reproducing a subtly modified version of the famous Spinario [Boy with Thorn] (2009). The artist uses duplication as the principal strategy to question a memorial site (Duplication 6, identical reproduction of a cemetery) or simply the presence of a rock (Monolithe, two perfectly identical monoliths for a public space in Plan-les-Ouates in Geneva).

Eternal Tour 2012 São PauloSomos todos felizes

Durante o ano de 2007, Donatella Bernardi e Beat Lippert incubaram a ideia do projeto. Inicialmente, as atividades consistiam em oficinas realizadas prin-cipalmente em comunidades carentes, reunindo artistas locais (Nettuno, em 2007), crianças (Sociedade da Comunidade Africada em Jerusalém, em 2010), e pessoas em busca de asilo (Centre EVAM, Bex, Suíça, em 2011). Estruturas e obras de arte efêmeras, montadas com materiais reaproveitados, foram registra-das em micro-documentários, filmados pelos dois artistas. Como integrante do projeto Percatempo, em São Paulo, Beat Lippert resgatará esses métodos para realizar uma nova escultura por dia, utilizando materiais descartados. Empre-gando a técnica do “snapshot”, ele registrará esses trabalhos em uma nova coleção de imagens.

Nascido em Lausanne em 1977, Beat Lippert estudou escultura (Alanus Hochschule für Kunst und Gesellschaft em Bonn, Alema-nha (1997-2001), arqueologia e artes visuais (Haute Ecole d’Art et de Design (HEAD-Genebra, 2003-2007). Em sua obra, principal-mente conceitual, o artista associa esses três domínios, ligados tanto à ciência como à arte, questionando, assim, sua legitimi-dade. Em diversos trabalhos, Lippert apropria-se dos motivos da estatuária antiga, seja, por exemplo, viajando através da Itália rebocando uma coluna coríntia em sua bicicleta, Véhicule (2008), ou reproduzindo de maneira sutilmente modificada o famoso Spinario (2009). O artista emprega a duplicação como uma estra-tégia central para questionar um lugar de memória (Duplication 6, reprodução idêntica de um cemitério) ou simplesmente a presença de uma pedra, (Les Monolithes, dois monólitos perfei-tamente idênticos instalados em um espaço público em Plan-les--Ouates em Genebra).

Donatella Bernardi, Hadrien Dussoix, Beat Lippert,Materiais para bombola (workshop Siamo tutti beati,

TERRORISTES, JE VIS POUR VIVRE), 2011.Foto: Donatella Bernardi.

Donatella Bernardi, Hadrien Dussoix, Beat Lippert,EVAM in the woods (workshop Siamo tutti beati,

TERRORISTES, JE VIS POUR VIVRE), 2011.Photo: Beat Lippert.


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agorafobi/agorafobia/agoraphobia

For three years Anna Kindgren and Carina Gunnars developed field research on urbanism in two cities: Stockholm and São Paulo. The result is a trilingual publication (Swedish, Portuguese, English) that appeared in May 2011, which sets up a parallel between a sociological and a psychoanalytical analysis of the effects of cities on their inhabitants. The book was never presented to the Brazilian public. It prompts a discussion on the recent changes of São Paulo’s urban fabric, enhanced by a double perspective thanks to a comparative study with Stockholm. Modernism and its possible evolution link these two cities in a surprising way.

“As common spaces shrink and language is kidnapped, many of us grope about in a somewhat ruptured reality. What does the association of fear with squares and open spaces do to us? Who is afraid of whom? Land and buildings are seen as lasting values. The popular movements in Sweden realized this more than a hundred years ago. The places they built provided strength and space for a century. But what and where is the commons now that it is being sold out? An urban developer in São Paulo says that selling public housing is a bad idea. Who is entitled to a roof over their head? A movement in São Paulo asks questions regarding ownership, and who gets to live where in the era of choice. Three curators discuss the commons. What happens when more and more of it is fenced off by private interests? Here we have asked questions through our work as artists at a time of ambivalence and confusion. Psycholo-gists say that we must first grieve. Efficiency and creativity in terms of ‘realpo-litik’ and business economics don’t jibe with the realities of artistic practice. We feel it is important to make our own connections between for example, the megalopolis São Paulo and a village in Norway”.

Anna Kindgren and Carina Gunnars form an artistic duo based in Stockholm. Their work methods favor meetings, research reports and travel. They lead long-term projects, like Love and Devotion from 2000 to 2006, in collaboration with two other artists. The recent Swedish neoliberal movement forced them to reevalu-ate the financial and political situation at the local and global level. The objects of their investigation are Swedish cities and institutions, for instance, urban space and the limitation of civic activities within that space, regulated by laws and commercial interests. The two artists participated in numerous events in the following places: Södertörn University, University College of Arts, Crafts and Design, Stockholm (Konstfack), The Royal Institute of Art, Stockholm (former Royal University College of Fine Arts), KTH School of Architecture, Stockholm, Ölands Folk High School, Art School, Umeå Academy of Fine Arts, the Swedish University of Agricultural Sciences.

agorafobi/agorafobia/agoraphobia

Anna Kindgren e Carina Gunnars desenvolveram durante três anos uma pes-quisa de campo sobre o urbanismo de duas cidades: Estocolmo e São Paulo. Dela resultou uma publicação trilíngue – sueco, português, inglês – lançada em 2011, que propõe uma análise, ao mesmo tempo sociológica e psicanalítica, dos efeitos das cidades sobre seus habitantes. O livro, nunca apresentado ao público brasileiro, permite abrir uma discussão sobre as mudanças recentes do tecido urbano de São Paulo, enriquecida por um olhar cruzado, graças ao caso de Estocolmo. O modernismo e sua possível evolução ligam essas duas cidades de uma maneira espantosa.

“Quando os espaços públicos encolhem e a língua é sequestrada, muitos de nós tateiam em uma realidade partida. O que a associação do medo com as praças e espaços abertos provoca em nós? Quem tem medo de quem? Terre-nos e edifícios são vistos como valores permanentes. O movimento popular da Suécia percebeu isso há mais de cem anos. Os lugares que foram construídos proporcionaram força e espaço por um século. Qual e onde é o espaço público, agora que ele está sendo vendido? Um urbanista de São Paulo diz que vender moradia popular é má ideia. Quem tem direito a ter um teto sobre a cabeça? Um movimento em São Paulo suscita questões relativas à propriedade e per-gunta: quem pode viver onde, na era da escolha? Três curadores discutem o espaço público. O que acontece quando mais e mais espaços são cercados pelo interesse privado? Aqui levantamos questões por meio de nosso trabalho como artistas num tempo de ambivalência e confusão. O psicólogo diz que devemos primeiro sofrer. Eficiência e criatividade em termos da realpolitik e da econo-mia empresarial não rimam com as realidades da prática artística. Pensamos que é importante fazer nossas próprias conexões entre, por exemplo, a megaló-pole de São Paulo e um vilarejo na Noruega”.

Anna Kindgren e Carina Gunnars formam um duo de artistas baseado em Estocolmo. Seus métodos de trabalho privilegiam os encontros, os atos de pesquisa e as viagens. Desenvolvem pro-jetos de longo prazo, como Love and Devotion, de 2000 a 2006, em colaboração com dois outros artistas. A recente revolução neoliberal sueca as fez reavaliar a situação financeira e política, em uma escala local e global. Seus objetos de investigação são as instituições e as cidades suecas; abordam, por exemplo, o espaço urbano e a limitação de atividades cívicas em seu interior, pois tais atividades são reguladas pela lei e pelos interesses comer-ciais. As duas artistas participaram de eventos nos seguintes locais: Södertörn University, University College of Arts, Crafts and Design, Estocolmo(Konstfack), The Royal Institute of Art, Estocolmo (formalmente, Royal University College of Fine Arts), KTH School of Architecture, Estocolmo, Ölands Folk High School, Art School, Umeå Academy of Fine Arts, Swedish University of Agricultural Sciences.


Páginas 260–261 do livro agorafobi/agorafobia/agoraphobia, mostrando o abandonado, ocupado, evacuado e demolido (2010) arranha-céu

São Vito em São Paulo, sendo lidas na vila Sørfinnset, na Noruega, 2011. Foto: akcg (Anna Kindgren e Carina Gunnars).

Pages 32–33 in the book agorafobi/agorafobia/agoraphobia,(the great transformation – inside) read in Sørfinnset Village, Norway, 2011.

Photo: akcg (Anna Kindgren and Carina Gunnars).


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ltHaiti and Brazil: same roots

Opera singer Anne-Laure Kénol developed, in collaboration with Ted Beaubrun and Valérie Girault, a research on the music and dance of Haitian and Brazilian slaves. Fascinated by the parallels one can make between the two cultures, the three musicians propose a vocal recital accompanied by piano that regroups both traditional music and a more classical repertoire. Indeed, Haiti was the first territory discovered by Columbus and it is there that the first slaves from Africa were shipped. Even after the abolition of slavery their situation did not improve much. The African traditions (Benin and Angola) maintained a strong presence, despite the different regional influences that modified them.

Music, song, dance, all permitted these populations to express their suffer-ing, their anger and especially to keep their dignity and their identities. Some dances were also a means of training oneself for combat without attracting attention from the white masters. It is one of the similarities between Haiti (war dances) and Brazil (capoeira). The music (strongly tied to Voodoo and Candomblé) allowed them to find the resources and energy to emancipate themselves! Haiti was the first to free itself and drew many countries along in its revolt.

Anne-Laure Kénol is Franco-Haitian opera singer living in Paris. There she pursues her career as a soloist and also dedicates her-self to teaching the Dalcroze method, notably as a professor at the Paris Conservatory.

Valérie Girault is a Guadeloupian author, composer and per-former, born in Pointe-à-Pitre. She has notably collaborated with choreographer Léna Blou and West Indian musicians Rony Théophile and Sonny Troupé.

Ted Beaubrun was born in Haiti and distinguished himself at an early age thanks to his many talents. He has lived and breathed music since he was quite young, thanks to his parents who created the group Boukman Eksperyans which is one of Haiti’s most renown groups, even today. At the age of twelve he began to participate in the group’s international tours as a musician and dancer (the Caribbean, Canada, USA, Europe). This “tam-bourinist” is also a guitarist, pianist, singer, composer and arranger. He participated in the creation of many albums in styles such as Musique Racine d’Haïti, Hip-Hop, Latin, R&B, Coupé-Décalé. He has produced four albums in the role of arranger and artistic director. He is currently preparing several others in Geneva, where he lives.

Haiti e Brasil: mesmas raízes

Cantora lírica, Anne-Laure Kénol desenvolveu com Ted Beaubrun e Valérie Girault uma pesquisa sobre a música e a dança de escravos no Haiti e no Brasil. Fascinados pelos paralelos que podem ser traçados entre as duas culturas, os três músicos propõem ao público um recital de canto acompanhado ao piano que reúne tanto a música tradicional como um repertório mais clássico. Efe-tivamente, o Haiti foi o primeiro território descoberto por Colombo e foi para lá que os primeiros escravos vindos da África foram deportados. Mesmo após a abolição da escravatura, sua situação pouco melhorou. As tradições africanas (Benim e Angola) permaneceram extremamente presentes, apesar das diferen-tes influências que as modificaram, conforme a região.

A música, o canto e a dança permitiram a essas populações exprimir seus sofrimentos, sua cólera e, principalmente, conservar sua dignidade e sua iden-tidade. Certas danças foram, também, o modo de treinar para o combate sem atrair a atenção dos senhores brancos. Essa é uma das semelhanças entre o Haiti (danças de guerra) e o Brasil (capoeira). A música (fortemente ligada às crenças do vodu e do candomblé) permitiu-lhes encontrar os meios e a coragem de se revoltar. O Haiti foi o primeiro a se libertar, arrastando atrás de si muitos países em sua revolta.

Anne-Laure Kénol é uma cantora lírica mestiça franco-haitiana que vive em Paris, onde desenvolve sua carreira de solista e se consagra, igualmente, ao ensino do método Dalcroze, particular-mente como professora de formação musical no Conservatório de Paris.

Valérie Girault é uma autora, compositora e intérprete de Guada-lupe, nascida em Pointe-à-Pitre. Já realizou trabalhos em colabo-ração com a coreógrafa Léna Blou e com os músicos antilhanos Rony Théophile e Sonny Troupé.

Ted Beaubrun nasceu no Haiti e desde muito jovem se desta-cou pela multiplicidade de seus talentos. Já na infância, viveu banhado em música, graças a seus pais, que criaram o grupo Boukman Eksperyans, até hoje um dos mais conhecidos no Haiti. Aos 12 anos, começa a participar das turnês do grupo como músico e dançarino (Caribe, Canadá, EUA, Europa). Esse “tambo-rinista” é também violonista, pianista, cantor, compositor e arran-jador. Participa da concepção de álbuns nos estilos de música de raiz haitiana, hip-hop, música latina, R&B e coupé-decalé. Produ-ziu quatro álbuns como arranjador e realizador artístico. Atual-mente, prepara vários outros em Genebra, onde vive.


Anne-Laure Kénol, 2012. Foto: Daphné Bengoa.

Ted Beaubrun, Haitian drum player.Photo: Sandrine Oyeyi.


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Poetic surgery

Directly inspired by the SESC Consolação infrastructure (dedicated not only to culture and mind, but also to physical health), Dominique Fleury and Ana Teixeira invite the audience to go to a waiting room created for the Eternal Tour festival in the Sala Moebius. The audience will share stories about their bodies, the view they have of their physical or mental ailments and then move on to give them form. A collective text will be written with these testimonies, like a poem signed by multiple authors, to then move on to create a common anthropomorphic sculpture. The raw materials for this sculpture are thus the bodies of the group considered as One. So, much like Frankenstein, a being made of a mosaic of emotions shall be born. Through this project Dominique Fleury and Ana Teixeira will have a glimpse of the relations some Brazilians have with their bodies, their intimacy and their imagination.

Dominique Fleury is a Lebanese-Swiss artist with a diploma from Stockholm’s Royal Institute of Art. Her work is articulated around the peculiar mythologies each person lives by. She is interested in what is threatened to disappear and therefore finds itself at the edge of two worlds. Her research mixes different temporalities by playing with individual and collective fictions. Her recent projects took off from questions raised by Eastern Christians.

Ana Teixeira is an artist who graduated from the University of São Paulo’s School of Communications and Arts (ECA-USP) and has a master’s degree in Visual Arts from the same school. She works with drawings, installations, photography and video. Her experience includes exhibitions and residency programs both in Brazil and abroad. Her work focuses on how we tell our stories and communicate in our relationships. Ana is interested in engen-dering relations through art, so as to surpass the boundaries of people’s usual experience of living together. Both in her interven-tions and in her drawings, objects and photos, the artist has been devoted to an extensive study of human beings and their subjec-tivity. In her street actions she has collected the dreams, wishes, words, life stories and fingerprints of millions of people. In her drawings, the flip side of human relationships is highlighted: the artist’s characters seem displaced from reality, bound to inevi-table solitude and discomfort. She lives and works in São Paulo.

Cirurgia poética

Inspirando-se diretamente na infraestrutura do SESC (que se dedica não somente à cultura do espírito, mas também aos cuidados com o corpo), Domi-nique Fleury e Ana Teixeira convidam o público a se reunir em uma sala de espera criada na sala Moebius (Convivência). A audiência confiará, então, aos artistas, as histórias de seus corpos, do olhar que dirigem a seus males físicos ou psíquicos para, em seguida, dar-lhes forma. A partir desses testemunhos um texto coletivo será redigido, como um poema assinado por vários autores para, em seguida, proceder-se à elaboração de uma escultura antropomórfica comum. A matéria-prima da escultura será o corpo do grupo, aqui considerado como Um. Desse modo, à maneira de Frankenstein, um ser constituído por um mosaico de emoções será posto no mundo. Por meio desse projeto, Dominique Fleury e Ana Teixeira terão uma amostra da relação de alguns brasileiros com seu corpo, sua intimidade e seu imaginário.

Dominique Fleury é uma artista líbano-suíça diplomada pelo Royal Institute of Art de Estocolmo. Seu trabalho se articula em torno das mitologias singulares em meio às quais cada um evolui. Interessa-se por aquilo que está ameaçado de desaparecer e se encontra na fronteira entre dois mundos. Sua pesquisa mistura diferentes temporalidades jogando com as ficções pessoais e coletivas. Seus recentes projetos tomaram como ponto de partida questões suscitadas pelos cristãos do Oriente.

Ana Teixeira é artista, formada pela Escola de Comunicação e Artes (ECA) da Universidade de São Paulo (USP), mestra em Poé-ticas Visuais pela mesma universidade. Trabalha com desenho, instalações, fotografia e vídeo. Tem participado de mostras e programas de residência no Brasil e no exterior. O foco de seu tra-balho está na maneira como nos relacionamos, contamos nossas histórias e nos comunicamos. Seu interesse é engendrar relações por meio da arte, de maneira a ultrapassar os limites do convívio habitual entre as pessoas. Tanto em suas intervenções como em seus desenhos, objetos e fotos, a artista tem se dedicado a uma extensa pesquisa sobre seres humanos por meio de sua subjetivi-dade. Em suas ações de rua, já coletou sonhos, desejos, palavras, histórias de vida e impressões digitais de milhares de pessoas. Em seus desenhos, as relações humanas ganham destaque por seu avesso: os personagens da artista parecem deslocados da realidade, presos a uma solidão e a um desconforto inevitáveis. Ela vive e trabalha em São Paulo.


Ana Teixeira, Balão, séries No Longer, But Still, 2012.Dominique Fleury, Untitled, 13 ×11 cm, 2012.


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steinUrban walks: why is São Paulo beautiful?

This collective of people from different backgrounds (architecture, design, con-temporary art) proposes a cartesian itinerary, crossing through the city of São Paulo from south to north, with a questioning gaze. This itinerary is divided into four walks. The walks, open to everyone, are just as easily intended for Eternal Tour participants as for São Paulo’s residents.

The proposal refers to the vision of the “strollology” science founded by the Swiss sociologist Lucius Burckhardt in the 1980s. This vision of pedestrian activ-ity aims to confront the landscape with the urban space through the approach of a naive and enthusiastic explorer, thus appreciating the aesthetics of any loca-tion even in its simplicity or greatest banality, as opposed to the spectacular.

The collective intends to provoke a colorful palette of subjective percep-tions of the environment, the context and spatial reality, beyond the obvious and the stereotypical.

Cris Faria lives and works in Zurich. At 24 he left the beach, a surfing career and his studies in history at the Federal University of Bahia to begin his studies in visual arts at the Geneva University of Art and Design (HEAD). He obtained his diploma with honors in 2005 with Art Basel Geneva, and won the Swiss Award in 2007. He defines himself as an unartist, that is, an artist who seeks out the frontiers between art and life. Through a procedure he calls “Umwertung” [reevaluation], his works question social and politi-cal values and attributed roles.

Céline Guibat, architect, studied at the Lausanne Federal Institute of Technology. After living in Spain and Germany, she finally set-tled in Switzerland, where she first worked for the Daniel Libes-kind studio in Bern. Later she worked in the field between design and architecture, as well as doing research at the Zürich Federal Institute of Technology for professor A. Deplazes. She is currently running her own studio between Zurich and Sion, while teaching at Winterthur’s School of Architecture.

Thais Ribeiro obtained a diploma in architecture and urban-ism from the Mackenzie Presbyterian University of São Paulo (in Brazil) in 1998. During her studies she was active within the experimental and politically engaged National Student Asso-ciation of Architecture and Urbanism, where she supervised meetings, workshops, publications, seminars and exhibitions at the local and national level. In São Paulo she participated in dif-ferent design and construction projects. Established in Switzer-land since 2005, she is currently collaborating in the extension of Geneva’s Ethnographic Museum developed by Zurich’s Graber Pulver Architects.

Karin Zindel, Swiss-Brazilian designer, studied and lived several years in England, where she started her engagement in the field of innovation of design and contemporary art. Often working between the two disciplines, she has always been interested in the different roles and functions these two types of creation can explore and produce. Following a photographic project for Fonda-tion Terre des Hommes in Brazil in 2005, she began research on participative design, urbanism and art in public spaces. Among other independent activities, she currently works as a scientific assistant at the Zurich University of the Arts.

David Zumstein, architect, lives and works in Zurich. His work focuses on urban and landscape development issues, in the zone of tension between exploitation and preservation. His work also deals with the confrontation and perception of the specific phe-nomenologies of a space becoming more and more (uni)form because of globalization. Among his various works are the unpub-lished research Coastscape Albania – Feasibility study for a sus-tainable development of a unique Mediterranean coastal strip and the collaborative Internet platform www.howtopedia.org. His field of activity spreads from a mandate as councillor and project manager in the Real Estate Asset Management at a major Swiss bank, to freelance work as an author in the field of architecture and urbanism, and his commitment as a developer in his office Acupuncture Investments.

Caminhadas urbanas: por que São Paulo é bela?

Esse coletivo de pessoas de horizontes diferentes (arquitetura, design, arte contemporânea) propõe por meio de um itinerário cartesiano e de um olhar curioso, uma travessia de sul a norte pela cidade de São Paulo, dividida em qua-tro etapas. A caminhada, aberta a todos, se dirige tanto aos participantes do Eternal Tour como aos habitantes de São Paulo.

A proposta do coletivo fundamenta-se na “promenadologia”, ciência fun-dada pelo sociólogo suíço Lucius Burckhardt nos anos 1980, que visa confrontar o pedestre com a paisagem e o espaço urbano, na perspectiva de um explorador ingênuo e entusiasta, que aprecia a estética de todo e qualquer lugar, na sua simplicidade ou mesmo banalidade, em oposição ao espetacular.

A intenção é provocar uma paleta colorida de percepções subjetivas do ambiente, do contexto e da realidade espacial que vá além do evidente e dos estereótipos.

Cris Faria vive e trabalha em Zurich. Aos 24 anos, abandonou a praia, uma carreira de surfista e a faculdade de história na Uni-versidade Federal da Bahia para principiar seus estudos em artes plásticas em Genebra, na HEAD. Obtém seu diploma com as feli-citações da banca em 2005, com Art Basel Geneva, e dois anos depois ganha o Swiss Award 2007. Ele próprio se define como um não artista, ou seja, um artista que busca as fronteiras entre a arte e a vida. Por meio de uma operação que ele denomina “Umwertung” [reavaliação], seus trabalhos questionam os valo-res sociais e políticos e os papéis que nos são atribuídos.

Céline Guibat, arquiteta, formou-se na Escola Politécnica de Lausanne. Após ter vivido na Alemanha e na Espanha, se esta-belece finalmente na Suíça, onde trabalha para o estúdio Daniel Libeskind em Berna. Em seguida, continua suas atividades no campo do design e da arquitetura, além de participar de um tra-balho de pesquisa para o Prof. Deplazes na Escola Politécnica Federal de Zurique. Dirige atualmente seu próprio estúdio entre Zurique e Sion, e ensina na Escola de Arquitetura de Winterthur.

Thais Ribeiro, arquiteta, graduou-se em 1998 pela FAU – Univer-sidade Mackenzie (São Paulo). Codirigiu e coordenou a realização de encontros, workshops, publicações, seminários e exposições nacionais e regionais, dos estudantes de arquitetura no Brasil, no âmbito da FENEA, representação estudantil de dimensão política e experimental. Como arquiteta autônoma e em colaboração, trabalhou na concepção e na construção de diversos projetos de edificação em São Paulo e, desde 2005, na Suíça. Atualmente, trabalha em Zurique, junto ao escritório de arquitetura Graber Pulver, na realização do novo museu de etnografia de Genebra.

Karin Zindel, designer suíço-brasileira, estudou e viveu vários anos na Inglaterra, onde começou seu engajamento no campo de inovação do design e da arte contemporânea. Trabalhando continuamente entre as duas disciplinas, sempre se interessou pelos diferentes papéis e funções que esses dois domínios de criação podem explorar e produzir. Após um projeto fotográfico para a Fundação Terra dos Homens no Brasil em 2005, começou uma pesquisa voltada ao design participativo, ao urbanismo e à produção artística no espaço público. Entre outras atividades autônomas, trabalha atualmente como assistente científica na Universidade de Artes de Zurique.

David Zumstein, arquiteto, vive e trabalha em Zurique. Seu traba-lho tem como foco as questões do desenvolvimento urbano e de paisagem, na zona de tensão entre a exploração e a preservação. Aborda também o confronto e a percepção das fenomenologias específicas de um espaço cada vez mais (uni)formado pela glo-balização. Entre suas diversas atividades estão a pesquisa inédita Coastscape Albania – Feasibility study for a sustainable develo-pment of a unique Mediterranean coastal strip e a plataforma colaborativa na internet www.howtopedia.org. Seu campo de atividades abrange desde um mandato de conselheiro e gerente de projeto no departamento de Real Estate Asset Management em um dos maiores bancos suíços, passando por trabalhos livres como escritor no campo de arquitetura e urbanismo, até o enga-jamento em seu escritório de desenvolvimento de projetos arqui-tetônicos Acupuncture Investments.


O olhar curioso.Por que São Paulo é bela? 2012

Foto: Céline Guibat.

Virgin territory.Why is São Paulo beautiful? 2012.

Illustration by Juliana Russo, São Paulo.


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Anxious dreams in a single eye

With this series of unpublished photographs, Cris Faria puts into pictures a very subtle analysis of Brazilian cultural heritage through the prism of anthro-pology: cannibalism, multicultural society, modernism, tribal motifs… Some standard formats of art history are also called forth: the still-life, the self-por-trait, drapery, the construction and deconstruction of an image’s decor or even the art of center and off-field shots are articulated with great technical and symbolic mastery of black and white.

Cris Faria lives and works in Zurich. He left the beach, a surf-ing career and his studies in history at the Federal University of Bahia to begin his studies in visual arts at the Geneva University of Art and Design (HEAD). He obtained his diploma with honors in 2005 with the project Art Basel Geneva. He defines himself as an unartist, that is, an artist who seeks out the frontiers between art and life.

Sonhos ansiosos em um só olho

Com esta série inédita de fotografias, o artista Cris Faria coloca em imagens, de maneira extremamente sutil, uma análise da herança cultural brasileira pelo prisma da antropologia: antropofagia, sociedade multicultural, modernismo, motivos tribais… Certos formatos-padrão da história da arte são igualmente convocados: natureza-morta, autorretrato, drapejado, construção e descons-trução do cenário da imagem ou, ainda, a arte do enquadramento e do fora de campo são articulados a um grande domínio técnico e simbólico do preto e branco.

Cris Faria vive e trabalha em Zurich. Aos 24 anos, abandonou a praia, uma carreira de surfista e a faculdade de história na Uni-versidade Federal da Bahia para principiar seus estudos em artes plásticas em Genebra, na HEAD. Obtém seu diploma com as feli-citações da banca em 2005, com Art Basel Geneva, e dois anos depois ganha o Swiss Award 2007. Ele próprio se define como um não artista, ou seja, um artista que busca as fronteiras entre a arte e a vida. Por meio de uma operação que ele denomina Umwertung (reavaliação), seus trabalhos questionam os valores sociais e políticos e os papéis que nos são atribuídos.


Sonhos ansiosos em um só olho, fotografia/instalação, 2012.

Yai, fotografia, 86 × 112 cm, 2011.


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Percatempo – mobile community base

Percatempo consists in a cart that catalyzes a series of situations while on the move during the festival in São Paulo’s city center. The vehicle is the object of appropriations and daily variations over the course of material collecting. The project takes its inspiration from the numerous carts one can see in the Paulistano urban context. They are pulled by vegetable vendors or rag-pickers. There are several sorts of cart and they can be decorated or fitted with sound or lighting devices. The title Percatempo is a reference to the organizations called “Poupatempo” (Save time!) that are present throughout the city. Even if advertising has been restrained in the Paulistano public sphere for sev-eral years, the lifestyle and dominant values are heavily laden by capitalism, with a relation to time that is always compressed and calculated in terms of profit. In this context, Percatempo is a device around which one enjoys wasting time. More than becoming politicized, it is about going crazy, in a “psycho-geographic” dimension. Percatempo solicits different anti-gentrifi-cation projects, cycling movements, urban artists and activist organizations, shamans, also provoking pilgrimages towards improbable pit stops chosen by intuition, through games or chance. The exhibition space thus becomes nomadic and helps to show the Paulistano metropolitan area, whose limits are hard to define, to its best advantage. The stakes for this long performance equally consist in the personalization of the public sphere for a given time, and addresses people on the street rather than the usual art-goers.

The project’s initiator is Yusuf Etiman, who lives and works in Berlin and São Paulo. He studied communication in Berlin, and worked as a graphic designer, principally in the field of electronic music and visual arts. His artistic practice deals with urban-ism, the social context, architecture and the public and private spheres. He uses photography, text and performance depending on the projects developed, and dedicates himself to the work pro-cess, to degrowth and to alternative structures. Over the last few years he has committed himself to coordinating the atelier-space Basso in Berlin, which he initiated in 2004.

Percatempo – base comunitária móvel

Percatempo consiste em um carrinho catalisador de uma série de situações enquanto é empurrado durante todos os dias do festival pelo centro da cidade de São Paulo. O veículo torna-se um objeto de apropriações e variações coti-dianas ao sabor das coletas dos materiais. O projeto inspirou-se nos inúmeros carrinhos que podem ser vistos no contexto urbano paulista. São puxados por vendedores de legumes ou catadores de papel. São de vários tipos, alguns deco-rados ou dotados de dispositivos de som ou de luz. O título Percatempo faz referência aos postos do “Poupa Tempo”, presentes na cidade inteira. Embora a publicidade tenha sido restringida no espaço público paulistano, o modo de vida e os valores dominantes são extremamente impregnados pelo capitalismo; por isso, o tempo é sempre comprimido e calculado em termos de rentabili-dade. Nesse contexto, Percatempo é um dispositivo em torno do qual se sente prazer em perder tempo. Mais do que ser politizado, trata-se antes de tudo de tornar-se louco, em uma dimensão “psicogeográfica”. Percatempo solicita dife-rentes projetos anti-gentrificação, movimentos dos ciclistas, dos artistas e das organizações ativistas urbanas, dos xamãs, provocando também peregrinações a paragens improváveis escolhidas por intuição, jogo e acaso. O espaço de expo-sição torna-se, assim, nômade e permite realçar a aglomeração urbana paulista, cujos limites são dificilmente discerníveis. A essência dessa longa performance consiste igualmente em uma domesticação do espaço público por um período determinado e dirige-se mais às pessoas da rua do que ao público tradicional da arte.

O iniciador do projeto Percatempo é Yusuf Etiman que vive e tra-balha em Berlim e São Paulo. Estudou Comunicação em Berlim e trabalha como designer gráfico, principalmente no campo da música eletrônica e das artes visuais. Sua prática artística envolve o urbanismo, o contexto social, a arquitetura e o espaço público e privado. Utiliza a fotografia, o texto e a performance de acordo com os projetos desenvolvidos e se consagra ao processo de tra-balho, ao decrescimento e às estruturas alternativas. Nos últimos anos, dedicou-se a coordenar o espaço-ateliê Basso, em Berlim, que fundou em 2004.


Percatempo, 2012.Foto: Yusuf Etiman.Percatempo, 2012.

Photo: Yusuf Etiman.


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São Paulo and the bureau for knowledge tourism

For the project Eternal Tour 2012, Camenzind have set up a a bureau for knowl-edge tourism in São Paulo. Based on their experience, research and reflection, Camenzind’s agents believe in a broader understanding of the term ‘tourism’: one that encompasses new strains of knowledge production, and the impor-tance of the tourist gaze. With this mode of production in mind, they open a fictive bureau in São Paulo inviting people to participate in this phenomenon, to question, criticize, laugh, and share their thoughts on this form. Can the Eternal Tourist leave a sustainable, resonating positive impact? What are the benefits of both education and heritage, in terms of identity? And how can both sides – foreign and local – be more productively understood? What does the knowledge tourist take back home from their foreign voyage?

Based in Berlin, William Davis is co-founder and member of ANZA (magazine for people and spaces) at Dar es Salaam in Tanzania. He is a member of the collective, Camenzind, based in Zürich. In 2010, he worked as artistic director for scenography agency Chezweitz & Roseapple, for the planning and develop-ment of museums such as Deutsches Hygiene Museum Dresden and The Barbican. In 2011, he co-organized the exhibition Part-Time Pioneer with Leah Whitman-Salkin and artist Beny Wagner, at Humboldt University’s Lichthof space in Berlin. In 2012 he ran the discussion group The City and the Political” with Kenton Card and Christian Berkes.http://www.knowledgetourism.org/

Camenzind goes to… São Paulo e a agência de turismo de conhecimento

Para o projeto Eternal Tour 2012, a Camenzind abre uma agência de turismo de conhecimento em São Paulo. Com base na sua experiência, pesquisa e reflexão, seus agentes acreditam em um entendimento mais amplo do termo “turismo”, que abranja novas correntes de produção do conhecimento e considere a importância do olhar do turista. Tendo em mente esse modo de produção, eles convidam as pessoas a participar desse fenômeno, a questionar, criticar, rir e compartilhar seus pensamentos sobre essa forma. Os Eternal Tourist podem deixar um impacto positivo, sustentável e ressoante? Quais são os seus bene-fícios – em termos de identidade, educação e herança? E como os dois lados podem ser associados – estrangeiro e local? O que o turista de conhecimento leva consigo de sua viagem internacional? E o que o turista de conhecimento está trazendo para suas visitas ou encontros com as pessoas do local?

Instalado em Berlim, William Davis é cofundador e membro da ANZA (revista para as pessoas e os espaços) em Dar es Salaam, Tanzânia. É membro do comitê de Camenzind, uma agência de viagens fictícia, e de uma revista de arquitetura sediada em Zuri-que. Em 2012, trabalhou como diretor artístico para o escritório cenográfico Chezweitz & Roseapple, para o planejamento e a reforma de museus como o Deutsches Hygienes Museum, em Dresden e The Barbican. Em 2011, coorganizou a exposição Part--Time Pioneer com Leah Whitman-Salkin e o artista Beny Wagner, no Lichthof da Universidade Humboldt de Berlim. Com Camen-zind, participou do projeto de criação da primeira revista de arquitetura da África do Leste (ANZA). O projeto teve o apoio da Pro Helvetia, da embaixada suíça em Dar Es Salaam, BHSF e de patrocinadores privados. Em 2012, fundou um grupo de pesquisa com Kenton Card e Christian Berkes e trabalhou com Corporate Watch (organização para a observação das ações das empresas relativas à sociedade), em Londres.http://www.knowledgetourism.org/


Sem título (guia de linguagem comprado em Dar es Salaam, Tanzânia), 2012.

Foto: Camenzind.

Untitled (Eiffel Tower keyring), 2012. Photo: Camenzind.


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Far away & Make me beautiful

For the festival, the Tunisian artist Boutheyna Bouslama presents two works: the first, Far away (25 minutes), produced for Eternal Tour 2010 Jerusalem, evokes the impossibility for certain people from the Arab world – including the artist herself – to go to Jerusalem. Thus it highlights the limits of cosmopoli-tanism in certain precise contexts. The second, Far away & Make me beautiful (2012/5 min 18 sec) produced for the Paulistano edition of the Eternal Tour festival, is a return to the artist’s body. She became interested in the relation-ship between the Brazilian woman and beauty to better understand her own perception of her body. The artist was raised in an atmosphere that promoted intelligence and work in women, by setting aside physique. However, after a tumorous disease and two difficult operations, she learned to pay particular attention to her body, not only through medical treatment, but especially with esthetic treatment.

Tunisian visual artist and filmmaker, born in Paris in 1982 to Tuni-sian parents, Boutheyna Bouslama grew up in Qatar and the Middle East. She has been living in Geneva since 2007. With a diploma in art and scenography from Monaco’s School of Fine Arts (ESAP), this former biologist then obtained a Master’s in visual arts from the Geneva University of Art and Design (HEAD). Her work is based on writing and the different forms she gives her texts, narrative and self-fictional, and which deal with her preoc-cupations as a woman/artist/expatriate. She is interested in dis-seminating her work in spaces not dedicated to contemporary art, and proceeds by infiltrating everyday spaces with her art objects. Her films, for the most part documentaries, voluntarily blur the limits between reality and fiction, and are regularly projected in festivals in Europe, Latin America, the Middle East and India.

Longe e Faça-me bela

Para o Festival, a artista tunisiana Boutheyna Bouslama apresenta dois traba-lhos: o primeiro, Longe (25 min), realizado no âmbito de Eternal Tour 2010 Jerusalém, evoca a impossibilidade, para certas pessoas do mundo árabe, entre elas a artista, de entrar em Jerusalém. Ressalta, assim, os limites do cosmopo-litismo em certos contextos precisos. O segundo, Faça-me bela, (5 min 18 s) realizado para a edição paulista do festival Eternal Tour, opera um retorno ao corpo da artista. Ela interessou-se pela relação da mulher brasileira com o corpo e com a beleza, para melhor entender sua percepção de seu próprio corpo. A artista foi educada em um espírito que privilegiava a inteligência e o trabalho nas mulheres, e deixava o físico de lado. Contudo, em razão de uma doença tumoral e de duas operações pesadas, ela aprende a dar ao seu corpo uma aten-ção particular, não somente por meio de cuidados médicos, mas principal-mente de cuidados estéticos.

Artista plástica e cineasta tunisiana, nascida em Paris em 1982 de pais tunisianos, Boutheyna Bouslama cresceu no Catar e no Oriente Médio. Desde 2007, vive e trabalha em Genebra. For-mada em artes e cenografia na Escola Superior de Belas-Artes de Mônaco, essa antiga bióloga obtém, em seguida, um Master em artes visuais da Escola superior de Arte e Design de Genebra. Seu trabalho baseia-se na escrita e nas diferentes formas plásti-cas que dá a seus textos, narrativos e autoficcionais, e que tratam de suas preocupações de mulher/artista/expatriada. Uma de suas preocupações consiste na difusão de seu trabalho em espaços não dedicados à arte contemporânea e procede, assim, a infiltra-ções de seus objetos de arte no espaço do cotidiano. Seus filmes, a maioria deles documentários, embaralham voluntariamente os limites entre o real e a ficção, e são regularmente projetados em festivais na Europa, na América Latina, no Oriente Médio e na Índia.


Boutheyna Bouslama, Longe, 2010.Boutheyna Bouslama, Far away, 2010.


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A trip and a lecture, from Sarajevo to Jerusalem. Three protagonists: a beard, a head of hair and a hat. A word performed for the camera, tableaux-images and inner tubes. From its 114th to its 1st Sura, the Koran is read by the side of the road, in a tent, a bar, a shopping mall entrance, in front of a donkey, at sea, on a bus, a night train or plane in flight. How is one to understand the French trans-lation of the sacred text that founded the Arab tongue, the language of God? Should one even try to interpret the Koran and try to link it to the landscape-contexts? Though it’s about living a book and reading it, encouraged and sup-ported by camera and mic, it’s also a question of researching this geographic and cultural frontier between West and East – distinctions and cross references made between the three monotheisms, from the appropriation of these prob-lems by three people taking turns being the patriarch, the woman, and the Jew or even Santa Claus, the rebel girl and the young man. With all the efforts this required, recorded on film, it is definitely a question of two parallel crossings – earth and text – whose protagonists invariably seek the point of contact, God knows where.

Donatella Bernardi, artist, lives and works in Geneva and Stock-holm, where she is a professor at the Royal Academy of Fine Art. Her artistic practice – whose principal subjects are history, tradi-tion, the classes, gender, power schemes – includes films, instal-lations, scientific publications and exhibition commissions. She is a founding member of Eternal Tour.

Rudy Decelière lives and works in Geneva. With a diploma from Geneva’s School of Fine Arts (currently, HEAD), his work revolves around sound, set up in the public sphere or in an exhibition space. He also works for cinema as soundman, sound editor and sound mixer. He has participated in Eternal Tour since 2009.

Nossa última sonata

Filme realizado por Donatella Bernardi e Rudy Decelière, representa uma via-gem e uma leitura, de Sarajevo a Jerusalém. Três protagonistas: uma barba, uma cabeleira e um chapéu. Uma fala dita para a câmera, imagens-quadros e câmaras de ar. De sua 114ª à sua 1ª sura, o Alcorão é lido na beira das estradas, em uma tenda, um bar, na entrada de um shopping, diante de um jumento, no mar, em um ônibus, em um trem noturno ou em um avião. Como entender essa tradução francesa do texto sagrado que fundou a língua árabe, a língua de Deus? Seria preciso tentar interpretá-lo e ligá-lo às paisagens-contextos? Se se trata de viver um livro, por meio de uma leitura estimulada e sustentada pela câmera e pelo microfone, o que está em jogo é também a questão de uma pes-quisa da fronteira geográfica e cultural entre Ocidente e Oriente, das distinções e entrecruzamentos feitos entre os três monoteísmos, da apropriação dessas problemáticas por três pessoas que encarnam alternativamente o patriarca, a mulher e o judeu ou, ainda, o Papai Noel, a indisciplinada e o jovem. Com todos os esforços que isso requer, como prova o filme, trata-se definitivamente de duas travessias paralelas – terra e texto – entre as quais os protagonistas bus-cam invariavelmente o ponto de contato, Deus sabe onde.

Donatella Bernardi, artista, vive e trabalha em Genebra e em Estocolmo, onde é professora na Academia Real de Belas-artes. Sua prática artística – cujos temas principais são a história, a tra-dição, as classes, os sexos, os esquemas de poder – inclui filmes, instalações, publicações científicas e curadorias de exposições. É membra fundadora de Eternal Tour.

Rudy Decelière vive e trabalha em Genebra. Formado pela Escola Superior de Artes Visuais de Genebra (hoje HEAD de Genebra), seu trabalho gira em torno do som, instalado no espaço público ou no espaço de exposição. Desenvolve suas atividades também no cinema, como operador de som, montador e mixador. Desde 2009, participa do festival Eternal Tour.


Caffe Tito em Sarajevo, Nossa última sonata, filme de Donatella Bernardi e Rudy Decelière, 2012.

Foto: Donatella Bernardi.Emmanuel DuPasquier in Our last sonata, a film by Donatella Bernardi and Rudy Decelière, 2012.

Photo: Donatella Bernardi.


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The installation Hot cat hot city proposes to make the animal kingdom’s tracks visible – an animal kingdom that lives and rubs elbows with civi-lized and channeled nature such as the city imposes today. Indeed São Paulo, tropical metropolis, is, like other cities of the South, in a permanent balance between its economic and urban growth and its geographical, climatic and bio-logical situation. The rivers that become sewers are also a home to wild ani-mals; the power of vegetation mistreats manmade constructions; to the city’s immense population corresponds an equally huge population of pets or wild animals, semi-civilized or parasitic. Hot cat hot city is a research on this fauna: what relations do they maintain with humans, between the desire for protec-tion, the will to eradicate and irrational fears? Hot cat hot city will take the form of a film project, deployed like a mural diagram that reports on the state of the research with a display case to be progressively filled with traces of the wilderness and the beast.

Fabiana de Barros is a Swiss artist of Brazilian origin edu-cated at the School of Arts FAAP and at the ESAV (School of Visual Arts, currently HEAD) in Geneva. She lives and works in these two cities. In 1987, she presented her first solo exhibi-tion: Tours du monde in Geneva. In 1988, she was invited to São Paulo’s 20th biennial, where she participated again in 2000 and 2002. Her work is situated in the field of Contextual and Relational Art where the public plays a crucial role. The Fiteiro Cultural [Culture Kiosk] (1998), developed over the course of 10 years, was built in several cities of the world: João Pessoa, Athens, Sion, New York, Havana, Erevan, Lisbon, São Paulo, Dunkirk, Milan, Geneva, Bienne, Bern, Jerusalem, Berlin and Sec-ond Life. Other works include: 3rd Biwako Biennal, Japan; Això no és un museu, ACVic Centre d’Arts Contemporànies, Spain; 7th Bienal do Mercosul, Porto Alegre; Mapping Festival, Centre d’Art Contemporain, Geneva; 1st Bienal das Canarias, Islas Canarias; GOING PUBLIC’05, New Contemporary Art Centre, Larissa; 8th Bienal de La Habana, Cuba; Interactivos’10: Ciencia de barrio, MediaLab Prado, Madrid; Utopics 11th Swiss Sculpture Exhibi-tion, Bienne.

Michel Favre obtained his diploma in cinema in Geneva’s School of Fine Arts (currently HEAD), where he studied cinema, video and visual arts. During his studies he co-founded the Spoutnik cinema in Geneva. After his studies he made several short films – Suspendus à un fil (1985), L’an (1988), and Stock (1992). From 1991 until 2007, Michel Favre has been collaborating with Télé-vision Suisse Romande directing variuous documentaries. Since 1994, he’s been pursuing an artistic activity with his companion Fabiana de Barros with whom he notably produces urban inter-vention AUTO PSi (2003). Since 1999, he directed various long feature documentaries exhibited in the major international film festivals – Geraldo de Barros – Sobras em Obras (1999), L’image à paroles (2006), so close so far (2012). Since 2006, Michel Favre teaches cinema at the Geneva University of Art and Design (HEAD) in Geneva.

Cidade gato quente

A instalação Cidade gato quente se propõe a tornar visíveis os vestígios da natureza animal selvagem que vive e convive com a natureza civilizada e cana-lizada que a cidade impõe. De fato, São Paulo, metrópole tropical, a exemplo de outras cidades de países do Sul, está em permanente desequilíbrio entre seu crescimento tanto econômico como urbano e sua situação geográfica, climá-tica e biológica. Os rios que se tornam esgotos são também terras para animais selvagens, a potência da vegetação compromete as construções, à imensidão de sua população corresponde uma população ao menos tão significativa de animais de estimação ou selvagens, semicivilizados ou parasitas. Cidade gato quente consiste em uma pesquisa sobre essa fauna: que relações ela mantém com o ser humano, entre desejo de proteção, vontade de erradicação e medos irracionais? Cidade gato quente tomará a forma de um projeto de filme, apre-sentado como um diagrama mural, relatando o estado das pesquisas com uma vitrine que será preenchida, à medida que forem se escoando os dias do Festi-val, com os vestígios do selvagem e do animal.

Fabiana de Barros é uma artista suíça-brasileira formada pela Faculdade de Artes Plástica da FAAP de São Paulo e na Escola Superior de Artes Visuais de Genebra (hoje HEAD de Genebra). Vive e trabalha nessas duas cidades. Em 1987, apresenta sua primeira exposição individual: Tours du monde, em Genebra. Em 1988, é convidada para a XX Bienal de São Paulo, e participa tam-bém de suas edições de 2000 e 2002. Sua obra se situa no campo da Arte Contextual e Relacional, em que o público desempenha um papel decisivo. O Fiteiro Cultural (1998), obra desenvolvida ao longo de mais de 10 anos, foi construído em várias cidades do mundo: João Pessoa, Atenas, Sion, Nova York, Havana, Erevan, Lisboa, São Paulo, Dunquerque, Milão, Genebra, Bienne, Berna, Jerusalém, Berlim e Second Life. Principais exposições: III Biwako Biennal, Japão; VII Bienal do Mercosul, Porto Alegre; I Bienal das Canarias, Ilhas Canárias; VIII Bienal de La Habana, Cuba; Utopics 11th Swiss Sculpture Exhibition, Bienne.

Michel Favre é formado pela Escola Superior de Belas-Artes de Genebra (hoje HEAD de Genebra), onde estudou cinema, vídeo e artes visuais. Durante seus estudos, funda o cinema associativo Spoutnik em Genebra. Realiza os curta-metragens, Suspendus à un fil (1985), L’an (1988) e Stock (1992). Entre 1991 e 2007, Michel Favre colaborou com a Télévision Suisse Romande como diretor de documentários. Desde 1994, desenvolve uma ativi-dade artística com sua companheira, a artista plástica Fabiana de Barros, com a qual realizou, entre outras obras, a intervenção urbana AUTO PSI (2003). A partir de 1999, Michel Favre dirigiu varios documentários longa-metragem, entre os quais Geraldo de Barros – Sobras em Obras (1999), Ouvindo imagens (2006) e Tão perto tão longe (2012). Desde 2006, Michel Favre ensina cinema na Universidade HEAD de Genebra.


Fabiana de Barros & Michel Favre, Saudade, vídeo still, 2012.

Fabiana de Barros & Michel Favre, Saudade, video still, 2012.


Tribute to Meret Oppenheim

This event is planned for the festival’s grand opening. It incarnates what Eternal Tour is perfectly. Starting with a performance that marked the surre-alist movement, several artists and scholars will collaborate to create a never-before-seen carnivalesque reenactment, specially made for the Paulistano context. This project starts with Meret Oppenheim’s Fruhlingsfest, or ‘Feast’, to shift towards Brazil’s culture of cannibalism, the question of skin color and its political implications, our relation to nourishment and the dialectic between creolization and camouflage.

In April 1959, the artist Meret Oppenheim organized a performance in Bern she called Fruhlingsfest (Spring Festival). The original work consisted in a young girl lying naked on a table decorated with wooden anemones, her throat and face covered with golden paint. Meret Oppenheim arranged different foods on various parts of her body, and then some of her friends were invited to eat the food arranged on the girl’s anatomy.

On August 28th 2012, in the SESC Consolação’s Sala Moebius, eight per-formers will be dressed in two-piece swimsuits specially created for the occa-sion in a workshop with the SESC Consolação’ public, a Brazilian fashion designer, and artists in a collective work. The bikinis are produced with a craft-ing technique of Portuguese origin, the crochet. Their hues are adapted at will to the bodies’ color tones, while the performers are arranged on human-sized pedestals, covered by flashy multicolored plastic tablecloths. A series of edible jellies of all colors is put on their bodies, live. They evoke different aspects of Brazil’s agricultural history and put certain Brazilian economic and social circumstances into perspective (colonization, slavery, immigration, naturali-zation, industrialization, hybridization). Some of the foods chosen: pineapples, cacao, coffee, sugarcane, limes, oranges, corn, manioc, passion fruit and soya. Among other things, the work represents a symbolic geography of the different social groups with Brazilian foodstuffs.

Fabiana de Barros é uma artista suíça-brasileira formada pela Faculdade de Artes Plástica da FAAP de São Paulo e na Escola Superior de Artes Visuais de Genebra (hoje HEAD de Genebra). Vive e trabalha nessas duas cidades. Em 1987, apresenta sua primeira exposição individual: Tours du monde, em Genebra. Em 1988, é convidada para a XX Bienal de São Paulo, e participa tam-bém de suas edições de 2000 e 2002. Sua obra se situa no campo da Arte Contextual e Relacional, em que o público desempenha um papel decisivo. O Fiteiro Cultural (1998), obra desenvolvida ao longo de mais de 10 anos, foi construído em várias cidades do mundo: João Pessoa, Atenas, Sion, Nova York, Havana, Erevan, Lisboa, São Paulo, Dunquerque, Milão, Genebra, Bienne, Berna, Jerusalém, Berlim e Second Life. Principais exposições: III Biwako Biennal, Japão; VII Bienal do Mercosul, Porto Alegre; I Bienal das Canarias, Ilhas Canárias; VIII Bienal de La Habana, Cuba; Utopics 11th Swiss Sculpture Exhibition, Bienne.

Donatella Bernardi, artista, vive e trabalha em Genebra e em Estocolmo, onde é professora na Academia Real de Belas-Artes. Sua prática artística – cujos temas principais são a história, a tra-dição, as classes, os sexos, os esquemas de poder – inclui filmes, instalações, publicações científicas e curadorias de exposições. É membra fundadora de Eternal Tour.

Silvia Lucchi, nasceu em São Paulo em uma família de imigran-tes italianos. Nos anos 1980, estudou arquitetura em São Paulo, cenografia e figurino teatral na Accademia de Bellas Artes em Florença e design de moda na Domus Accademy em Milão. Nos anos 1990, trabalhou para Krizia, Zoomp e Fiorucci. Depois criou a sua própria marca, SL, onde desenvolveu chapéus com novos materiais, também para outras marcas brasileiras. Em São Paulo participou de importantes eventos no “Look of the Year”. Em 1995, Silvia abriu sua própria empresa, AVATAR, que produzia, vendia e distribuía suas coleções. Até 2005 desenhou sua cole-ção de chapéus com distribuição internacional. Em 2009 foi convidada pelo Museu ACASA, com direção de Marcelo Kahns e Renata Mellão, a fazer uma mostra intitulada NA CABEÇA. Desde 2005 reside em Marília, onde trabalha como design no projeto Residencial Costa do Ipê.

Angela Marzullo, artista, vive e trabalha em Genebra, Suíça. Após seus estudos em Genebra, ganhou vários prêmios e bolsas. Em 2007, participou de uma residência em Erevan e atualmente é bolsista no Instituto Suíço de Roma. Durante esse ano de residên-cia, produz um curta-metragem, Concettina, baseado nas Cartas luterianas de Pier Paolo Pasolini. Como videógrafa, alia a arte do vídeo e a performance, investindo o feminismo, em sua história e ideologia.

Enrico Natale é licenciado em história contemporânea e em latim na Universidade de Genebra. Trabalhou com a história humanitá-ria e o cinema dos anos 1920, no Comitê Internacional da Cruz Vermelha. Em 2007, concluiu um mestrado em relações euro--mediterrâneas, que o levou à Espanha, à Itália, à França e ao Marrocos, para estudar os problemas contemporâneos ligados ao Mediterrâneo. Interessado pelas questões interculturais impostas pelas migrações, participou de vários projetos de pesquisa entre as duas margens do Mediterrâneo. No âmbito do projeto info-clio.ch, trabalha atualmente em Berna, voltado à organização do saber e à história social das ciências na era digital.

Homenagem à Meret OppenheimEternal Tour 2012 São Paulo

Ensaio para Homenagem à Meret Oppenheim,Angela Marzullo e Donatella Bernardi, Genebra, julho 2012.

Foto: Dominique Fleury.

Sketch for Tribute to Meret Oppenheim, Fabiana de Barros, Second Life, March 2012.

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Fabiana de Barros is a Swiss artist of Brazilian origin edu-cated at the School of Arts FAAP and at the ESAV (School of Visual Arts, currently HEAD) in Geneva. She lives and works in these two cities. In 1987, she presented her first solo exhibi-tion: Tours du monde in Geneva. In 1988, she was invited to São Paulo’s 20th biennial, where she participated again in 2000 and 2002. Her work is situated in the field of Contextual and Relational Art where the public plays a crucial role. The Fiteiro Cultural [Culture Kiosk] (1998), developed over the course of 10 years, was built in several cities of the world: João Pessoa, Athens, Sion, New York, Havana, Erevan, Lisbon, São Paulo, Dunkirk, Milan, Geneva, Bienne, Bern, Jerusalem, Berlin and Sec-ond Life. Other works include: 3rd Biwako Biennal, Japan; Això no és un museu, ACVic Centre d’Arts Contemporànies, Spain; 7th Bienal do Mercosul, Porto Alegre; Mapping Festival, Centre d’Art Contemporain, Geneva; 1st Bienal das Canarias, Islas Canarias; GOING PUBLIC’05, New Contemporary Art Centre, Larissa; 8th Bienal de La Habana, Cuba; Interactivos’10: Ciencia de barrio, MediaLab Prado, Madrid; Utopics 11th Swiss Sculpture Exhibi-tion, Bienne.

Donatella Bernardi, artist, lives and works in Geneva and Stock-holm, where she is a professor at the Royal Academy of Fine Arts. Her artistic practice – whose principal subjects are history, tradi-tion, the classes, gender, power schemes – includes films, instal-lations, scientific publications and exhibition commissions. She is a founding member of Eternal Tour.

Silvia Lucchi was born in São Paulo to a family of Italian immi-grants. In the 80s she studied architecture in São Paulo, sce-nography and theatrical costume design at the Academy of Fine Arts in Florence, as well as fashion design at Milano’s Domus Academy. In the 90s, she worked for Krizia, Zoomp and Fiorucci. Thereafter she developed hats out of new materials for her own brand, SL, and also for other Brazilian brands. In São Paulo she took part in several important events, such as “Look of the Year”. In 1995, Silvia started her own business, AVATAR, which pro-duces, sells and distributes her collections. She designed her hat collection and distributed it internationally up to 2005. In 2009 the ACASA museum, directed by Marcelo Kahns and Renata Mellão, invited her to present an exhibit titled NA CABEÇA. Since 2005 she’s been living in Marilia, where she works as a designer for the Costa do Ipe residence project.

Angela Marzullo, artist, lives and works in Geneva, Switzerland. After her studies in Geneva, she obtained numerous prizes and grants. In 2007, she was in residence at Erevan, and in 2010 she obtained a grant for the Swiss Institute in Rome. During this year of residence she produced the short film, Concettina, based on Pier Paolo Pasolini’s Lutheran Letters. As a videographer she com-bines video art and performance while appropriating feminism, in its history and its ideology.

Enrico Natale obtained his MA in Contemporary History and Latin at the University of Geneva. He worked on humanitarian history and 1920s cinema within the International Committee of the Red Cross. In 2007, he obtained his MA in Euro-Mediterranean Affairs, which led him to Spain, Italy, France and Morocco to study con-temporary Mediterranean issues. Interested in the intercultural questions raised by migrations, he participates in several research projects on both shores of the Mediterranean. Within the infoclio.ch project, he is currently working in Bern on the organization of knowledge and the social history of science in the digital age.

Homenagem à Meret Oppenheim

Este evento, programado para a abertura do festival, encarna perfeitamente o que é o Eternal Tour. A partir de uma performance que marcou o movimento surrealista, vários artistas e pesquisadores colaboraram para criar um ree-nactment inédito e carnavalesco, especialmente concebido para o contexto paulistano. Este projeto toma como ponto de partida a Frühlingsfest de Meret Oppenheim, para reencontrar a antropofagia cultural brasileira, a questão da cor da pele e suas implicações políticas, nossa relação com a alimentação e a dialética entre crioulização e camuflagem.

Em abril de 1959, a artista suíça Meret Oppenheim organizou em Berna uma performance intitulada Frühlingsfest ou Festa da Primavera. A obra ori-ginal consistia em uma jovem nua, deitada em cima de uma mesa decorada de anêmonas dos campos, com o pescoço e o rosto cobertos de tinta dourada. Sobre as diversas partes de seu corpo, Meret Oppenheim dispôs diferentes ali-mentos. Alguns amigos foram convidados a comer as iguarias ali apresentadas.

No dia 28 de agosto de 2012, na sala Moebius do SESC Consolação, oito performers, homens e mulheres, vestirão biquínis realizados para a ocasião, em um workshop com o público do SESC Consolação, uma estilista brasileira e os artistas, em um trabalho coletivo. Eles são confeccionados com uma técnica artesanal de origem portuguesa, o crochê. Os tons dos biquínis são adaptados propositadamente aos dos corpos, enquanto os intérpretes estão acomodados em grandes mesas adaptadas ao tamanho humano, cobertas por toalhas de plás-tico multicolorido e pop. Sobre seus corpos serão dispostos, ao vivo, uma série de gelatinas comestíveis coloridas, que evocam diferentes aspectos da histó-ria agrícola brasileira e colocam em perspectiva certas circunstâncias econô-micas e sociais do Brasil (colonização, escravatura, imigração, naturalização, industrialização, hibridação). Entre os alimentos selecionados estão o abacaxi, o cacau, o café, a cana-de-açúcar, a lima, a laranja, o milho, a mandioca, o mara-cujá e a soja. Através as diversas interpretações possíveis, a obra representa uma geografia simbólica dos diferentes grupos sociais em suas relações com os gêneros alimentares no Brasil.


Remake of Meret Oppenheim, Project for Parkett No.4, 1985, Angela Marzullo, 1995. Foto: Angela Marzullo.

Workshop: designing bikini with crochet, with Sandra Belucci and Eliane Maria Guimarães, 6th

to 11th August at SESC Consolação, 2012. Photo: Donatella Bernardi.

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LapTopRadio is an experimental, nomadic and irregular broadcasting struc-ture: a laptop with mobile Internet access allowing broadcasting while on the move, unhindered. It is also a collaborative and self-organized project that experiments with problems formulated by Felix Guattari in the “post-media era”, which relies on decentralized local networks, on new technological means of communication and on creative, subjective layouts. LapTopRadio will be active on three levels during the Eternal Tour festival: the project Don’t wait for things to happen tries to draw a map of spontaneous political expres-sion by referring to the long and vast tradition of political songs in Brazil; cov-erage of Eternal Tour activities, discussions, workshops and conferences; these recordings will be available in the Sala Moebius to those of the public who would like to hear these events, once past.

Sophie Alphonso was born in Geneva in 1985. Graduated from the Geneva University of Art and Design’s painting department (HEAD) in 2008, she continues her artistic work in the ARG (ateliers de recherches géniales) workshop. Since 2007, she has participated in several exhibitions, both collective and personal, and in diverse publications. Since 2008, she is member and cofounder of New York, dark noise hip-hop band, with Renaud Marchand and Viktor Konwicki. 2011 sees the birth of Sofy Mala-die (Dj). In 2012, she will begin the Workmaster at the HEAD where she has begun new projects like N.A.N.A and REPETITION (a radiophonic project).

Leila Amacker (born in Geneva 1982) undertook studies in His-tory of cinema and French literature at the Universities of Laus-anne and Geneva, with a specialty in socially and politically committed Swiss cinema of the seventies. After this research, which led her to think of the frontier between documentary and fiction, she is now searching the field of art: she uses photo-graphic series and presentation-performance to soften the sepa-ration between art and life.

Mara Krastina (born in 1984) studied at the Geneva University of Art and Design (HEAD), obtaining a bachelor’s in painting. She makes drawings and publishes zines (together with the “Les chiens fous” collective). Among her recent projects are the development of the language “Desesperanto”, solo and collective music projects, sound- and radio-events.

Renaud Marchand was born in 1977 in Delémont (CH) and has been living in Geneva since 1998. He undertook a photo-graphy apprenticeship in Geneva and graduated in 2002. Since 2000, he’s been djing (with Simon Riat) under the name of Bad Trip Inc. and organizes concerts and festivals (The Wild Party 2006/2007/2008/2009). In 2007, he graduated from the Art/Media department of the School of Fine Arts (ESBA) in Geneva. In 2008, he created the Fraction Extrême Centre (art collective with Simon Riat and Viktor Konwicki), and is a member of New York (trash-hip-hop-band). In 2009, the vinyl label Wildfrid Records is born (with Simon Riat).

Ceel Mogami de Haas (born in Selebi Phikwe in 1982) lives and works in Geneva. Through ensembles*, performances and edito-rial projects, Ceel Mogami de Haas’ artistic practice brings into question his relation to knowledge and particularly to encyclope-dism. It can be read like a poetic counter-system that proposes a composition method based on editing, appropriation, sampling, collage or pirating.

* term opposed to that of “installation” used by Bart de Baere, so as to stress the changing, transforming and reticular qual-ity of a work of art.

Laurent Schmid studied at the Basel Art School and the Univer-sity of Bern. He lives and works in Bern and Geneva. He sets up laboratories to run experiments in the gray zone of science and pseudo-scientific physics, research that works like a metaphor for certain social concepts. His work fluctuates between digital and analog media, and he works with formats as varied as radio, video, installation, drawing or photography. His work was pre-sented at Basel’s Shift festival, Yverdon’s Maison d’Ailleurs, at Karlsruhe’s ZKM, Bern’s Kunsthalle and in private galleries. Lau-rent Schmid currently teaches at the Geneva University of Art and Design (HEAD).

Seda Yildiz, born in 1989, Istanbul, is currently living and study-ing in Geneva; but spends more time travelling in other European countries. As an artist she has been working with video, fiction/non-fiction, and consciousness/unconsciousness conflicts, but is currently dealing with things around her, such as language and immigration issues, trying to explore and mix every other medium as well. And she doesn’t know what’s next.

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izLapTopRadio – Não espere as coisas acontecerem

LapTopRadio é uma estrutura de difusão experimental, nômade e irregular: um laptop com acesso móvel à internet permite realizar emissões e, ao mesmo tempo, continuar a se deslocar livremente. É também um projeto colaborativo e auto-organizado que propõe experimentos com base nas problemáticas for-muladas por Félix Guattari no contexto do que ele chamava de “era pós-mídia”, que repousaria em redes de proximidade descentralizadas, nos novos meios tec-nológicos de comunicação e em disposições subjetivas criativas. LapTopRadio será ativo em três níveis durante o festival Eternal Tour: o projeto Don’t wait for things to happen tenta desenhar um mapa da expressão política espontânea, referindo-se à longa e vasta tradição das canções políticas no Brasil; visa cobrir as atividades de Eternal Tour, as discussões, os workshops e as conferências; essas gravações estarão disponíveis na Sala Moebius (Convivência) para todos que quiserem ouvir os eventos já realizados.

Sophie Alphonso nasceu em Genebra em 1985. Graduada pelo departamento de pintura da HEAD (Haute Ecole d’Art et de Design) em 2008, continua seu trabalho artístico na oficina do ARG (Ateliers de Recherches Géniales). Desde 2007, participa de exposições coletivas e individuais e de diversas edições. Desde 2008, é membro e cofundadora da New York, banda de hip-hop dark noise, com Renaud Marchand e Viktor Konwicky. Em 2011, nasce Sofy Maladie (DJ). Em 2012, começou o Workmaster da HEAD, dando início a novos projetos como N.A.N.A e REPETI-TION (projeto radiofônico).

Leila Amacker (nascida em Genebra em 1982) estudou História do Cinema e da Literatura Francesa na Universidade de Lausanne e Genebra, com especialização no cinema suíço de cunho social e político dos anos setenta. Após essa pesquisa, que a levou a pen-sar a fronteira entre documentário e ficção, explora, atualmente, o campo da arte: recorre a séries fotográficas e apresentação de performances para atenuar a separação entre arte e vida.

Mara Krastina (nascida em 1984, Riga) estudou na HEAD (Haute École d’Art et de Design), formando-se bacharel em pintura. Faz desenhos e, atualmente, publica fanzines (com o coletivo “Les chiens fous”) e trabalha no projeto “Prospectus”, um dicionário ilimitado de técnicas de desenho, com Guillaume Fuchs. Entre suas atividades recentes, estão o desenvolvimento da língua “Desesperanto”, projetos solo e coletivos de música (Massicot, Bass and Boys, QBH), eventos de som e rádio. Renaud Marchand nasceu em 1977 em Delémont (CH) e vive em Genebra desde 1998. Nessa cidade, seguiu um curso de foto-grafia e formou-se em 2002. Desde 2000, atua como DJ (com Simon Riat) sob o nome de Bad Trip Inc. e organiza concertos e festivais (The Wild Party 2006/2007/2008/2009). Em 2007, graduou-se no Departamento de Arte/Mídia da École Supérieure des Beaux-Arts (ESBA) em Genebra. Em 2008, criou o Centro Fraction Extrême (arte coletiva com Simon Riat e Viktor Konwi-cki), e começou a participar da New York (banda de trash-hip--hop). Em 2009, nasce o selo de vinil Wildrfid Records (com Simon Riat).

Ceel Mogami de Haas (nascido em Selebi Phikwe em 1982) vive e trabalha em Genebra. Por meio de ensembles*, performances e projetos de edição, a prática artística de Ceel Mogami de Haas questiona a sua relação com o conhecimento e particularmente com o enciclopedismo. Pode ser lida como um sistema de con-tagem poético que propõe um método de composição baseado em edição, apropriação, sampleamento, colagem e pirateamento.

* termo oposto a instalação, usado por Bart de Baere a fim de salientar a qualidade mutável, transformável e reticulada da obra de arte.

Laurent Schmid estudou na Basel Art School e na Universidade de Berna. Vive e trabalha em Berna e em Genebra. Realiza labo-ratórios de experimentação na zona cinza entre a ciência e a física pseudo-científica, uma pesquisa que funciona como uma metáfora de certos conceitos sociais. Seu trabalho oscila entre as mídias digitais e analógicas, e ele pratica formatos tão variados quanto o rádio, o vídeo, a instalação, o desenho ou a fotografia. Seu trabalho foi apresentado no Shift festival em Basileia, na Mai-son d’ailleurs de Yverdon, no ZKM de Karlsruhe, na Kunsthalle de Berna e em galerias particulares. Laurent Schmid ensina atual-mente na escola HEAD de Genebra.

Seda Yildiz, nascida em 1989, Istambul, vive e estuda atualmente em Genebra, mas passa a maior parte do tempo viajando por outros países europeus. Como artista, tem trabalhado com vídeo, conflito de ficção e não-ficção, consciência e inconsciência, mas está, neste momento, lidando com as coisas ao seu redor, como as questões de língua e imigração, procurando explorar/misturar também todos os outros meios. E ela não sabe o que vem depois.


LapTopRadio no OLM space.Foto: Renaud Loda.

LapTopRadio, N.A.N.A ACT 5 with La Plèvre & Krodelabestiole, 2012.

Photo: Sophie Alphonso.So

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9Eternal Tour 2012 São PauloEternal Tour 2012 São Paulo

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O grande hall de entrada do SESC Consolação, reba-tizado de Sala Moebius para a ocasião, acolhe, de 28 de agosto a 6 de setembro, as diferentes ativida-des do festival, e constitui o ponto de concentração geral dos festivaleiros. Após o término do festival, até 29 de setembro, no mesmo espaço, é proposta ao público uma exposição, onde as instalações Eter-nal Tour São Paulo 2012 são apresentadas, ao lado de uma seleção de imagens, sons, filmes e vídeos das edições passadas, especialmente montada para a ocasião. Trata-se de dar o gosto e de traduzir as sensações de um projeto em que o essencial é o vivido, ou seja, lembranças imateriais e efêmeras

que tendem resolutamente a desaparecer. Eternal Tour produz experiências e, de maneira indireta, os próprios laboratórios que as enquadram; sem que isso tome uma forma vindicativa, contrapõe-se ao sistema artístico em vigor com seus objetos, seu mercado, sua conservação por particulares ou ins-tituições. Eternal Tour investe-se e aplica-se, assim, em deslocar prioritariamente seres humanos, seus afetos, sua energia e seu desejo de fazer. Essa estra-tégia não é, evidentemente, exclusiva, mas opta por se interessar antes de tudo pelo processo, por seu potencial e seu valor formador, tanto para o artista e o intelectual como para o espectador ou o leitor.

Eternal Tour nasceu no seio do Instituto Suíço de Roma, que recebe todo ano, desde o final da Segunda Guerra Mundial, cerca de doze bolsistas suíços, artistas e pesquisadores, em um quadro privilegiado. O ISR se inscreve em uma constelação de institutos culturais nacionais tão esplêndidos quanto misteriosos para os romanos. De fato, essas infraestruturas luxuosas acolhem uma elite cosmo-polita momentaneamente expatriada que, reunida na cidade eterna, prioriza quase exclusivamente a exploração – e a admiração – dos vestígios do pas-sado. Com a organização de um festival em julho de 2008, Eternal Tour questionou os mecanismos e a legitimidade desse fenômeno, baseado na exclu-sividade e na valorização do patrimônio. Em 2012, quando o projeto é convidado pelo SESC no con-texto paulista, Lina Bo Bardi revela-se como uma figura imprescindível de investigação e de inspira-ção. Nascida em 1914 em Roma, a jovem arquiteta chega ao Brasil em 1946 e adota a nacionalidade brasileira em 1951. Segundo ela, seus projetos de joias, prédios, cenografia, museus, móveis e expo-sições pertencem integralmente à arquitetura. Entre suas realizações maiores, o MASP, Museu de Arte de São Paulo (1957/1968), manifesta seu processo de simplificação estética, após uma longa tem-porada no Nordeste do Brasil. A respeito da ceno-

grafia desenvolvida para apresentar as obras da coleção, uma série de painéis de vidro sustentados por cubos de concreto, ela escreve: “Os didáticos painéis de vidro em que as pinturas são dispostas não agradam àqueles que estão acostumados com o conforto de um mobiliário todo estofado e dos controles remotos, já que para ler os dados técni-cos, nomes de autores e títulos das obras é preciso olhar atrás dos painéis”.

1 Essa estrutura de vidro, que se afirma por sua radicalidade ao desaparecer em proveito das obras de arte mostradas, será o ponto de partida proposto ao arquiteto Álvaro Razuk para desenvolver a cenografia inédita da Sala Moe-bius. Esta última é ritmada por paredes transparen-tes, que servem ao mesmo tempo como separação entre os espaços de trabalho e como suporte para as obras que precisam ser penduradas. A referên-cia à obra de Bo Bardi é igualmente reinvestida de maneira muito livre no nível dos materiais e dos for-matos, sendo colocada a serviço das necessidades específicas do projeto e dos elementos de constru-ção disponíveis em 2012.

1 Lina Bo Bardi, Edizioni Charta, Milano, Instituto Lina Bo e P. M. Bardi, São Paulo, 1994, p. 100.

Cavalete de vidro durante exposição no museu, MASP, 1957/1968. Instituto Lina Bo e P. M. Bardi, São Paulo

e AE/Agência Estado.

Filippa Arrias, Ramallah 3, 2007, óleo sobre tela e Capela palimpséstica de Omar Ba, Josse Bailly, Crystel Ceresa, Hadrien Dussoix, Thierry Feuz, Tami Ichino, Emma Perrochon, Frédéric Sanchez,

Aymeric Tarrade e Eric Winarto, pintura mural, várias técnicas.Cosmotopia, curadoria por Donatella Bernardi, Eternal Tour Genebra 2012.

Foto: Vlado Alonso.

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Uma homenagem à Lina Bo Bardi com uma cenografia inédita

Exposição “Eternal Tour histórias 2008–2012”

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oEternal Tour 2012 São Paulo

Eternal TourCosmopaulo

Da hospitalidade à crioulização

Como habitar o mundo? Como viajar e experimen-tar a hospitalidade: ser recebido e saber receber? Segundo Jacques Derrida, a hospitalidade deveria ser infinita, mesmo que a hospitalidade incondicio-nal seja impossível. Aporia, paradoxo e desequilí-brio caracterizam a hospitalidade e, por extensão, o projeto Eternal Tour. Qual o estatuto do hóspede, do turista, ou do migrante, em uma escala geopolí-tica, de um lado, e em uma escala do pensamento, das técnicas e dos domínios de especialização, de outro? Como e por que agir, no contexto da contem-poraneidade?

Se o universalismo e os outros mecanismos ocidentais estão fortemente desacreditados, o que preservar dessa herança para a construção de um futuro já presente? Uma experimentação de fundo e forma impõe-se então, acompanhada por um movimento perpétuo de crioulização, que escapa da armadilha de uma definição do ser ou da origem. Se podemos antecipar os resultados de uma mestiça-gem pela síntese, não podemos estimar os produtos da crioulização, que só se deixa abordar pelo imagi-nário (Édouard Glissant), em uma dinâmica aventu-rosa, especulativa e, assim, matizada por um gosto pronunciado pelo risco.

Mais do que dados: obtidos

Fundado em 2007 em Genebra por uma dezena de artistas e pesquisadores, Eternal Tour desenvolve, uma vez por ano, um festival inédito e transdiscipli-nar. O projeto associa e renova regularmente uma rede de personalidades que manejam unicamente valores simbólicos: saberes, imagens e sons. Suas diferentes etapas – Roma 2008, Neuchâtel 2009, Jerusalém/Ramallah 2010, de Nova York a Las Vegas 2011, Genebra e São Paulo em 2012, são oca-siões de se expor à alteridade em um jogo inspirado pelo Grand Tour. As viagens das elites do norte da Europa para o sul entre os séculos XVII e XIX pro-piciam o surgimento de uma cultura neoclássica homogeneizante. Retomando essa estratégia de deslocamento e suas consequências identitárias, Eternal Tour dota a prática turística de um conteúdo político por meio de um investimento intenso dos territórios físicos e imateriais. O empreendimento é de envergadura: ele revela de maneira evidente que não existem dados, mas unicamente obtidos (Pascal Amphoux).

Por um turismo iniciático

Admitindo o que geralmente funda a crítica ao turismo, ou seja, a brevidade da permanência, sua relativa superficialidade ou o olhar sempre “estran-geiro” ao lugar, Eternal Tour aposta na força e na dimensão concreta da viagem iniciática. Tornando--se, assim, um verdadeiro instrumento de pesquisa e de prática em rede, o turismo é esvaziado de seu teor globalizado e mercantil contemporâneo para redescobrir sua dimensão de transmissão inter-pessoal. De fato, se nos remetermos às principais características do Grand Tour, notaremos o interesse pelas redes de sociabilidade na organização da via-gem, para a qual os círculos familiares, culturais e profissionais são chamados a contribuir. Sob certos aspectos, esse método de investigação pode tam-bém assemelhar-se a um trabalho de antropologia ou sociologia. Eternal Tour valoriza assim um conhe-cimento do mundo construído com base na intera-ção e nas trocas, recorrendo aos colegas autóctones. Aposta em uma transmissão personalizada, íntima e oral do saber: artistas, acadêmicos, responsáveis por instituições, curadores de exposição, arquitetos, ativistas, educadores ou professores são solicitados de maneira ativa. Os encontros se alinham, se super-põem e, por vezes, se contradizem, as ideias amea-lhadas se justapõem e se burilam.

Uma programação performativa

O resultado é uma programação em que artis-tas e cientistas suíços e de outras nacionalida-des colaboram de maneira intensiva, por certo tempo, no âmbito de uma estrutura que favorece os workshops, as conferências e as discussões em torno de propostas de formatos múltiplos. O festival é igualmente retransmitido pela internet e por meio de publicações absolutamente singulares em razão de sua forma editorial e de seus colaboradores.

Ao longo dos anos, a complexidade e o cará-ter irredutível de certas manifestações humanas, ou ainda o perigo do relativismo cultural se torna-ram cada vez mais evidentes. Mais que sobre uma tábula rasa, Eternal Tour escreve em um suporte palimpséstico; mais que uma sedimentação mineral ou arquitetônica, um desejo de aclimatação é sem cessar renovado, sonhado e concretizado, graças à epifania do momento presente.

A cidade de São Paulo se apresenta como o lugar ideal para acolher um projeto artístico e científico itinerante que se indaga sobre o movimento, tanto no sentido próprio como no figurado, o turismo, a migração dos corpos e das ideias. Por muitos aspec-tos, a maior cidade da América Latina poderia até mesmo se apresentar como o arquétipo do cos-mopolitismo explorado e tanto afagado por Eternal Tour. De fato, após ter sido, sucessivamente, uma aglomeração urbana incipiente que usava mão--de-obra escrava indígena e negra, um polo para a imigração europeia, japonesa e libanesa nos séculos XIX e XX e um eldorado para milhões de brasilei-ros do Nordeste, São Paulo viu sua imigração fazer praticamente desaparecer a fronteira entre identi-dade e alteridade. Nessa mesma ordem de ideias, o cosmopolitismo paulista se encontra encarnado no sincretismo ambiente, que, transpondo a esfera exclusivamente religiosa, impregna e caracteriza o conjunto das manifestações, hábitos e códigos sociais. Longe de se confinar em uma interpreta-ção unilateralmente positiva desse cosmopolitismo, Eternal Tour explora suas mais diversas manifesta-ções, examinando, simultaneamente, seus pontos de ruptura. Gilberto Freyre, no primeiro capítulo de Casa-grande e senzala, em que examina a “hibridi-zação” da sociedade brasileira, ressalta o aspecto negativo desse processo quando cita o seguinte provérbio, que caracteriza o papel das mulheres segundo sua cor: “Para se casar, a brana; para f…, a mulata; para trabalhar, a negra”

1.

Paisagem, escravatura, antropofagia e beleza

Seguindo uma metodologia adotada nas edições precedentes, Eternal Tour redige um convite com-posto de quatro eixos, construído simultaneamente a partir dos campos de interesse do coletivo, mas também adaptado ao lugar deste festival, São Paulo, e ao contexto brasileiro. Em suas grandes linhas: 1) paisagem tropical e urbana, fauna e flora, selva-gem e domesticada; 2) a escravatura e o escrava-gismo; 3) a antropofagia, seja ela tratada de maneira histórica (Hans Staden), modernista (Oswald de Andrade) ou abordada, hoje, de maneira filosófica no contexto do capitalismo avançado (Suely Rol-nik); 4) uma relação complexa com a beleza, com o corpo, veículo de valores e de códigos sociais. Longe de funcionar como temáticas a ilustrar, essas quatro propostas são concebidas como pistas que cada participante se vê livre para modificar, desen-volver e, mesmo, refutar.

1 Provérbio registrado por H. Hendelmann em sua História do Brasil, 1931; citado por Gilberto Freyre no capítulo 1 de Casa-grande e senzala (1933), que tem como título “Características gerais da colonização portuguesa no Brasil: formação de uma sociedade agrária, escravocrata e híbrida”.

As regras do elenco

Os artistas e pensadores convidados foram escolhi-dos em função de sua curiosidade e de seu poten-cial interesse em integrar um projeto resolutamente experimental, pois o resultado final da operação não é de todo previsível. Partindo desse postulado, os Eternal Tourists São Paulo 2012 foram vivamente encorajados a se arriscar com relação à sua prática corrente e a comprometer-se a assistir ao festival em sua íntegra. Este último ganha, assim, o esta-tuto de um workshop global que se dirige tanto aos participantes como ao público. Provoca, voluntaria-mente, a recepção das obras e intenta implicar uma audiência cujo limite entre profissionais e amado-res, especialistas e generalistas, práticos e teóricos, é incessantemente transposto, sem outro complexo nem expectativa além do dinamismo e da tomada da palavra.

Donatella Bernardi Curadora Eternal Tour São Paulo 2012

Claire Fontaine, Palestina ocupada, Eternal Tour 2009 Neuchâtel, curadoria Donatella Bernardi.

Cortesia dos artistas e da Dvir gallery, Tel Aviv. Foto: Sully Balmassière.

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É fato que a valorização das artes e das ações culturais está no cerne de nossos propósitos. Elas revestem de cores a nossa jornada, por vezes ordinária, reordenando e oferecendo novos sentidos às nossas experiências. No entanto, não são registros de nossos valores e cria-ções simbólicas que habitam apenas o imaginário. Sim, porque queremos lembrar que, para além destes aspec-tos muitas vezes conectados às subjetividades individu-ais que colorem de liberdade essas iniciativas, reside aí um caráter de entendimento coletivo, capaz de elaborar e conceber realidades. De maneira afirmativa, podemos dizer que essas manifestações transformam-se em mensagens, e con-figuram-se como um forte vínculo cognitivo entre pes-soas, tempos e espaços. Essa propriedade mágica do registro – seja ele material ou imaterial – é o que con-fere essa propriedade de “viajar” em amplo espectro às artes e à ação cultural. No processo da viagem, nos tornamos curiosos ou arredios, buscamos nos aproximar e contemplar, ou nos afastar e contestar; em suma, trata-se de um encontro desencadeador, no qual podemos sentir identidade ou estranhamento. No ímpeto de propiciar um desses encontros desen-cadeadores, o SESC recebe a sexta edição do festival nômade Eternal Tour, cujas criações transdisciplinares são inspiradas no cosmopolitismo do século 21. Na edi-ção paulista, temas como natureza, antropofagia, moder-nismo, escravagismo, racismo e beleza serão partilhados em experiências de prática e reflexão. Ser parte desta e outras tantas viagens, rumo ao território que melhor oca-siona a construção de metáforas sobre as tensões huma-nas e sociais, é oferecer caminhos e pontes, desenhando de forma sutil o entrecruzar de desejos e visões de mundo.

Danilo Santos de MirandaDiretor Regional do Sesc São Paulo

ADMINISTRATION IN SÃO PAULO STATE

PRESIDENT OF THE REGIONAL COUNCIL Abram Szajman

DIRECTOR OF THE REGIONAL DEPARTMENT Danilo Santos de Miranda

SUPERINTENDENTS/TECHNICAL SOCIAL Joel Naimayer Padula ADMINISTRATION Luiz Deoclécio Massaro Galina SOCIAL COMMUNICATION Ivan Giannini CULTURAL ACTION MANAGEMENT Rosana Paulo da Cunha DEPUTY MANAGER Flávia Carvalho ASSISTANTS Juliana Braga, Nilva Luz and Salete dos Anjos DESIGN MANAGER Hélcio Magalhães DEPUTY MANAGER Karina Musumeci RESERCH AND DEVELOPMENT Marta Colabone DEPUTY MANAGER Andréa de Araújo Nogueira SESC CONSOLAÇÃO Felipe Mancebo DEPUTY MANAGER Simone Engbruch Avancini Silva

ETERNAL TOUR 2012 – SÃO PAULO

COORDINATION SESC Tiago de Souza , Ana Luisa Sirota and Tatiana Zacariotti de Freitas DEPARTMENT COORDINATORS Tiago de Souza (programming), Antonio Zacarias de Carvalho (infrastructure), Elaine de Sousa (communication), Fernanda Mendes Conejero (refreshments), Marco Antonio da Silva (administration)

CURATOR Donatella Bernardi GENERAL COORDI-NATION Fabiana de Barros ASSISTANTS Giorgio Pinheiro and Catalina Ravessoud EXECUTIVE PRODUCER Prata Produções – Valeria Prata PRO-DUCTION COORDINATION Marcos Farinha PRO-DUCTION TEAM Anderson Araújo, Julia Portella and Roberta Prata SET DESIGN Alvaro Razuk, Isa Gebara, Marcella Verardo and Ricardo Amado SCE-NOGRAPHIC TECHNOLOGY Apóstrofe Cenografia e Montagens LIGHTING Ricardo Heder VISUAL COMMUNICATION BVY Arquitetos associados CATALOGUE DESIGN Rollergirl TRANSLATION Izabel Burbridge, Márcia Valéria Martinez de Aguiar, Patrick Morency and Ana Aguiar Cotrim TEXT REVI-SION Daniel Fonseca and Guilherme Miranda

Eternal Tour: da nossa infinita capacidade de viajarADMINISTRAÇÃO REGIONALNO ESTADO DE SÃO PAULO

PRESIDENTE DO CONSELHOAbram Szajman

DIRETOR DO DEPARTAMENTO REGIONALDanilo Santos de Miranda

SUPERINTENDENTES/TÉCNICO SOCIAL Joel Naimayer Padula ADMINISTRATIVO Luiz Deoclécio Massaro Galina COMUNICAÇÃO SOCIAL Ivan Gian-nini GERENTES AÇÃO CULTURAL Rosana Paulo da Cunha ADJUNTA Flávia Carvalho ASSISTENTES Juliana Braga, Nilva Luz e Salete dos Anjos ARTES GRÁFICAS Hélcio Magalhães ADJUNTA Karina Musumeci ESTUDOS E DESENVOLVIMENTO Marta Colabone ADJUNTA Andréa de Araújo Nogueira SESC CONSOLAÇÃO Felipe Mancebo ADJUNTA Simone Engbruch Avancini Silva

ETERNAL TOUR 2012 – SÃO PAULO

COORDENAÇÃO SESC Tiago de Souza, Ana Luisa Sirota e Tatiana Zacariotti de Freitas COORDENA-DORES DE AREA Tiago de Souza (programação), Antonio Zacarias de Carvalho (infraestrutura), Elaine de Sousa (comunicação), Fernanda Mendes Conejero (alimentação), Marco Antonio da Silva (administrativo)

CURADORIA Donatella Bernardi COORDENAÇÃO GERAL Fabiana de Barros ASSISTENTES Giorgio Pinheiro e Catalina Ravessoud PRODUÇÃO EXE-CUTIVA Prata Produções – Valeria Prata COORDE-NAÇÃO DE PRODUÇÃO Marcos Farinha EQUIPE DE PRODUÇÃO Anderson Araújo, Julia Portella e Roberta Prata CENOGRAFIA Alvaro Razuk, Isa Gebara, Marcella Verardo and Ricardo Amado CENOTECNIA Apóstrofe Cenografia e Montagens ILUMINAÇÃO Ricardo Heder COMUNICAÇÃO VISUAL EXPOSIÇÃO BVY Arquitetos associados PROJETO GRÁFICO Rollergirl TRADUÇÃO Izabel Burbridge, Márcia Valéria Martinez de Aguiar, Patrick Morency e Ana Aguiar Cotrim REVISÃO DE TEXTOS Daniel Fonseca e Guilherme Miranda

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Apoio

Realização

Lucius und Annemarie Burckhardt Stiftung Basel Suíça

Eternal Tour 2012 São Paulo PRE-FESTIVAL 6 DE AGOSTO A 11 DE AGOSTO

Produção de biquínis para homenagem à Meret Oppenheim

Presença de Sandra Belucci, Eliane Maria Guimarães, da estilista de moda Silvia Lucchi e das artistas Fabiana de Barros e Donatella Bernardi

Confecção do figurino para a performance, envolvendo o processo de criação em artes plásticas, desenho de moda, pintura e crochê, além de uma apresentação sobre a obra de uma das mais importan-tes artistas surrealistas, Meret Oppenheim (1913–1985).

ABERTURA 28 DE AGOSTO

às 20h

Homenagem à Meret Oppenheimde Fabiana de Barros, Sandra Belucci, Donatella Bernardi, Eliane Maria Guimarães, Silvia Lucchi, Angela Marzullo, Enrico Natale e oito performers

Homenagem à Lina Bo Bardi


e a agência de turismo de conhecimentode William Davis

LapTopRadio – Não espere as coisas acontecerem

de Sophie Alphonso, Leila Amacker, Mara Krastina, Renaud Marchand, Ceel Mogami de Haas, Laurent Schmid e Seda Yildiz

Percatempo – base comunitária móvelde Yusuf Etiman

Somos todos felizesde Beat Lippert

www.eternaltour.org

Abertura do blogde Daniela Capelato e Boris Meister

29 DE AGOSTOàs 9h


de Cris Faria, Céline Guibat, Thais Ribeiro, Karin Zindel e David Zumstein

Convidados: Letícia Ramos e Guilherme Wisnik

Itinerários: Estação Sacomã – Estação Luz

às 19h Presença do artista no lançamento do projeto

Cidade gato quente de Fabiana de Barros e Michel Favre

às 20h*

Haiti e Brasil: mesmas raízesConcerto por Anne-Laure Kénol em colaboração com Ted Beaubrun e Valérie Girault

30 DE AGOSTOàs 14h Presença do artista no lançamento do projeto

Tripartite reunitedde Roberto Shwafaty


Longe e Faça-me belade Boutheyna Bouslama


Cirurgia poéticade Dominique Fleury e Ana Teixeira

às 18h*

agorafobi/agorafobia/agoraphobiaApresentação de uma publicação por Anna Kindgren e Carina Gunnars, em colaboração com Ivaneti de Araújo, Sheila Souza, André Kobashi, Eduardo Costa e Renato Cymbalista.


Bioperversidade de Stéphane Malysse

31 DE AGOSTOàs 9h



Convidada: Morena Nascimento

Itinerários: Estação Luz – Estação Santana

das 10h às 21h30



Sonhos ansiosos em um só olho de Cris Faria


Mandacarusde Pazé

às 20h*

Lixo eletrônico: as coisas após sua vida útil

Bate-papo com Gabriele Oropallo

1 DE SETEMBREdas 10h às 18h30



Nossa última sonatade Donatella Bernardi e Rudy Decelière

às 16h*

Caminhando pela fita de Moebius com Lygia, uns índios e alguns franceses

Idéias querendo conversar por Suely Rolnik

3 DE SETEMBROàs 9h



Convidados: José Bueno, Luiz de Campos Jr, Iniciativa Rios & Ruas e Instituto Harmonia – Sustentabilidade

Itinerários: Estação Santana – Estação Tucuruvi

às 19h

Zumbi e Princesa Isabel: um espelho invertido para repensar

o Brasil contemporâneoConferência por Denise Ferreira da Silva

4 DE SETEMBROàs 14h



Convidados: Juliana Gatti e Yusuf Etiman

Itinerários: SESC Consolação – Parque do Ibirapuera

5 DE SETEMBROàs 16h

A arte e o territórioBate-papo com Simon Lamunière

6 DE SETEMBROdas 10h às 21h30


às 18h*

Discussão e reflexão sobre as Caminhadas urbanas

Bate-papo com Cris Faria, Céline Guibat, Thais Ribeiro, Karin Zindel e David Zumstein

às 20h*

Eternal Tour: algumas visões conclusivas

Bate-papo com Pablo Leon de la Barra

ATIVIDADES DIARIAS Itinerante, nos arredores da unidade

Percatempo – base comunitária móvelde Yusuf Etiman

Itinerante, nos arredores da unidade

Somos todos felizesde Beat Lippert

das 14h às 16h


e a agência de turismo de conhecimentode William Davis

das 14h às 16h

LapTopRadio – Não espere as coisas acontecerem

de Sophie Alphonso, Leila Amacker, Mara Krastina, Renaud Marchand, Ceel Mogami de Haas, Laurent Schmid e Seda Yildiz

www.eternaltour.org

Blogde Daniela Capelato e Boris Meister

das 16h às 18h

Grand Tourpor Cecilie Hundevad Meng Sørensen e Merzedes Sturm-Lie

VISITAÇãO ATé 29 DE SETEMBRO

Após a ação dos artistas, um registro integrará a exposição até 29/9.

LOCAL: SALA MOEBIUS

(ESPAÇO CONVIVÊNCIA)

* Vagas limitadas. Retirada de ingressos com 1h de antecedência no local. (Durante o horário das conferências e concerto, a exposição na Sala Moebius permanecerá fechada para visitação).

Eternal Tour: da nossa infinita capacidade de viajar de Danilo Santos de Miranda 5Introdução Eternal Tourde Donatella Bernardi 6Introdução Cosmopaulode Donatella Bernardi 7Exposição “Eternal Tour histórias 2008–2012”de Donatella Bernardi 8Homenagem à Lina Bo Bardi com uma cenografia inéditade Donatella Bernardi 9LapTopRadio – Não espere as coisas aconteceremde Sophie Alphonso, Leila Amacker, Mara Krastina, Renaud Marchand, Ceel Mogami de Haas , Laurent Schmid e Seda Yildiz 11Homenagem à Meret Oppenheimde Fabiana de Barros, Sandra Belucci, Donatella Bernardi, Eliane Maria Guimarães, Silvia Lucchi, Angela Marzullo, Enrico Natale e oito performers 13Cidade gato quente de Fabiana de Barros e Michel Favre 17Nossa última sonatade Donatella Bernardi e Rudy Decelière 19Longe e Faça-me belade Boutheyna Bouslama 21Camenzind goes to… São Paulo e a agência de turismo de conhecimentode William Davis 23Percatempo – base comunitária móvelde Yusuf Etiman 25Sonhos ansiosos em um só olho de Cris Faria 27Caminhadas urbanas: por que São Paulo é bela? de Cris Faria, Céline Guibat, Thais Ribeiro, Karin Zindel e David Zumstein 29Cirurgia poéticade Dominique Fleury e Ana Teixeira 31Haiti e Brasil: mesmas raízesde Anne-Laure Kénol em colaboração com Ted Beaubrun e Valérie Girault 33agorafobi/agorafobia/agoraphobiade Anna Kindgren e Carina Gunnars 35Somos todos felizesde Beat Lippert 37Bioperversidade de Stéphane Malysse 39Mandacarusde Pazé 41Tripartite reunitedde Roberto Shwafaty 43Grand Tourde Cecilie Hundevad Meng Sørensen e Merzedes Sturm-Lie 45Lixo eletrônico: as coisas após sua vida útilde Gabriele Oropallo 46A arte e o territórioSimon Lamunière 47Zumbi e Princesa Isabel: um espelho invertido para repensar o Brasil contemporâneode Denise Ferreira da Silva 48Caminhando pela fita de Moebius com Lygia, uns índios e alguns francesesde Suely Rolnik 49Dois eventos paralelos à Eternal Tour 2012 50BlogDe Daniela Capelato e Boris Meister 51Eternal Tour: algumas visões conclusivasde Pablo Leon de la Barra 52

O Programa

Festival 28 de agosto

–6 de setembro

Visitação até 29 de setembro

Segunda a sexta das 10h às 21h30 Sábado das 10h às 18h30

SESC Consolação R. Dr. Vila Nova, 245

Vila Buarque São Paulo

workshop intervenção urbana

performance coreografia cenografia

pintura fotografia

vídeo

conferência música dança

novas mídias arte relacional arte contextual

publicação

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