TOKOH TEATER DUNIA

Molière

Molière, yang nama aslinya adalah Jean Baptiste Poquelin, Sebagai dramawan komik dia dapat disamakan dengan dramawan aliran lain seperti Aristophanes, Plautus, dan George Bernard Shaw.

Ia juga aktor drama komik terkemuka Perancis, sutradara panggung, dan ahli teori dramatis abad ke-17.

Dalam periode awal teater, didominasi oleh tragedi neoklasik formal, Molière menegaskan potensi komedi sebagai bentuk, seni yang fleksibel.

Ia dilahirkan pada Jan 15, 1622 untuk Marie dan Jean Poquelin, ayahnya adalah seorang pedagang mebel Paris dan tukang melapis perabot rumah kepada raja. Jean Baptiste menerima pendidikan awal di College de Clermont, sebuah sekolah Jesuit, menjadi seorang sarjana menjanjikan Latin dan Yunani.

Meskipun ia mulai belajar hukum dan dianugerahi gelar sarjana hukum pada tahun 1642, dia berpaling dari kedua profesi hukum dan bisnis ayahnya.

Sebaliknya, ia dimasukkan (1643) suatu rombongan akting, Teater Illustre, bekerja sama dengan keluarga Béjart, mungkin karena ia telah jatuh cinta pada putri tertua mereka, Madeleine Béjart, yang menjadi majikannya. Pada kira-kira saat yang sama ia juga memperoleh nama samaran yaitu moliere.

Dengan perusahaan ini, Molière gagal dan bangkrut, lalu pergi untuk tur provinsi, terutama di Perancis selatan dan barat daya, dari sekitar 1646-1658. Selama 12 tahun ia dipoles

keterampilan sebagai aktor, sutradara, administrator, dan dramawan.

Pada 1658 rombongan kembali ke Paris dan bermain sebelum Louis XIV. saudara raja menjadi pelindung Molière's; Molière kemudian dan rekan-rekannya resmi ditunjuk penyedia hiburan kepada Raja Sun sendiri.

Dalam 24 tahun berikutnya, dimulai dengan The Maidens Diejek Precious (1659), yang didirikan dia sebagai penulis drama komik yang paling populer hari, dan berakhir dengan The Imaginary Invalid (1673), Molière maju dari seorang adaptor berbakat dari Italia yang diturunkan sketsa dan seorang pemain sandiwara yang memakai extravaganzas untuk seorang penulis yang memainkan terbaik memiliki dampak tragedi abadi.

Tanpa disadari, ia membuat banyak musuh. Dramawan lain membenci percobaan terus-menerus dengan bentuk komik (seperti dalam the school for wives/Sekolah untuk Istri) dan the verse/ ayat (seperti dalam Amphitryon).

Dramawan tragedi terkenal seperti Montfleury dan Hauteroche iri keberhasilannya dengan publik dan perlindungan kerajaan yang ia menikmati. Molière menanggapi dengan memasukkan beberapa pengkritiknya ke dalam komedi sebagai buffoons dan ineffectuals.

Pada 1662 ia menikah Armande Béjart, seorang aktris 19 tahun yang adalah saudara baik Madeleine atau (karena beberapa dari saingan dramawan diklaim) putrinya oleh Molière. Mereka memiliki satu anak, Esprit-Madeleine, lahir tahun 1665. Perkawinan menyebabkan lebih dari satu pemisahan dan rekonsiliasi antara penulis naskah dan istrinya, yang 21 tahun lebih muda.

Di akhir 1660s, Molière terkena penyakit paru-paru, meskipun ia terus menulis, bertindak, langsung, dan mengelola rombongan sebagai penuh semangat seperti sebelumnya. Dia akhirnya runtuh pada 17 Februari 1673, Empat hari kemudian, pada malam tanggal 21 Februari, ia dikebumikan di Pemakaman Saint Joseph.

Tujuh tahun kemudian raja meresmikan teater nasional Perancis, Comedie Francaise, sebagai Rumah Molière.

Pengaruh kuat pada teater Molière datang dari kelompok-kelompok Commedia dell'arte Italia - dengan simpanan karakter dan situasi mereka - yang ditemui selama perjalanannya. Pengaruh ini telah disempurnakan dengan berbagi Molière di Bourbon Théâtre du Petit-di Paris dengan pemain Italia, dipimpin oleh pemalas dirayakan. Dalam komedi itu lagi, Molière sangat halus dalam tema dan teknik, pengaturan sebagian besar plot di dan sekitar Paris dan meningkatkan komedi Prancis neoklasik terhadap bidang kesenian dan penemuan tidak pernah dicapai sebelumnya. Ia menerapkan alexandrine, atau baris heksameter berirama - dipinjam dari tragedi kontemporer, banyak yang telah dipentaskan - untuk sebuah dialog santai yang ditiru pidato percakapan. Ia juga menciptakan sebuah gambaran/ bentuk karakter yang kontras: Tartuffe yang munafik agama, dan ORGON, dupe nya; Jourdain pendaki

sosial; Don Juan pemberontak dan jangak; cuckolds seperti Arnolphe, Dandin, dan Amphitryon; Alceste idealis berbatu; Harpagon si kikir ; Scapin penipu tersebut; argan yang murung; Philaminte wanita pretentiously berbudaya, dan banyak lagi.

http://wisatateater.blogspot.com/2011/04/moliere-biografi.html

Jean Paul Satre

Jean-Paul Sartre, (1905-1980) lahir di Paris tahun 1905, kemudian belajar di École Normale Supérieure 1924-1929 dan menjadi Profesor Filsafat di Le Havre pada 1931. Dengan bantuan upah seorang dari Institut Français ia belajar di Berlin (1932).

Setelah mengajar di Le Havre, di Laon, ia mengajar di Lycée Pasteur di Paris 1937-1939. Sejak akhir Perang Dunia Kedua, Sartre hidup sebagai seorang penulis independen.

Pemikiran Sartre berasal dari gagasan Husserl tentang kesadaran, kebebasan dan eksistensialisme Heidegger, namun eksistensialisme yang Sartre rumuskan orisinil.

Popularitas kepengarangnya mencapai klimaks di tahun 1940an, dan tulisan-tulisan teoretis Sartre serta novel dan drama merupakan salah satu sumber inspirasi utama sastra modern.

Dalam ateisme pandangan filosofisnya diambil untuk diberikan, yang "kehilangan Tuhan" tidak berduka. Manusia dikutuk untuk kebebasan, kebebasan dari semua otoritas, yang ia dapat berusaha untuk menghindari, mengubah, dan menolak tapi yang ia akan harus hadapi jika ia menjadi makhluk moral.

Arti hidup manusia tidak dibentuk sebelum keberadaannya. Setelah kebebasan yang mengerikan diakui, manusia harus membuat makna sendiri, harus memiliki komitmen dirinya untuk peran di dunia ini, telah melakukan kebebasannya.

Dan upaya ini untuk membuat diri sendiri adalah sia-sia tanpa "solidaritas" orang lain.

Dalam Kesimpulannya, sastra tidak lagi suatu kegiatan untuk dirinya sendiri, maupun terutama deskriptif karakter dan situasi, tapi berkaitan dengan kebebasan manusia dan (dan penulis) komitmen. Sastra dilakukan; penciptaan artistik adalah kegiatan moral.

Pada awal penulisannya sebagian besar karyanya berupa studi psikologis, Imajinasi L'(1936), Esquisse d'une des théorie Emosi (Garis dari Teori Emosi), 1939, dan L'Imaginaire: phénoménologique psychologie de l'imajinasi (The Psikologi Imajinasi), 1940, tetap relatif tidak diketahui, novel pertama Sartre, La Nausée (Mual), 1938, dan kumpulan cerita Le Mur (The Wall dan Cerita lain), tahun 1938.

Mereka secara dramatis mengungkapkan tema awal eksistensialis Sartre keterasingan dan komitmen, dan keselamatan melalui seni.

Humanisme eksistensialis Sartre menjalar dalam esai humanisme populer Existentialisme L'un est (Eksistensialisme adalah Humanisme), 1946, juga hadir dalam seri novel, Les Chemins de la Liberté (The Jalan untuk Kebebasan), 1945-1949.

Sartre mungkin paling dikenal sebagai penulis drama. Dalam Les Mouches (The Lalat), 1943, kebebasan melakukan pembunuh muda diadu dengan Yupiter tak berdaya, sementara di Huis Clos (No Exit) 1947, neraka muncul sebagai kebersamaan orang.

Sartre telah terlibat secara luas di kritik sastra dan telah menulis studi tentang Baudelaire (1947) dan Jean Genet (1952).

Awal kehidupan dan pemikiran

Bersama-sama, Sartre dan de Beauvoir menantang asumsi-asumsi budaya dan sosial dan harapan upbringings mereka, yang mereka anggap borjuis, dalam gaya hidup baik dan berpikir. Konflik antara menindas, sesuai rohani merusak (mauvaise foi, secara harfiah, "itikad buruk") dan "otentik" cara "menjadi" menjadi tema dominan karya awal Sartre, tema pokok yang terkandung dalam karyanya L'etre et filsafat le Néant (Menjadi dan Nothingness) (1943). Sartre pengenalan terhadap filsafat adalah karyanya Eksistensialisme adalah Humanisme (1946), awalnya disajikan sebagai kuliah.

Sartre dan sastraSartre pandangan yang mempertentangkan kepada mereka Albert Camus dalam imajinasi populer. Pada tahun 1948, Gereja Katolik Roma menempatkan karya-karya yang lengkap di buku Indeks dilarang. Sebagian besar memainkan nya yang kaya simbolis dan berfungsi

sebagai sarana untuk menyampaikan filsafatnya.

Yang paling terkenal, Huis-Clos (Keluar Tidak), berisi baris terkenal "L'Enfer, c'est les autres," biasanya diterjemahkan sebagai "Neraka adalah orang lain."

Selain dari dampak Mual, kontribusi besar Sartre untuk sastra adalah The Jalan untuk trilogi Kebebasan yang grafik perkembangan tentang bagaimana Perang Dunia II terpengaruh ide-ide Sartre. Dengan cara ini, Jalan untuk Kebebasan menyajikan pendekatan yang lebih teoritis dan lebih praktis untuk eksistensialisme. 

http://wisatateater.blogspot.com/2011/03/jean-paul-sartre-biografi.html

Edmond Rostand

Emond Eugène Yusuf Alexis Rostand lahir pada 1 April 1868 di Marseilles, anak sulung dan anak tunggal dari keluarga sejahtera dan berbudaya. Setelah masa kecil bahagia dan pendidikan di Lycee de Marseilles, Edmond pindah ke Paris untuk mengambil sarjana muda dan untuk belajar untuk gelar sarjana hukum Tapi ia bertekad untuk menjadi seorang penyair dan tidak pernah hukum dipraktekkan.

Dia juga tidak kembali, kecuali untuk kunjungan singkat, ke kota asalnya Marseilles, tetapi ia tidak pernah kehilangan cintanya matahari hangat Provence. Lain pengaruh besar pada Edmond muda adalah spa Bagnères de Luchon, di Pyrenees. Di sini sebagai seorang anak ia belajar untuk mencintai alam dan pedesaan.

Pada awalnya calon penyair berhasil sedikit. Buku pertamanya puisi, Les Musardises (1890),

adalah sebuah kegagalan. Sebuah usaha awal untuk menulis dalam prosa untuk teater: sandiwara, Le Gant rouge, ditulis dengan teman dan dilakukan di Teater Cluny pada tahun 1888, juga gagal.

Tetapi pada tahun 1894 dalam komedi-Française memakai bermain ayat pertama Rostand's, Les Romanesques, sebagai bagian dari tagihan tiga, dan itu sukses. Sebuah perawatan ringan dari cerita Romeo dan Juliet, disepakati oleh semua untuk menjadi memesona menghibur dan ditulis dalam ayat gemerlap.

Tapi Rostand ingin menulis memainkan lebih serius. Dia terkejut oleh materialisme dan sinisme nya kali, dan bermimpi untuk memulihkan ke Prancis kebajikan gallic kuno kepahlawanan, kecerdasan dan mengorbankan diri antusiasme untuk ideal mulia.

Tujuannya sebagai sebuah sandiwara untuk memberikan Leçons d'? ame? ? pelajaran bagi jiwa. Didorong oleh keberhasilan dengan Les Romanesques ia menuangkan segala idealisme dan puisi menjadi bermain ayat tentang putri jauh, dicintai dari jauh oleh seorang penyanyi.

La Princesse Lointaine adalah tentang kekuatan penebusan cinta, dan didasarkan pada kisah nyata Joffroy Rudel.

Ini juga, seharusnya sudah sukses, mengingat bahwa pahlawan ini dimainkan oleh Sarah Bernhardt, maka pada puncak popularitas nya. bermain mengajukan banding atas keinginan mereka, pada tahun-tahun dewasa nya, untuk tampil di drama puitis serius.

Namun, masyarakat Paris dan terutama para kritikus, diharapkan lain hiburan ringan dari penyair muda, dan tidak menghargai perasaan halus Rostand's. La Princesse Lointaine memiliki resepsi dingin dan dibawa mati setelah tiga puluh pertunjukan.

Rostand itu kecewa dan, bukan untuk pertama kalinya, mengalami masa depresi. Tapi Sarah Bernhardt masih memiliki iman di dalam dia dan telah menugaskan lain bermain dalam ayat di minggu Paskah, 1897. La Samaritaine, tentang pertemuan Yesus dengan perempuan Samaria di sumur, mendapat sambutan hangat oleh pers dan kritikus.

Sementara menulis La Samaritaine, Rostand juga bekerja pada proyek lain. Sarah Bernhardt begitu antusias La Princesse Lointaine bahwa dia telah mengundang seorang teman untuk menghadiri bacaan pertama. Coquelin Konstan, yang dikenal untuk memainkan peran nya klasik karakter komik pada khususnya, sudah tahu Sarah sebelumnya di komedi-Française, dari mana ia baru saja pensiun.

Dia telah begitu terkesan dengan bermain Rostand bahwa dia telah menyerukan Edmond: Menulis peran saya dan saya akan bermain ketika Anda inginkan, di mana Anda inginkan?!?

Rostand sudah lama ingin menulis sebuah drama yang didasarkan pada pahlawan masa kecilnya, Cyrano de Bergerac, seorang penyair abad ketujuh belas dikenal karena penolakannya untuk menyesuaikan atau kompromi. Coquelin akan menjadi aktor yang ideal untuk menjelma Rostand ide tentang karakter, yang jelek eksterior akan mendustakan jiwa yang mulia.

Sandiwara yang melebih-lebihkan keburukan dengan memberikan karakter hidung aneh (berlebihan dating kembali ke account Théophile Gautier tentang Cyrano di Les Grotesque, Buku VI (1844)), dan menciptakan plot di mana Cyrano akan merayu wanita yang dicintainya atas nama lain.

Keberhasilan tersebut bermain di teater komersial meragukan: memutar ayat pada umumnya dilakukan di negara teater, jika sama sekali, dan hanya sedikit telah mendengar tentang ini penyair abad ke-17 kecil yang adalah pahlawan dari bermain. Namun, Coquelin percaya dalam drama Rostand, dan memasang beberapa uang sendiri untuk memproduksinya di Porte-Saint-Martin teater, di mana ia adalah seorang sutradara.

Keberhasilan yang menakjubkan dari Cyrano de Bergerac di premier pada 28 Desember 1897 adalah unik dalam sejarah Paris teater. Belum pernah ada yang seperti itu kemenangan bulat. Penonton mengigau dengan antusias dan sukacita. Rostand mimpi tentang menghidupkan kembali kebanggaan nasional dengan kepahlawanan pahlawan-nya, kecerdasan dan biasanya Panache Prancis telah berhasil melampaui harapannya. Hidup tidak akan pernah sama lagi.

Rostand menjadi pahlawan nasional semalam. Pada kinerja berikutnya ia dianugerahi pita dari Chevalier dari Legion of Honour. Undangan dari orang kaya dan terkenal mengalir dalam, bersama dengan karangan bunga dan surat ucapan selamat.

Sejak itu, bermain Rostand telah berkelana di seluruh dunia dan telah diterjemahkan ke dalam hampir setiap bahasa. Ini telah diubah menjadi opera, musik, film, parodi dan bahkan balet. hidung Cyrano's, yang akrab bagi semua, telah sering digunakan dalam iklan; psikologinya telah diteliti oleh para ahli. Cyrano kecerdasan dan keberanian, Panache dan integritas, adalah kualitas yang terus mengilhami pendengar di seluruh dunia.

Selama sisa hidupnya, banyak yang akan diharapkan dari Rostand. Publik ingin bermain lebih seperti Cyrano de Bergerac; teater diharapkan kritik dia meresmikan sebuah era baru drama ayat klasik Perancis. ketenaran-Nya, tetapi sambutan pada awalnya, akan menjadi beban berat yang membuat menulis tugas suci ia harus memenuhi, sementara takut dia tidak memiliki kemampuan kreatif untuk melakukannya dengan sukses.

Namun, dengan bermain berikutnya, L'Aiglon (The anak garuda), ditulis untuk Sarah Bernhardt untuk tampil di Pameran Paris 1900, Rostand terus memuaskan baik kritikus dan publik. Kisah tragis anak Napoleon, dibesarkan sebagai seorang bangsawan Austria oleh ibunya Marie-Louise, tapi diam-diam rindu untuk kembali ke Paris dan mendapatkan kembali posisinya sebagai penguasa yang sah dari orang-orang Perancis, diberitahu dalam ayat liris

dan bergerak.

Bernhardt menang dalam peran Duke muda, sehingga ia kembali lagi dan lagi selama sisa hidupnya.

Tapi ketegangan pada Rostand mulai memberitahu. Tidak pernah dalam kesehatan yang kuat, ia menyerah pada pleurisy dan pneumonia segera setelah perdana berhasil L'Aiglon. Untuk beberapa hari hidupnya dalam bahaya? bangsa menahan napas. Pada pemulihan beberapa kekuatannya, ia pindah, atas saran dokter, dengan iklim yang lebih lunak dari Cambo-les-Bains, di negara Basque Perancis. Di sini ia menemukan kehidupan seorang pria negara tenang cocok untuknya sangat baik. Dilarang oleh dokter untuk melakukan sesuatu pekerjaan, ia berjalan atau berkuda melalui jalur negara, menemukan kembali kebahagiaan alam ia dikenal sebagai anak laki-laki, pada hari libur di Pyrenees di Luchon.Tapi kehidupan sastra Paris tidak akan meninggalkan dia dengan damai: ia memohon untuk berdiri untuk kursi kosong di Académie française, kursi yang menang, para akademisi termuda yang pernah diangkat. Butuh Rostand tiga tahun untuk menulis pidato sambutannya. Ketika dia mengambil tempat duduknya, pada tahun 1903, le Tout Paris ada di sana, penuh ke bangku dan meluap ke halaman.

Hidup di Cambo

Rostand dan istrinya sekarang sudah memutuskan bahwa mereka ingin membuat rumah mereka untuk kebaikan dalam damai pedesaan Basque. villa mereka, Arnaga, sekarang terbuka untuk umum sebagai museum Rostand, waktu bertahun-tahun untuk membangun. Rostand banyak dirancang sendiri, sampai ke detail terkecil. Ia juga mengambil kesenangan besar dalam perencanaan taman. Tetapi pada saat yang sama, Coquelin itu menuntut lain bermain dari penyair-nya??.

Karya-karya ini kreativitas berlari berdampingan, disela oleh periode penyakit dan depresi. Namun lagi, Rostand menemukan beban ketenaran menghambat nya. jus kreatif Nya tidak selalu mengalir, dan ketika mereka melakukannya, dia takut bahwa apa yang ia tulis tidak cukup baik. Sama seperti ia telah menyatakan idealisme mudanya dalam bukunya karakter Cyrano, ia sekarang menyatakan ini kekhawatiran tentang kreativitasnya dalam karakter barunya, Chantecler, yang bukan manusia tetapi seekor ayam jantan muda. Rostand karakter dalam bermain baru ini diproyeksikan semua akan binatang, sebuah fakta yang menimbulkan resistensi beberapa oleh penonton saat bermain itu akhirnya dilakukan.

Chantecler adalah yang paling bergerak dan liris dari memainkan semua Rostand's. Di dalamnya, ia menyatakan cinta yang mendalam tentang pedesaan, khususnya pedesaan sekitar Cambo yang sekarang tahu begitu baik. Hal ini juga yang paling pribadi dari semua memainkan nya, jadi merupakan pukulan mengerikan ketika, setelah banyak penundaan, akhirnya dilakukan di Paris pada Februari 1910 untuk audiens dari kurang antusias. Ada banyak alasan pada waktu untuk ini sambutan hangat. dukungan Rostand untuk Dreyfus,

perwira tentara Yahudi dituduh sebagai mata-mata, telah membuatnya banyak musuh di kanan politik; penulis lain iri keberhasilannya, penggunaan karakter hewan adalah sebelum nya kali, dan sikap idealis para penyair dan kritik keras tentang moeurs Paris itu dibenci oleh orang-orang masyarakat.

nilai sebenarnya yang bermain itu ditunjukkan oleh antusiasme yang telah dihasilkan pada kebangunan rohani kemudian Perancis. Ini layak untuk lebih dikenal, di Prancis dan luar negeri.

Rostand kembali ke Cambo dan terus menulis puisi, tetapi tidak bermain untuk kinerja. Pengecualian adalah potongan ayat pendek, La Dernière Nuit de Don Juan, ditulis untuk teman aktor Le Bargy. Inventif drama ini memiliki beberapa efek khusus yang membuatnya lebih cocok untuk film dari panggung. Namun, hal ini dilakukan secara anumerta di Paris pada tahun 1922.

Ketika pecah Perang Besar pada tahun 1914, Rostand dinyatakan tidak layak untuk melayani sebagai seorang prajurit. Sangat kecewa, dia melakukan apa yang dia bisa untuk membantu yang terluka di rumah sakit lokal di Cambo, dan menulis ayat patriotik untuk kertas. Tapi memainkan, terutama Cyrano de Bergerac, telah membantu meningkatkan moral, sebagai laki-laki melawan banyak menulis untuk memberitahu dia bagaimana mengilhami mereka menemukan mereka.

Rostand bertekad untuk merayakan gencatan senjata di Paris. Tapi dia menangkap virulen strain influenza Spanyol, dan meninggal pada 2 Desember 1918 setelah perjuangan singkat. Dia hanya berumur lima puluh tahun.

Anak-anaknya kemudian terkemuka di kanan mereka sendiri: Maurice sebagai penyair dan dramawan, dan Jean sebagai seorang ahli biologi dan filsuf. Rosemonde Gerard, istrinya, terus menulis puisi dan tinggal sampai 1953.

http://wisatateater.blogspot.com/2011/03/edmond-rostand-biografi-prancis.html#more

Anton Pavlovich Chekhov

    

 Anton Pavlovich Chekhov dilahirkan pada tanggal 17 Januari tahun 1860 di pelabuhan kecil Taganrog, Ukraina. Dia dikenalsebagai seorang penulis drama dan penulis cerpen. 

      Ia adalah anak dari toko kelontong dan cucu dari seorang hamba yang telah membeli kebebasannya, itu dan bahwa anak-anaknya, 19 tahun sebelumnya. Chekhov menghabiskan tahun-tahun awal di bawah bayang-bayang fanatisme agama ayahnya saat bekerja berjam-jam di tokonya. 

  

      Chekhov menghadiri sekolah untuk anak laki-laki Yunani di kota dari 1867-1868 dan kemudian ia menghadiri sekolah dasar lokal dari 1868-1876 ketika ayahnya bangkrut dan pindah keluarga ke Moskow. 

      Chekhov, hanya 16 pada saat itu, memutuskan untuk tetap di kampung halamannya dan didukung dirinya dengan les sebagai ia melanjutkan sekolahnya selama 3 tahun lagi.

      Setelah dia selesai sekolah tata bahasa Chekhov terdaftar di Moskow University Medical School, di mana ia akhirnya akan menjadi seorang dokter. pengalaman Chekhov's medis dan ilmu pengetahuan yang jelas dalam banyak karya sebagai dibuktikan dengan sikap apatis banyak tokoh-tokohnya menunjukkan terhadap peristiwa tragis. 

      Saat menghadiri Chekhov sekolah kedokteran mulai menerbitkan cerita komik pendek dan menggunakan uang untuk mendukung dirinya dan keluarganya dan 1886 ia mendapatkan

ketenaran luas sebagai penulis. karya Chekhov's diterbitkan di berbagai koran St Petersburg, termasuk Gazeta Peterburskaia dari 1885, dan vremia Novoe dari 1886. 

      Chekhov juga menerbitkan 2 novel panjang, salah satunya, "Partai Shooting," diterjemahkan ke dalam bahasa Inggris pada tahun 1926.

      Chekhov lulus dari sekolah kedokteran pada tahun 1884 dan dia berlatih kedokteran sampai 1892. Sementara praktek kedokteran pada tahun 1886 ia menjadi kontributor tetap untuk koran harian St Petersburg Novoe dan itu selama waktu itu ia mengembangkan gaya penulis, tidak memihak tidak menghakimi. 

      Kurangnya komentar sosial kritis dalam karya-karya Chekhov terjaring dia beberapa pengkritik, tapi dia mendapat pujian dari penulis seperti Leo Tolstoy dan Nikolai Leskov. 

      Chekhov dianugerahi Penghargaan Pushkin pada tahun 1888. Tahun berikutnya ia terpilih sebagai anggota Masyarakat Pecinta Sastra Rusia. Namun setelah kegagalan bermain, The Demon Kayu (1889) ia mengundurkan diri dari literatur untuk sementara waktu. Sebaliknya ia berbalik kembali ke obat-obatan dan ilmu pengetahuan dalam perjalanan ke koloni pidana Sakhalin, utara Siberia. 

      Meskipun ada dia mengamati 10.000 narapidana dihukum untuk hidup di pulau itu sebagai bagian dari penelitian doktoralnya. Setelah selesai di pulau ia melakukan perjalanan seluruh dunia, termasuk ke tempat-tempat seperti Asia Tenggara, anak benua India, dan Timur Tengah. 

      Pada 1892 Chekhov membeli real di desa negara Melikhove dan menjadi penulis penuh waktu. Ini adalah waktu yang selama ini ia menerbitkan beberapa cerita yang paling berkesan termasuk 'Tetangga' (1892), 'Ward Nomor Enam' (1892), 'The Monk Hitam' (1894), 'Pembunuhan The' (1895), dan ' Ariadne "(1895). 

      Pada tahun 1897 ia jatuh sakit dengan TB pindah ke Yalta, sementara di sana ia menulis cerita yang terkenal 'The Man di Shell,' 'goose', 'Tentang Cinta', 'Lady dengan Dog,' dan 'Di Jurang. " 

      Pada tahun 1901 Chekhov akhirnya menikah dengan seorang aktris, Olga Knipper, yang telah dilakukan di drama-dramanya. Namun kebahagiaan mereka akan hidup pendek, Chekhov meninggal pada tanggal 15 Juli 1904, di Badenweiler, Jerman. Ia dimakamkan di pemakaman Biara Novodeviche di Moskow. 

      Chekov baru dikenal dunia setelah karya-karyanya diterjemahkan kedalam bahasa Inggris, terutama setelah perang dunia I. Naskah dramanya pun dikenal setelah Stanislavsky mementaskannya dengan apik dan diapresiasi oleh para penonton.

http://wisatateater.blogspot.com/2011/03/anton-chekov-biografi.html#more

William Shakespeare

    

 Ia lahir di Stratford, Inggris, 26 April 1564 dan meninggal, 23 April 1616 pada umur 51 tahun adalah seorang penulis Inggris yang seringkali disebut orang sebagai salah satu sastrawan terbesar Inggris.

      Anak dari pasangan John Shakespeare dan Mary Arden. John adalah orang kaya lalu jatuh miskin karena bangkrut. Shakespeare pergi ke sekolah umum dan belajar bahasa Latin, yang merupakan bahasa kaum terpelajar Inggris bahkan dokumen penting pun ditulis menggunakan Latin.

      Shakespeare juga mempelajari karya-karya para penulis dan filosofer dari Yunani Kuno dan Romawi. Lebih dari 100 tahun berlalu sejak Johannes Gutenberg memperkenalkan percetakan ke Eropa pada tahun 1452. Shakespeare membeli banyak buku sehingga menjadi akrab dengan kisah-kisah dari berbagai tempat seperti Italia, Perancis, Asia Minor, dan Afrika Utara. 

     Beberapa kisah-kisah ini menjadi dasar cerita-cerita terbesar Shakespeare. Contohnya, The Golden Ass karya Apuleius, sebuah kisah kuno dari Afrika Utara, kemungkinan merupakan kisah yang menginspirasikan Impian di Tengah Musim.

       Shakespeare meminjam cerita untuk Romeo dan Juliet dari seorang penulis Inggris lain, yang mendapatkannya dari seorang penulis Perancis, yang menterjemahkannya dari kisah abad ke-16 oleh Luigi da Porta dari Italia yang bersumpah bahwa cerita tersebut adalah berdasarkan cerita nyata.

Sistem kelas pada zaman Shakespeare dapat saja sudah memiliki susunan-susunan, namun hal tersebut tidak statis. Orang-orang mulai berpikir tentang mereka sendiri. Shakespeare hidup di zaman Renaissans yang berarti "kelahiran kembali" yang terjadi pada abad ke-15 hingga abad ke-17 di Eropa.

      Renaissans Eropa menghidupkan kembali pembelajaran klasik. Pada zaman tersebut terdapat gerakan kebangkitan minat terhadap seni, musik, dan arsitektur. Suatu dunia yang tua dan stagnan tiba-tiba berubah menjadi hidup dan vibran.

      Meskipun hampir semua orang percaya bahwa susunan matahari, bulan, bintang, dan planet mempengaruhi nasib mereka, beberapa orang mulai mengubah cara berpikir mereka tentang diri mereka dan dunia yang mereka tinggali.

      Mereka mulai memahami kekuasaan dan posisi pemerintahan diciptakan oleh manusia, bukan ditentukan oleh Tuhan sejak lahirnya. Mereka menyadari bahwa kekristenan bukanlah satu-satunya agama di dunia. Dan karena banyak di antara mereka mulai dapat membaca, maka banyak juga yang tidak ingin tinggal di kelas sosial tempat mereka dilahirkan.

      Banyak petualang Renaissans menggunakan cara mereka sendiri-sendiri untuk mencari rejeki dan mengembangkan kehidupan mereka. Shakespeare adalah salah satu dari orang-orang tersebut.      Ia menulis sekitar 38 sandiwara tragedi, komedi, sejarah, dan 154 sonata, 2 puisi naratif, dan puisi-puisi yang lain.

      Ia menulis antara tahun 1585 dan 1613 dan karyanya telah diterjemahkan di hampir semua bahasa hidup di dunia dan dipentaskan di panggung lebih daripada semua penulis

sandiwara yang lain.

      Pada awal 1590an, William Shakepseare mengokohkan dirinya sebagai seorang penulis sandiwara dan aktor di London. Selain itu, ia juga memiliki bagian dari rumah sandiwara tempat ia dan teman-temannya bermain.

      Shakespeare menikahi Anne Hathaway, yang delapan tahun lebih tua daripadanya, pada tanggal 28 November 1582 di Temple Grafton, dekat Stratford. Anne kala itu hamil tiga bulan. Bersama-sama mereka dikaruniai tiga anak: Susanna, dan si kembar Hamnet dan Judith.

      Istri dan ketiga anaknya tinggal di Stratford, dan kemungkinan besar Shakespeare pergi mengunjungi mereka setahun sekali. Pada tahun 1596 Hamnet meninggal dunia. Karena kemiripan nama, banyak orang berpikir bahwa hal ini mengilhaminya untuk menulis The Tragical History of Hamlet, Prince of Denmark.

      Shakespeare menjadi orang teater yang sangat terkenal, sangat populer, dan sangat kaya. Ratu Elizabeth I sangat menyukai karya-karyanya; begitu pula dengan Raja James I, penerusnya. Pada pemerintahan James I, Shakespeare dan kawan-kawan terkenal dengan sebutan "Orang-orang Raja" karena Raja James I adalah pengunjung mereka yang spesial.

      Shakespeare dan Orang-orang Raja bermain di istana kerajaan, di teater Globe dan di rumah sandiwara mereka, dan teater Blackfriars. Untuk mendapatkan lebih banyak uang, mereka juga mengadakan tur keliling Inggris, terutama pada saat-saat wabah penyakit menjangkit Inggris.

      Orang-orang zaman Elizabeth tidak memandang pemain atau penulis sandiwara adalah pekerjaan yang terhormat. Pergi ke teater pada zaman tersebut tidak sama seperti pergi ke teater pada saat ini, hal itu lebih seperti pergi menonton pertandingan sepak bola!

     Teater-teater zaman Elizabeth merupakan bangunan kayu yang bertingkat-tingkat. Para penonton duduk di ketiga sisi atau berdiri di tengah-tengah lantai. Bagian tengah teater terbuka atapnya karena pada zaman itu belum ada penerangan buatan. Ribuan orang berjejalan di teater untuk pertunjukan sore hari.

      Para penonton berteriak-teriak di belakang para aktor. Teater Globe adalah tempat yang padat pengunjung, bising, dan berjejal-jejalan.

      Puluhan ribu orang yang memadati untuk melihat sandiwara Shakespeare akan dapat mendengar 1700 kata yang diciptakan oleh Shakespeare. Banyak kata-kata ciptannya yang saat ini masih digunakan. Contohnya: "deafening" (menulikan), " hush", " hurry" (lekas), " downstairs" (di bawah), " gloomy" (sedih), " lonely" (sendirian), " embrace" (pelukan), " dawn" (senja).

      Ejaan yang digunakan Shakespeare pun berbeda dari zamannya. Orang-orang zaman Elizabeth mengeja kata-kata seperti yang tertulis, seperti Latin dan Indonesia. Tidak ada cara "yang benar" untuk mengeja. Orang-orang menulis suatu kata seperti ejaan yang mereka inginkan.

      Jika ingin menulis "me" (saya) tapi ingin memberikan penekanan pada kata tersebut, maka kata tersebut akan dituliskan "mee". Jika sang penulis ingin kata tersebut dibaca seperti orang berteriak dari atap rumah, maka kata tersebut akan dituliskan "Meee".

      Dalam teks Shakespeare akan dijumpai kata "stayed" (tinggal) dieja "stay'd", karena Shakespeare ingin mengucapkan kata tersebut sebagai satu suku kata (baca: 'steid') seperti ejaan bahasa Inggris sekarang, bukan dua suku kata (baca: 'stei-ed').

      Bahasa Inggris modern banyak menggunakan penulisan dari zaman dahulu namun dengan menggunakan ejaan yang baru. Contohnya kata "knight" (ksatria) dulunya dieja sama seperti tulisannya (baca: 'k-ni-gh-t' 4 suku kata). Di dalam budaya oral seperti zaman Shakespeare, orang-orang memedulikan detil intonasi, nada suara, dan bunyi yang ditimbulkan pada waktu mereka berbicara sehingga bahasa lisan yang digunakan lebih kaya pada zaman dahulu daripada zaman sekarang.

      William Shakespeare menulis selama dua puluh lima tahun, menciptakan tiga puluh enam hingga tiga puluh sembilan karya yang diketahui hingga saat ini. Topik yang dicakup beragam mulai dari romans komik hingga perang saudara, dari permainan domestik hingga kejadian politis yang menggegerkan dunia.

      Namun tiga hal yang mendasari seluruh karyanya adalah pertanyaan-pertanyaan: Apa artinya untuk hidup? Bagaimana cara kita hidup? Apa yang harus kita lakukan?

      Sandiwara Shakespeare menawarkan pemahaman yang mendalam terhadap pertanyaan-pertanyaan tersebut. Itulah sebabnya mengapa ahli-ahli literatur mempelajari karyanya, politikus-politikus mengutipnya, filosofer-filosofer menemukan cara berpikir yang baru dari membaca dan membaca ulang karyanya.

      Mempelajari Shakespeare adalah seperti mempelajari hidup dari berbagai sudut pandang: psikologis, politis, filosofis, sosial, spiritual. Ritme yang digunakannya dalam kata-katanya terefleksi dalam ritme tubuh kita. Memainkan peranan sandiwara Shakespeare di panggung membuat seseorang menyadari seberapa dalam seseorang harus menarik napas supaya suaranya dapat terdengar sampai ujung ruangan.

      Shakespeare berhenti menulis pada tahun 1611 dan meninggal dunia beberapa tahun kemudian pada 1616. Sampai wafatnya ia tetap menikah dengan Anne. Pada batu nisannya tertulis: "Blest be the man who cast these stones, and cursed be he that moves my bones." (bahasa Indonesia: "Terbekatilah ia yang menaruh batu-batu ini, dan terkutuklah ia yang memindahkan tulang-tulangku.")

Karya-karya:      Shakespeare menulis tentang keadaan manusia yang sangat manusiawi. Ia memahami apa yang hampir semua orang ingini: untuk menyayangi orang lain, dan disayangi oleh orang lain; makan, minum, dan tidur dengan tenang; untuk hidup di tengah dunia yang besar dan memiliki arti di dalam hidup.

      Shakespeare juga memahami bahwa manusia memiliki kelemahan-kelemahan yang kadang-kadang jauh dari rencana-rencana mereka yang terhormat (atau tidak terhormat). Shakespeare adalah seorang jenius yang menunjukkan pada kita diri kita sesungguhnya.

Daftar Karya   TragediRomeo and JulietMacbethKing LearHamletOthelloTitus AndronicusJulius CaesarAntony and CleopatraCoriolanusTroilus and CressidaTimon of Athens

   KomediThe Comedy of ErrorsAll's Well That Ends WellAs You Like ItA Midsummer Night's DreamMuch Ado About NothingMeasure for MeasureThe TempestTaming of the ShrewTwelfth Night, or What You WillThe Merchant of VeniceThe Merry Wives of WindsorLove's Labour's LostThe Two Gentlemen of VeronaPericles Prince of TyreCymbelineThe Winter's Tale

   Sejarah

Richard IIIRichard IIHenry VI, part 1Henry VI, part 2Henry VI, part 3Henry VHenry IV, part 1Henry IV, part 2Henry VIIIKing John

   PuisiShakespeare's SonnetsVenus and AdonisThe Rape of LucreceThe Passionate PilgrimThe Phoenix and the TurtleA Lover's Complaint

http://wisatateater.blogspot.com/2011/03/william-shakespeare-biografi.html

Bernard Shaw

      George Bernard Shaw lahir pada 26 Juli 1856 di Dublin, sebagai anak dari George Carr Shaw, yang dalam perdagangan gandum grosir, dan Lucinda Elisabeth Shaw, putri seorang pemilik tanah miskin. masa kanak-kanak Shaw merasa terganggu. Ayahnya adalah seorang pemabuk. 

      Shaw pergi ke Wesleyan Connexional Sekolah, kemudian pindah ke sebuah sekolah swasta dekat Dalkey, dan kemudian ke Dublin's Central Model Sekolah, mengakhiri pendidikan formal di Dublin Inggris Ilmiah dan Umum Hari Sekolah. Pada usia 15 ia mulai bekerja sebagai pegawai junior. Pada tahun 1876 ia pergi ke London, bergabung dengan kakaknya dan ibu. Shaw tidak kembali ke Irlandia selama hampir tiga puluh tahun. 

      Shaw memulai karir sastra dengan menulis kritik musik, teater, dan novel, Pada tahun 1884 bergabung dengan Shaw Fabian Society, sebuah kelompok sosialis kelas menengah dan bertugas di komite eksekutif 1885-1911.

      George Bernard Shaw (1856-1950) lahir Dublin, 26 Juli 1856 – meninggal 2 November 1950 di Hertfordshire adalah seorang novelis, kritikus, esaias, politikus, dan orator Irlandia yang menetap di Inggris. Pada 18 Desember 1926, ia menolak hadiah uang ketika menerima Nobel Kesusasteraan dan Academy Award for Writing Adapted Screenplay (pada 1938 untuk Pygmalion).

      Saat menerima penghargaan dalam acara itu, ia mengatakan, "Aku bisa memaafkan Alfred Nobel atas penemuan dinamit, tapi hanya iblis dalam sosok manusia yang bisa menerima Hadiah Nobel. Padahal, ia yang lebih dikenal sebagai dramawan, memulai karier dalam kondisi frustasi akibat kemiskinan.

      Dramanya yang paling awal dimainkan ialah "Menyenangkan dan tidak menyenangkan (1898). Selain itu di antaranya, Rumah duda dan Nyonya Warren, lakon ini menyerang kemunafikan sosial, yang mengkritik tuan tanah perkampungan kumuh tidak diterima dengan baik. Sementara dalam drama seperti "Senjata dan Man" dan "The Man of Destiny" kritik yang dilontarkan kurang sengit. 

      Shaw adalah orang yang berpaham rasional radikal, ia sama sekali mengabaikan konvensi, minat dialektika dan kecerdasan verbal sering mengubah panggung menjadi sebuah forum ide-ide, dan tempat lebih terbuka, yang ketiga tindakan dari dramatisasi mengejar cinta wanita manusia, Man dan Superman (1903).

      Pada tahun 1895 Shaw menjadi kritikus drama untuk Review Sabtu. Artikel-artikel ini kemudian dikumpulkan dalam Teater Kami Dalam tahun sembilan puluhan (1932). Shaw

juga menulis musik, seni dan kritik drama untuk Drama Review (1885-1886), kami Corner (1885-1886), The Pall Mall Gazette (1885-1888), Dunia (1886-1894), dan The Star (1888 - 90) sebagai 'Corno di Basetto'. 

      Kritik Musiknya telah dikumpulkan di Musik Shaw (1981). The Perfect Wagnerite muncul di tahun 1898 andCaesar Dan Cleopatra pada tahun 1901.

       Pada tahun 1898 Shaw menikah dengan Charlotte kaya Payne-Townshend. Mereka menetap pada tahun 1906 di desa Hertfordshire dari Ayot St Lawrence. Shaw tetap dengan Charlotte sampai kematiannya, meskipun ia kadang-kadang dikaitkan dengan wanita lain. Dia membawa pada korespondensi gairah selama bertahun-tahun dengan Mrs Patrick Campbell, seorang janda dan aktris.

      Dalam memainkan diskusi masa kemudian kadang-kadang tenggelam drama, dalam Kembali ke Metusalah (1921), meskipun dalam masa yang sama dia bekerja padanya karya Saint Joan (1923), di mana ia menulis ulang cerita terkenal dari Perancis gadis dan memanjang dari Abad Pertengahan hingga saat ini.

       Lakon lain yang berperan penting lainnya adalah "Caesar and Cleopatra" (1901), sebuah drama sejarah yang penuh dengan sindiran untuk zaman modern, dan Androcles and Lion (1912), di mana ia dieksekusi semacam sejarah retrospektif dan dari gerakan modern menarik pemotongan bagi orang Kristen era. 

      Dalam lakon "Major Barbara" (1905), salah satu «diskusi» paling sukses memainkan Shaw, perhatian penonton dipegang oleh kekuatan argumentasi cerdas bahwa manusia dapat mencapai keselamatan estetika hanya melalui aktivitas politik, bukan sebagai individu, Major Barbara menggambarkan seorang petugas Bala Keselamatan, yang belajar dari ayahnya, produsen persenjataan, bahwa uang dan kekuasaan bisa menjadi senjata yang lebih baik terhadap yang jahat daripada cinta. 

      The Doctor's Dilema (1906), bercanda diklasifikasikan sebagai tragedi oleh Shaw, adalah benar-benar sebuah komedi humor yang diarahkan pada profesi medis. Candida (1898), dengan sikap sosial terhadap hubungan seks sebagai objek sindiran, dan Pygmalion (1912), sebuah studi cerdas dari fonetik serta pengobatan pandai moralitas kelas menengah dan perbedaan kelas, terbukti beberapa keberhasilan Shaw terbesar di panggung. 

      Ini adalah kombinasi dari dramatis, komik, dan sosial perbaikan yang memberikan komedi khusus Shawa.

      George Bernard Shaw meninggal dunia di Ayot St Lawrence, Hertfordshire, pada tanggal 2 November 1950. Selama karirnya yang panjang, Shaw menulis lebih dari 50 naskah drama.

http://wisatateater.blogspot.com/2011/03/bernard-shaw-biografi.html

Johan Strindberg Agustus (1849-1912)

      Seorang dramawan, novelis, dan penulis cerita pendek berasal dari Swedia. August Strindberg lahir di Stockholm. Ayahnya, Carl Oscar Strindberg, bangga jejak darah aristokratis, adalah agen pengiriman, tapi sukses bisnisnya relatif sederhana. ibu Strindberg, Ulrika eleanora Norling, memiliki latar belakang proletar. 

      Dia adalah putri seorang penjahit, yang pernah menjadi pembantu rumah tangga dan menjadi majikannya Carl Oscar. Agustus adalah anak ketiga mereka, pasangan itu memiliki sembilan anak lagi. masa kanak-kanak Strindberg miskin dan sengsara - dia malu dan ketegangan keluarga tertekan dia. 

      Ulrika eleanora meninggal ketika ia berumur 13 tahun. Setelah ayahnya menikah lagi, Strindberg datang membenci ibu tirinya. Strindberg menikah tiga kali, Strindberg mewakili manusia ideal abad ke-19 artis sebagai kepribadian yang bebas, tidak dibatasi oleh konvensi. 

      Pada tahun 1867 Strindberg memasuki Universitas Uppsala, di mana ia gagal lulus ujian pendahuluan dalam kimia. Ia bekerja untuk waktu singkat di Royal Drama Teater, dan menulis. Strindberg kembali ke studinya di Uppsala dan selesai pada tahun 1872. 

      Kembali di Stockholm, Strindberg bekerja sebagai wartawan dan menulis drama sejarah MASTER Olof, lakon ini tentang Swedia yang introspektif dan pembaharu Protestan Olaus Petri. Ini ditulis dalam semangat Shakespeare tetapi ia dipengaruhi Schiller. 

      Strindberg pada tahun 1874 menjadi asisten seorang pustakawan di Perpustakaan Kerajaan, melayani sampai pengunduran dirinya tahun 1882. Ia menikah pada tahun 1877 Baroness Siri von Essen, yang telah istri Baron Carl Gustaf Wrangel, dan merupakan anggota aristokrasi Swedia di Finlandia. Pada saat perkawinan Siri tujuh bulan hamil, anak itu meninggal dan mereka kemudian tiga anak lagi, salah satunya, Kristin. 

      Strindberg kembali ke pernikahan pertamanya di sebuah cerita di mana narator yang terbelah antara adorasi dan muak. Namun, perkawinan pertama membawa beberapa keseimbangan dalam kehidupan Strindberg. 

      Novel pertama yang diterbitkan, Roda RUMMET (1879), sebuah cerita satir tentang kapitalisme awal dan korupsi di Stockholm, membuatnya nasional terkenal. Arvid Falk, karakter pusat, adalah penulis yang bercita-cita yang kehilangan semua ilusi, dan akhirnya menerima kehidupan keluarga borjuis. 

      Dengan buku ini Strindberg memulai karirnya sebagai salah satu tokoh yang paling menonjol dalam literatur Nordik dan budaya. Master Olof, yang pertama telah ditolak, diproduksi pada 1881 dan diterima dengan antusias. 

      Ia dituduh antisemitism di Denmark dan untuk menghindari keributan Strinberg memutuskan untuk bepergian ke luar negeri. Dia pertama kali pada tahun 1883 pindah ke Prancis bersama keluarganya dan antara tahun 1884 dan 1887 ia tinggal di Swiss. Selama

waktu ini ia berhubungan dengan Friedrich Nietzsche, dan tertarik dari karya-karya Edgar Allan Poe. 

      Dalam kesulitan keuangan dan perkawinan, Strindberg mulai menunjukkan gejala krisis emosional. Perasaan penganiayaan dan ditindas oleh minum berat. Akhirnya ia mulai percaya istrinya menginginkan dirinya di rumah sakit jiwa. 

      Cerita pendek 'Hadiah kebajikan', di mana Strindberg mengejek Perjamuan Kudus. Buku itu disita, Strindberg dituntut untuk penghujatan, tetapi dibebaskan. Di Swedia generasi muda memanggil dia sebagai pahlawan. A Doll's House (1883) terispirasi oleh pernikahannya, tetapi Strindberg lebih di sisi suami Nora. 

      Namun, visi egaliter Strindberg peran jender adalah radikal untuk hari dan usia, meskipun pada saat yang sama ia menerima gagasan bahwa selibat dapat mengakibatkan kelemahan fisik. 

      Froken JULIE (1888, Miss Julie), drama besar berikutnya Stridberg setelah FADREN (1887, Bapa), ditambah salah satu tema favoritnya, Darwin pertempuran antara kedua jenis kelamin, dengan perjuangan sosial dan ikatan cinta-benci. 

       Strindberg menulis itu selama tinggal di Denmark. Protagonis, Julie, putri hitungan, membiarkan dirinya tergoda oleh ayahnya hamba Jean. Dia kemudian harus menghadapi situasi, di mana Jean, seorang pria meningkat, ternyata menjadi orang kuat. Julie menyebabkan nasib tragis. Miss Julie telah dipertunjukkan di Strindberg Eksperimental Theater di Kopenhagen pada tahun 1889. 

      "The Best Théâtre tidak memulai kegiatannya dengan mewartakan program apapun, tidak pernah berkembang suatu estetika, tidak pernah ingin untuk sekolah ... Semua hukum penghalang telah dibatalkan, dan hanya tuntutan rasa dan semangat modern yang diizinkan untuk menentukan bentuk artistik.

      Setelah menyelesaikan Miss Julie, Strindberg menulis pada tahun 1889 dengan Antoine's Théâtre. Dia bercerai dari Siri von Essen dan pindah ke Berlin, di mana ia bertemu dengan seorang wartawan Austria Maria Uhl, yang dikenal sebagai Frida Uhl, istri keduanya, yang

dinikahinya pada tahun 1893. bulan madu mereka pasangan yang dihabiskan di London, namun setelah perselisihan Strindberg melarikan diri ke pulau Rügen. 

      Perkawinan menjadi subyek sketsa otobiografinya, KLOSTRET (, 1966 The Cloister), tetapi ia juga berurusan dengan masalah perkawinan pada beberapa karya kecil, seperti dalam cerpen 'Sebuah percobaan Reformasi'. Pada gambar ironis dari "model perkawinan" pasangan muda mencoba untuk hidup bersama-sama tetapi pada saat yang sama mempertahankan kemerdekaan mereka. 

      Mereka memiliki ruang yang terpisah, biaya berbagi dan bekerja sama rumah tangga. Setelah kelahiran bayi mereka, suami bertanya pada dirinya sendiri: "Bukankah dia melakukan berbagi penuh nya pekerjaan dengan ibu bayi Bukankah itu bagus seperti uang??" Dan istri segera mendapat atas kenyataan bahwa ia harus menjaga dirinya. 

      Dihantui oleh rasa bersalah meninggalkan anak-anaknya dan diserang oleh pengkritiknya, Strindberg menjadi memiliki sebuah mania penganiayaan. Dia juga menderita insomnia dan psoriasis, dan menghabiskan beberapa minggu di St Louis Hospital di Paris. Antara tahun 1892 dan 1897 Strindberg mengalami beberapa episode psikotik, dan mencatat pikiran tersiksa nanti di Inferno. 

     Beralih ke lukisan, Strindberg dibuat pada 1890-an bentang laut, yang telah dibandingkan dengan karya Turner. motif favoritnya termasuk visi dari sebuah gua terhadap dunia luar dan pecah gelombang di laut terbuka. Dengan bantuan studi Swedenborgian, dan mengadopsi gagasan bahwa orang-orang tertentu yang ditakdirkan untuk menderita, dia muncul dari krisis. 

      Sementara menghabiskan musim panas 1892 di Dalarö, ia menghasilkan sekitar tiga puluh lukisan. pertamanya Strindberg Pameran diadakan di tahun yang sama. Itu tidak sukses, hanya dua kanvas tersebut dibeli. Sendirian di Paris pada pertengahan 1890-an, Strindberg menjadi tertarik pada alkimia dan mencoba untuk membuktikan bahwa adalah mungkin untuk membuat emas. 

      Untuk tetangganya, Paul Gauguin ia menulis surat wawasan yang menggunakan artis sebagai pengantar untuk katalog nya. "Saya tidak dapat memahami seni dan aku tidak bisa seperti itu," kata Strindberg. "Tapi aku tahu bahwa pengakuan ini tidak akan mengejutkan atau melukai Anda, bagi Anda tampaknya saya menjadi benar-benar dibentengi oleh

kebencian orang lain, dalam keinginannya untuk dibiarkan sendiri, karakter Anda mengambil kesenangan dalam antipati yang memprovokasi." 

      Setelah berhenti lukisan pada tahun 1905, Strindberg dibangun dengan fotografer Herman Andersson yang "Wunderkamera", dengan yang ia membuat potret fotografi. 

      Dalam novel I HAVSBANDET (1890, By the Sea Terbuka) Strindberg menyatakan ketertarikannya dengan laut dan kepulauan Swedia, yang telah digambarkan di HEMSÖBORNA (1887, Pribumi dari Hemsö), kembali ke tempat favorit masa mudanya, yang Pulau Kymmendö, di mana ia mulai menulis Master Olaf. 

      "Sebuah tebing gelap mulai terlihat di tanjung pulau terakhir. Itu adalah batubara-hitam, terbuat dari batuan diorit vulkanik, dan ketika ia mendekati itu ia menjadi tertekan. Massa chrystallised hitam tampaknya telah memuntahkan naik dari dasar laut dan kemudian, seperti yang mulai membatu, telah terlibat dalam perjuangan takut dengan air atau beberapa guntur-awan. " (Dari By the Sea Terbuka) 

      Strindberg pindah ke Stockholm dan menulis selama tahun-tahun produktif berikut 1898-1909 tiga puluh enam bermain. Dalam trilogi Damaskus 1898-1901, Pask (1901, Paskah), dan ETT DRÖMSPEL (1901, A Dream Play) Strindberg memanfaatkan rincian pernikahan keduanya. 

      Protagonis dari trilogi ini disebut 'Stranger' atau 'The One Unknown', seorang pria perjalanan untuk menemukan nasibnya. Dia telah meninggalkan istri dan anak-anak dan berjalan melalui serangkaian percobaan. 

      Dalam Pask (Paskah) Strindberg berkaitan dengan tema kematian dan kebangkitan. Drama tersebut bercerita tentang seorang perempuan, yang tinggal bersama anak-anaknya dalam takut akan kedatangan kreditur, yang, pada kenyataannya, membawa rekonsiliasi dan pengampunan hutang. 

       "Dalam drama Yunani tua kata tampaknya berarti peristiwa, bukan tindakan atau apa yang kita sebut intrik sadar Untuk hidup. Tidak bergerak secara teratur sebagai sebuah drama dibangun, dan pemintal sadar intrik sangat jarang mendapatkan kesempatan untuk melaksanakan rencana mereka di detail. 

      Jadi kita tidak lagi percaya dalam komplotan yang cerdik, tanpa hambatan, diizinkan untuk mengendalikan nasib rakyat, sehingga penjahat dalam kepalsuan sadarnya hanya menimbulkan ejekan kita sebagai tidak benar untuk hidup."

      Dalam A Dream Play Strindberg berusaha untuk meniru bentuk logis dari mimpi. Waktu dan ruang yang tidak penting dalam dramaturgi, perpecahan karakter, semua pikiran dan persepsi berasal dari alam bawah sadar satu individu, para pemimpi. Di balik karakter protagonis bercahaya, Putri Indra, yang turun ke bumi, adalah aktris muda Harriet Bosse, yang menjadi istri ketiga penulis. Penekanan pada subjektivitas memainkan meramalkan teori-teori Freud tentang kesenjangan antara sadar dan tidak sadar. 

      Dalam drama sejarah dari periode ini termasuk Gustav Vasa, (1899), Erik XIV (1899), sebuah potret seorang pria yang setengah jenius, setengah-psikopat, dan Gustaf Adolf (1900), dikatakan unplayable, di yang raja merupakan instument yang ideal dari kebebasan beragama. 

      Dalam novel SVARTA FANOR (1904, Black Banner) Strindberg membalas dendam setelah puluhan tahun kritikus negatif dan mengutuk dengan amarah Alkitab rekan-rekannya, nabi yang salah, dan parasit budaya. Strindberg continied spekulasi keagamaan dan alami filosofis dalam Zona Roh (1907-1912) dan sekuel-sekuelnya. GÖTISKA RUMMEN (1904) ditulis sebagai sebuah pelengkap untuk Roda rummet dari 1879, tapi semangat muda Strindberg telah pergi, dan telah digantikan oleh kepahitan dan misantrophy. 

       Selama 1907-1908 Strindberg melakukan serangkaian percobaan untuk mendirikan sebuah teater intim, berdasarkan inovasi tentang bentuk musik kamar. Dia habis protagonis tunggal dalam mendukung sekelompok kecil karakter sama pentingnya, menciptakan sebuah drama yang akan terkesan dengan suasana hati dan suasana. Berbeda dengan karakter korup yang sakit dan orang drama, Strindberg menciptakan seorang individu, yang mampu mengamati fenomena supranatural, dan melucuti bagian depan kebohongan dan tipuan. 

      Di antara karya-karya Strindberg dari 1907 adalah ruang seperti bermain sebagai OVÄDER (1906, Badai The), Branda TOMTEN (1907, Setelah Api), di mana segala sesuatu lebih buruk yang protagonis mengharapkan, SPÖKSONATEN (1907, Roh Sonata), sebuah unmasking dari sebuah pretensi kelas menengah, dan PELIKANEN (1908, The Pelican), di mana terjadi penyucian akhir melalui api. 

      Strindberg disebut dramanya "kammerspiel" setelah Max Reinhardt's "Kammerspiel-Haus" di Berlin. Stora LANDSVÄGEN (1909, The Great Highway) adalah final alegoris Strindberg memerankan diri. Ofter dicirikan sebagai bukti sastra penulis, Strindberg sendiri muncul dalam sosok pemburu yang naik turun dari gunung - seperti Zarathustra. 

      Pada tahun 1908 Strindberg duduk di sebuah rumah yang ia sebut "Menara Biru" dan tinggal di sana sampai kematiannya dari kanker perut pada tanggal 14 Mei 1912. 

      Menurut keinginannya, Strindberg dimakamkan di bawah salib kayu dengan tulisan O Crux Ave Spes UNICA. Setia dengan perannya sebagai ikonoklas dan pengganggu sebuah, Strindberg memicu Feud Strindberg disebut dari 1910 hingga kematiannya dengan serangkaian artikel koran tentang isu-isu sosial, sastra, dan politik. Seperti Leo Tolstoy (1828-1910), Strindberg pernah menerima Hadiah Nobel untuk sastra. Namun, ia telah secara aktif mendukung gerakan Perdagangan Uni dan dianugerahi Hadiah Nobel alternatif. 

       Strindberg menulis lebih dari 70 bermain serta novel, cerita pendek dan studi sejarah Swedia. pengaruhnya Nya telah lebar. Sebagai dramawan, ia adalah sumber inspirasi bagi para ekspresionis Jerman, dan Eugene O'Neill, Eugène Ionesco, dan Tennessee Williams, dan dampak nya terlihat antara lain dalam karya-karya dramawan seperti Harold Pinter, Samuel Beckett, John Osborne, dan John Arden. 

      Pär Lagerkvist menulis tentang Strindberg di Modern Teater (1966):. "Dan itu adalah fakta bahwa ia berarti pembaharuan dari drama modern, dan dengan demikian juga pembaharuan bertahap dari teater ini dari dia dan melalui dia bahwa naturalisme menerima pukulan kritis, meskipun hal ini juga Strindberg yang memberikan naturalisme karya yang paling intens yang dramatis. "

http://wisatateater.blogspot.com/2011/03/agustus-strindberg-biografi.html

Emile Zola

      Émile Zola (1840-1902), penulis Prancis banyak karya berpengaruh di sekolah naturalisme sastra termasuk seri dua puluh novel yang ditulis antara 1871 dan 1893 yang mengikuti keluarga Rougon Macquart dimulai dengan The Fortune dari Rougons (1871).

      Émile Zola lahir di Paris, Perancis pada tanggal 2, April 1840 bin François Zola, seorang insinyur dan istrinya Emilie Aubert. Ia dibesarkan di Aix-en-Provence, sekarang bernama College Mignet, maka Lycée Saint Louis di Paris.

      Di bawah selat keras dari kemiskinan setelah ayahnya meninggal Zola bekerja berbagai pekerjaan administrasi.

      Dia kemudian pindah menulis kolom sastra untuk surat kabar de Cartier Villemessant's. Sebuah tanda hal-hal yang akan datang ia keras dan blak-blakan dalam kritiknya terhadap Napoleon ".. pekerjaan saya menjadi gambar seorang berangkat pemerintahan, masa aneh kegilaan manusia dan malu."

      Dia juga keras anti-Katolik "Peradaban tidak akan mencapai kesempurnaan sampai batu terakhir dari gereja terakhir jatuh pada imam terakhir."

      Pada awalnya dari gerakan romantis, Zola menjadi pendukung naturalisme Perancis bersama dengan penulis terkenal seperti waktu sebagai Stephen Crane Maggie: A Girl from Streets (1893), George Gissing new Grub Street (1891), dan Guy de Maupassant The Maison Tellier (1881).

      Terinspirasi oleh Claude Bernard untuk Experimental Medicine (1865) Zola segera menemukan tempatnya sebagai pengamat ilmiah yang memihak masyarakat Perancis, sifat manusia, dan kerusakan moral yang sering terjadi.

      Selama periode yang penuh gejolak, dari munculnya kekuatan Napoleon Bonaparte III yang menjadikannya sebagai Kaisar sampai akhir perang Prusia Francokenaikan, seri ambisius Zola termasuk La Conquête de Plassans (The Penaklukan Plassans) (1874), dan L'Assommoir (The Dram -Shop atau pemabuk ) (1877).

       Lain dalam seri Nana (1880) yang merupakan lakon kelas bawah, pelacur dan "devourer manusia" yang naik di kalangan elite Paris sebagai sosok yang merusak dan seluruhnya kuat yang mengganggu konvensi dan datang untuk mewakili jatuhnya Kekaisaran Perancis Kedua.

      Zola sendiri turun mineshafts dalam pendekatan metodis intens untuk menulis Germinal (1885). Terletak di 1860-an ini berhubungan dengan perjuangan kaum proletar dan kondisi kerja tidak manusiawi dari penambang batu bara yang mencolok dalam Utara Perancis dan banyak film terinspirasi dan adaptasi televisi.

      Judul lain dalam seri ini adalah L'oeuvre (The Masterpiece) (1886) gambaran ringan fiksi persahabatan dengan pelukis Paul Cézanne yang kemudian menyebabkan keretakan dalam persahabatan mereka, La Terre (1887), La thriller psikologis bete humaine (1890 ), dan berakhir dengan Le Docteur Pascal (1893).

       Salah satu karya pertama Zola diterbitkan adalah otobiografinya Pengakuan de Claude (1865), yang menarik banyak kritik dan membawa perhatian negatif terhadap dia termasuk polisi.

      Rasa bersalah dan rasa malu menghantui Thérèse Raquin (1867), karya Zola lain untuk menginspirasi banyak film dan adaptasi televisi.

      Madeleine Férat diumumkan setahun kemudian. Zola lebih lanjut mengeksplorasi model ilmiah di Le Roman Experimental (The Novel Eksperimental) (1880). Selanjutnya dia menulis-nya Les Trois Villes seri terdiri dari Lourdes (1894), Roma (1896), dan Paris (1898).

      Mungkin pekerjaan yang paling sensasional dan tentu saja politik berpengaruh Zola adalah "J'accuse" (Saya menuduh!) (1898), surat terbuka untuk kemudian Presiden Perancis Félix Faure.

      Menuduh pemerintah Perancis anti-Semitisme itu diterbitkan di halaman depan surat kabar Paris L'Aurore (The Dawn) pada 13 Januari 1898 di tanggapan terhadap Peristiwa Dreyfus, sebuah skandal yang telah membagi negara menjadi dua sebagai seluruh dunia menyaksikan pada gelisah.

      Kapten Alfred Dreyfus adalah seorang perwira militer Yahudi di tentara Perancis, buru-buru diadili dan dihukum karena pengkhianatan pada tahun 1894.

      Menyadari kesalahan mereka dengan tergesa-gesa dan ceroboh birokrasi, pemerintah tidak bersedia untuk mundur dan melepaskan dia dari penjara di Devil's Island hingga beberapa tahun berikutnya.

       Artikel Zola paparan dan kehebohan berikutnya menyebabkan berlakunya hukum Prancis pada tahun 1905 yang memisahkan gereja dan negara, "Republik tidak mengakui, atau tidak menggaji, dan juga agama" ".

      Zola didakwa pencemaran nama baik dan setelah pengadilan internasional tertutup dijatuhi hukuman penjara tahun lama, tetapi melarikan diri ke Inggris. Ia kembali ke Perancis ketika tuduhan terhadap dia diberhentikan.

      Dreyfus adalah exhonerated dan kembali kehormatan penuh dengan militer. Kembali di Perancis Zola terus menulis, termasuk di Les Quatre Évangiles (Empat Injil); Fécondité (berbuah) (1900), penderitaan (Tenaga Kerja) (1901), Verite (Kebenaran) (1903), dan Keadilan (belum selesai).

      Émile Zola meninggal pada 29 September 1902 di rumahnya di Paris di bawah apa yang menjadi klaim beberapa keadaan curiga terhadap keracunan karbon monoksida. Dia pertama kali dikebumikan di Cimetière de Montmartre di Paris, kemudian pindah ke Panthéon The Latin Quarter di Paris, Perancis.

http://wisatateater.blogspot.com/2011/03/emile-zola-biografi.html

William Butler Yeats

William Butler Yeats (1865-1939) lahir di Dublin. Ayahnya adalah seorang pengacara dan seorang pelukis potret terkenal. Yeats dididik di London dan di Dublin, tetapi ia menghabiskan musim panas di barat Irlandia di rumah musim panas keluarga di Connaught.

    Karya pertamanya muncul di tahun 1887, namun dalam periode sebelumnya produksi dramatis melebihi puisinya baik dalam jumlah besar dan impor. 

      Bersama dengan Lady Gregory ia mendirikan Teater Irlandia, yang menjadi Teater Abbey, dan menjabat sebagai kepala dramawan sampai gerakan ini diikuti oleh John Synge. 

      Memainkannya mencerminkan ketertarikannya dengan mistik dan spiritualisme. The Countess Cathleen (1892), The Land of Heart's Desire (1894), Cathleen ni Houlihan (1902), The King's Threshold (1904), dan Deirdre (1907) adalah di antara yang paling dikenal.

      Setelah 1910, seni dramatis Yeats's berbelok tajam menuju gaya yang sangat puitis, statis, dan esoterik. kemudian memainkan Nya ditulis untuk pemirsa kecil, mereka bereksperimen dengan topeng, tari, dan musik, dan sangat dipengaruhi oleh Noh Jepang memainkan. 

Meskipun seorang patriot, Yeats menyesalkan kebencian dan kefanatikan dari gerakan Nasionalis, dan puisinya penuh bergerak protes terhadap hal itu. 

      Dia ditunjuk untuk Senat Irlandia pada tahun 1922. Yeats adalah salah satu dari beberapa penulis yang terbesar karya ditulis setelah penghargaan dari Hadiah Nobel. 

      Bahwa ia menerima Hadiah terutama untuk karya dramatis, hari ini artinya yang bertumpu pada prestasi lirik nya. Puisi-Nya, terutama volume The Wild Swans di Coole (1919), Michael Robartes dan Dancer (1921), The Tower (1928), The Winding Tangga dan Puisi Lainnya (1933), dan Puisi Terakhir dan Dimainkan (1940), dibuat dia salah satu penyair abad kedua puluh yang luar biasa dan paling berpengaruh menulis dalam bahasa Inggris. tema berulangnya kontras antara seni dan kehidupan, teori siklus hidup (simbol tangga berkelok-kelok), dan ideal keindahan dan upacara kontras dengan keriuhan kehidupan modern.

      William Butler Yeats (1865-1939) lahir di Dublin dalam sebuah keluarga Protestan Irlandia. Ayahnya, John Butler Yeats, anak seorang pendeta, adalah pengacara berpaling kepada seorang pelukis pra-Raphael Irlandia. ibu Yeats, Susan Pollexfen, berasal dari keluarga kaya - yang Pollexfens memiliki penggilingan makmur dan bisnis pelayaran. 

      Awal tahun Yeats Nya dihabiskan di London dan Slingo, sebuah county yang indah di pantai barat Irlandia, di mana ibunya telah berkembang dan yang ia kemudian digambarkan dalam puisi-puisinya. Pada tahun 1881 keluarga kembali ke Dublin. Saat belajar di Sekolah Seni Metropolitan, Yeats bertemu sana penyair, dramawan, dan pelukis George Russell (1867-1935). 

      Dia tertarik pada mistisisme, dan pencarian terinspirasi juga Yeats. Ini adalah kejutan kepada ayahnya yang telah mencoba untuk membesarkan anaknya tanpa mendorong dia untuk merenungkan dengan pertanyaan-pertanyaan seperti itu. 

      Sebagai Yeats penulis melakukan debut pada 1885, ketika ia menerbitkan puisi pertama di The Universitas Dublin Review. Pada tahun 1887 keluarga kembali ke Bedford Park, dan Yeats mengabdikan dirinya untuk menulis. Ia mengunjungi Madam Blavatsky, okultis terkenal, dan bergabung dengan Bagian Esoterik dari Theosophical Society, namun kemudian diminta untuk mengundurkan diri. 

      Pada tahun 1889 Yeats bertemu cinta yang besar, Maud Gonne (1866-1953), seorang seorang aktris dan revolusioner Irlandia yang menjadi tonggak utama dalam kehidupan penyair dan imajinasi. Yeats menyembah Maud, siapa ia menulis banyak puisi. 

      Dia menikah pada tahun 1903 Mayor John MacBride, dan episode ini terinspirasi puisi Yeats's 'No Troy Kedua'. "Kenapa, apa yang bisa ia lakukan menjadi apa yang dia / Apakah? Ada Troy lain baginya untuk membakar." MacBride kemudian dilaksanakan oleh Inggris.

      Melalui Yeats pengaruh Maud bergabung dengan organisasi revolusioner Republik Irlandia Persaudaraan. Maud telah mengabdikan diri untuk perjuangan politik, tetapi Keats dilihat dengan curiga dunianya penuh intrik. Dia lebih tertarik pada cerita rakyat sebagai bagian dari eksplorasi dari warisan nasional dan bagi kebangkitan identitas Celtic. 

      Studi-Nya dengan George Russell dan Douglas Hyde legenda Irlandia dan dongeng diterbitkan pada tahun 1888 dengan nama Fairy Tales dan Rakyat dari kaum tani Irlandia. Yeats dirakit untuk anak-anak versi kurang rinci, IRIS FAIRY TALES, yang muncul pada tahun 1892. (Lihat juga Wilhelm Grimm.) Pengembaraan DARI OISIN DAN LAINNYA puisi (1889), diisi dengan kerinduan sedih, mengambil subyek dari mitologi Irlandia.

      Pada tahun 1896 Yeats kembali untuk tinggal permanen di negara asalnya. Dia direformasi Irlandia Literary Society, dan kemudian National Sastra Society di Dublin, yang bertujuan untuk mempromosikan Perpustakaan Irlandia Baru. 

      Lady Gregory pertama kali melihat W.B. Yeats 1894 - "... mencari setiap inci penyair," tulisnya dalam buku hariannya - dan lagi dua tahun kemudian. Hubungan mereka dimulai pada tahun 1897 dan menyebabkan pendiri Teater Sastra Irlandia, yang menjadi Irlandia Teater Nasional Masyarakat dan pindah pada 1904 ke Teater Abbey baru, nama jalan Dublin di mana ia berdiri. 

      Yeats bekerja sebagai direktur teater, menulis beberapa drama untuk itu. direktur lain adalah dramawan John Synge (1871-1909), teman dekat Yeats's, yang karya The Playboy dari Dunia Barat (1907) disambut dengan kerusuhan. Yeats drama paling terkenal adalah Cathleen NI Houlihan (1902), di mana Maud Gonne mendapat pujian besar dalam peran judul, dan TANAH HATI'S hasrat (1894). 

      Yeats tidak memiliki percaya diri pada awal dalam keterampilan sastra Lady Gregory, tapi setelah melihat terjemahan nya dari kisah-kisah kuno Cuchulain Irlandia ia berubah pikiran. Cathleen ni Houlihan telah cretied untuk Yeats tapi sekarang dianggap ditulis oleh Lady Gregory - ide datang dari Yeats dan ia menulis nyanyian dari wanita tua di akhir. (Lihat 'Lady Gregory sikat gigi' oleh Toibín Colm, New York Times Review of Books, 9 Agustus 2001)

      Ezra Pound bertemu Yeats di tahun 1912, lalu Pound diperkenalkan Yeats untuk drama Noh Jepang, yang terinspirasi memainkannya. Pada usia 52, pada tahun 1917, ia menikah Georgie Hyde-Lee, yang berusia 26. Meskipun Keats pertama memiliki keraguannya, pernikahan bahagia dan mereka memiliki seorang putra dan seorang putri.

      Perubahan dari sugestif, lirik indah terhadap kepahitan cadang dan tragis ditandai di Yeats puisi 'September 1913' di mana dia menyatakan: "Gaya Romantis Irlandia sudah mati

dan pergi." Selama perang sipil Irlandia Free State tentara dibakar banyak surat Yeats untuk Maud Gonne ketika mereka menyerbu rumahnya. 

       Pada awal dari perang Yeats pergi ke Oxford, tapi kemudian kembali ke Dublin, menjadi Senator di tahun yang sama. Sebagai politisi, Yeats membela kepentingan Protestan dan mengambil pro-Perjanjian sikap terhadap Partai Republik. 

      Pada tahun 1932 Yeats mendirikan Akademi Sastra Irlandia dan pada tahun 1933 ia sempat terlibat dengan Blueshirts fasis di Dublin. Sementara di Mallorca Yeats menjadi sakit parah. Dia mencoba untuk bertemu Robert Graves yang menolak untuk melihat dia. 

      Dalam terakhirnya tahun Yeats bekerja pada versi terakhir dari A VISI, yang berusaha untuk menyajikan teori variasi kepribadian manusia, dan diterbitkan BUKU OXFORD OF VERSE (1936) dan BARU puisi (1938). Yeats meninggal pada tahun 1939 di Hôtel Ideal Séjour, di Menton, Perancis. 

       Dalam 'bawah Ben Buiben,' salah satu puisi terakhirnya, ia menulis: "marmer Tidak, tidak frase konvensional; Pada batu kapur digali di dekat tempat / Dengan perintah nya kata-kata ini dipotong: Pemain mata dingin / Di hidup, tentang kematian / Horseman;. lewat "! Yeats peti mati itu diambil pada tahun 1948 untuk Druncliff di Sligo, tapi ada beberapa keraguan mengenai keaslian tulang .- "Kehidupan mistik adalah pusat dari semua yang saya lakukan dan semua yang saya berpikir dan semua yang saya tulis."

      William Butler Yeats (1865-1939) lahir di Dublin. Ayahnya adalah seorang pengacara dan seorang pelukis potret terkenal. Yeats dididik di London dan di Dublin, tetapi ia menghabiskan musim panas di barat Irlandia di rumah musim panas keluarga di Connaught. Para Yeats muda itu bagian yang sangat banyak dari Siecle de sirip di London, pada saat yang sama ia aktif dalam masyarakat yang berusaha kebangkitan sastra Irlandia. 

      Volume pertamanya dari ayat muncul di tahun 1887, namun dalam periode sebelumnya produksi dramatis melebihi puisinya baik dalam jumlah besar dan impor. 

      Bersama dengan Lady Gregory ia mendirikan Teater Irlandia, yang menjadi Teater Abbey, dan menjabat sebagai kepala dramawan sampai gerakan ini diikuti oleh John Synge. memainkan Nya biasanya mengobati legenda Irlandia, mereka juga mencerminkan

ketertarikannya dengan mistik dan spiritualisme. The Countess Cathleen (1892), The Land of Heart's Desire (1894), Cathleen ni Houlihan (1902), The King's Threshold (1904), dan Deirdre (1907) adalah di antara yang paling dikenal.

      Setelah 1910, seni dramatis Yeats's berbelok tajam menuju gaya yang sangat puitis, statis, dan esoterik. ditulis untuk penonton skala kecil, mereka bereksperimen dengan topeng, tari, dan musik, dan sangat dipengaruhi oleh teater Noh Jepang. Meskipun seorang patriot, Yeats menyesalkan kebencian dan kefanatikan dari gerakan Nasionalis, dan puisinya penuh bergerak protes terhadap hal itu. 

       Dia ditunjuk untuk Senat Irlandia pada tahun 1922. Yeats adalah salah satu dari beberapa penulis yang terbesar karya ditulis setelah penghargaan dari Hadiah Nobel. Ia menerima Hadiah terutama untuk karya dramatis, lirik nya. Puisi-Nya, terutama volume The Wild Swans di Coole (1919), Michael Robartes dan Dancer (1921), The Tower (1928), The Winding Tangga dan Puisi Lainnya (1933), dan Puisi Terakhir dan Dimainkan (1940), dibuat dia salah satu penyair abad kedua puluh yang luar biasa dan paling berpengaruh menulis dalam bahasa Inggris. tema berulangnya kontras antara seni dan kehidupan, teori siklus hidup (simbol tangga berkelok-kelok), dan ideal keindahan dan upacara kontras dengan keriuhan kehidupan modern.

http://wisatateater.blogspot.com/2011/03/william-butler-yeats.html

Peter Brook

Brook lahir di London Maret 1925, anak Simon Brook dan istrinya Ida (Jansen), dua imigran Yahudi. Ia belajar di Gresham's School dan Magdalen College, Oxford. 

Dr Faustus adalah produksi pertama, tahun 1943 di Teater Obor di London, diikuti di Teater Chanticleer pada 1945 dengan kebangkitan The Infernal Machine. 

Pada 1947, ia pergi ke Stratford-upon-Avon sebagai asisten sutradara di Romeo dan Juliet dan Love Lost Buruh. Dari tahun 1947 hingga 1950, ia menjadi Direktur Produksi di Royal Opera House, Covent Garden. 

Karyanya yang sangat kontroversial adalah Salome Strauss dengan set oleh Salvador Dali dan juga merupakan ulang pementasan yang efektif dari Puccini's La Boheme menggunakan set yang berasal dari 1899. Sebuah proliferasi kerja panggung dan layar sebagai produser dan sutradara.

Pada tahun 1951, Brook menikah dengan aktris Natasha Parry, pasangan itu memiliki seorang putri. 

Pada tahun 1970, dengan Micheline Rozan, Brook mendirikan Pusat Internasional untuk Penelitian Teater/ theater Research, sebuah perusahaan multinasional dari aktor, penari, musisi dan lain-lain yang bepergian secara luas di Timur Tengah dan Afrika pada awal tahun 1970. 

Sekarang berbasis di Paris pada Bouffes du Nord teater. Pada tahun 2008 dia membuat keputusan untuk mengundurkan diri sebagai direktur artistik Bouffes du Nord, menyerahkan ke Olivier Mantei dan Olivier Poubelle pada tahun 2008.

Pengaruh 

Karyanya terinspirasi oleh teori-teori eksperimental teater dari Jerzy Grotowski, Bertolt Brecht, Chris Covics, Meyerhold, GI Gurdjieff dan karya-karya Edward Gordon Craig dan Stuart Davis, serta Matila Ghyka. 

Brook dipengaruhi oleh karya Antonin Artaud dan ide-idenya untuk nya Theatre of Cruelty. Namun pengaruh besar-Nya adalah Joan Littlewood. Brook menggambarkan dirinya sebagai "sutradara paling bersemangat di Inggris pertengahan abad ke-20". 

Di Inggris, Peter Brook dan Charles Marowitz melakukan percobaan cruelty theater (1964) di Royal Shakespeare Company, yang bertujuan untuk mengeksplorasi cara-cara di mana ide-ide Artaud's dapat digunakan untuk menemukan bentuk-bentuk baru ekspresi dan melatih pelaku. 

Hasilnya adalah menunjukkan dari 'bekerja dalam penyelesaian' terdiri dari improvisasi dan sketsa, salah satunya adalah Perdana Menteri semburan Darah. 

- Lee Jamieson, Antonin Artaud: Dari Teori ke Praktik, Exchange Greenwich, 2007 

Mahabharata 

Pada pertengahan tahun 1970-an, Brook, dengan penulis Jean-Claude Carriere, mulai bekerja pada mengadaptasi puisi epik Mahabharata India ke dalam bermain tahap yang pertama kali dilakukan pada tahun 1985 [7] dan kemudian menjadi sebuah mini seri televisi. 

Produksi menggunakan cast internasional disebabkan debat panas antar budaya. kritik negatif berasal dari sarjana India Pradip Bhattacharya yang merasa bahwa interpretasi Brook's "bukanlah penggambaran titanic bentrokan antara kekuatan yang baik dan yang jahat, yang merupakan barang dari epik ... [tetapi] kisah keturunan berperang beberapa tuan tanah pedesaan ".

Tierno bokar 

Pada tahun 2005 Brook diarahkan Tierno bokar, berdasarkan kehidupan sufi Mali dengan nama yang sama. bermain ini diadaptasi untuk panggung oleh Marie-Helene Estienne dari sebuah buku oleh Amadou Hampate Ba (diterjemahkan ke dalam bahasa Inggris sebagai sebuah Roh Toleransi: Kehidupan yang mengispirasi dari Tierno bokar). 

Buku dan kehidupan bermain detail bokar dan pesan toleransi beragama. Universitas Columbia yang diproduksi 44 acara yang terkait, ceramah, dan lokakarya yang dihadiri oleh lebih dari 3.200 orang di seluruh lari dari Tierno bokar. Panel diskusi terfokus pada topik toleransi beragama dan tradisi Muslim di Afrika Barat.

Karya dan dedikasi:

1950 Measure for Measure with John Gielgud (Shakespeare Memorial Theatre)

1952 The Winter's Tale with John Gielgud (Shakespeare Memorial Theatre)

1958 Titus Andronicus with Laurence Olivier (Shakespeare Memorial Theatre)

1962 King Lear with Paul Scofield

1964 Marat/Sade

1966 US an anti-Vietnam protest play with The Royal Shakespeare Company, documented in the film Benefit of the Doubt

1970 A Midsummer Night's Dream with John Kane (Puck), Frances de la Tour (Helena), Ben Kingsley (Demetrius) and Patrick Stewart (Snout): see 1970 Royal Shakespeare Company production of A Midsummer Night's Dream

Hamlet with Paul Scofield

The Visit with Alfred Lunt and Lynn Fontanne

Marat/Sade, 1964.

Oedipus with John Gielgud and Irene Worth

Orghast in Persepolis, 1971-72.

1975 : The Ik by Colin Turnbull, adaptation Jean-Claude Carrière, Théâtre des Bouffes du Nord

1977 : Ubu aux Bouffes after Alfred Jarry, Théâtre des Bouffes du Nord

1978 : Mesure pour mesure by William Shakespeare, Théâtre des Bouffes du Nord

1979 : La Conférence des oiseaux (The Conference of the Birds) after Farid al-Din Attar, Festival d'Avignon, Théâtre des Bouffes du Nord

1979 : L'Os de Mor Lam by Birago Diop, Théâtre des Bouffes du Nord

1981 : La Tragédie de Carmen after Prosper Mérimée, Henri Meilhac and Ludovic Halévy, Viviane Beaumont Theater, Lincoln Center, New York

1981 : La Cerisaie by Anton Chekhov, Théâtre des Bouffes du Nord

1984 : Tchin-Tchin by François Billetdoux, mise en scène with Maurice Bénichou, with Marcello Mastroianni, Théâtre Montparnasse

1985 : Le Mahabharata, (The Mahabharata) Festival d'Avignon

1988 : The Cherry Orchard by Anton Chekhov, Majestic Theatre, Brooklyn

1989 : Woza Albert! by Percy Mtawa, Mbongeni Ngema et Barney Simon

1990 : La Tempête by William Shakespeare, adaptation Jean-Claude Carrière, with Sotigui Kouyaté, Théâtre des Bouffes du Nord

1992 : Impressions de Pelléas after Claude Debussy, Théâtre des Bouffes du Nord

1993 : L'Homme Qui after The Man Who Mistook His Wife for a Hat by Oliver Sacks

1995 : Qui est là after texts by Antonin Artaud, Bertolt Brecht, Edward Gordon Craig, Vsevolod Meyerhold, Stanislavski and Motokiyo Zeami

1995 : Oh les beaux jours by Samuel Beckett

1998 : Je suis un phénomène after prodigieuse mémoire by Alexander Luria

1998 : Don Giovanni by Mozart, création au 50ème Festival international d'art lyrique d'Aix-en-Provence

1999 : Le Costume by Can Themba

2000 : Hamlet by William Shakespeare, with Adrian Lester

2002 : Far Away by Caryl Churchill

2002 : La Mort de Krishna extrait du Mahabharata de Vyasa, adaptation Jean-Claude Carrière and Marie-Hélène Estienne

2003 : Ta main dans la mienne by Carol Rocamora

2004 : Tierno Bokar after Vie et enseignement de Tierno Bokar-Le sage de Bandiagara by Amadou Hampâté Bâ, with Sotigui Kouyaté

2004 : Le Grand Inquisiteur after The Brothers Karamazov by Dostoyevsky

2006 : Sizwe Banzi est mort by Athol Fugard, John Kani and Winston Ntshona, Festival d'Avignon

2008 : Fragments after Samuel Beckett

2009 : Love is my sin sonnets by William Shakespeare

2009 : 11 and 12 after Vie et enseignement de Tierno Bokar-Le Sage de Bandiagara by Amadou Hampâté Bâ

2010 : Warum warum by Peter Brook et Marie-Hélène Estienne after Antonin Artaud, Edward Gordon Craig, Charles Dullin, Vsevolod Meyerhold, Motokiyo Zeami and William Shakespeare

Filmography

1953, The Beggar's Opera

1960, Moderato Cantabile (UK title Seven Days... Seven Nights)

1963, Lord of the Flies

1967, Ride of the Valkyrie

1967, Marat/Sade

1968, Tell Me Lies

1971, King Lear

1979, Meetings with Remarkable Men

1979, Mesure pour mesure

1982, La Cerisaie

1983, La Tragédie de Carmen

1989, The Mahabharata

2002, The Tragedy of Hamlet (TV)

Penghargaan dan kehormatan

Commander of the Order of the British Empire, 1965

Honorary DLitt, University of Birmingham, 1990

Honorary Fellow of Magdalen College, Oxford, 1991

Honorary DLitt, University of Strathclyde, 1990

Honorary DLitt, University of Oxford, 1994

Officier de l'Ordre de la Légion d'honneur (France), 1995

Companion of Honour, 1998

Tony Award for Best Direction of a Play for Marat/Sade, 1966

Tony Award for Best Direction of a Play for A Midsummer Night's Dream, 1971

Freiherr von Stein Foundation Shakespeare Award, 1973

Grand Prix Dominique, 1975

Brigadier Prize, 1975, for Timon of Athens

Society of West End Theatre Award, 1983

Emmy Award, 1984, for La tragédie de Carmen

Prix Italia, 1984

International Emmy Award, 1990, for The Mahabharata

Dan David prize, 2005

The Ibsen Award for 2008, first winner of the prize of NOK2.5 mill 

Critics' Circle Award for Distinguished Service to the Arts 2008

http://wisatateater.blogspot.com/2011/04/peter-brook-biography.html

Bertolt Brecht (1898-1956)

Dia adalah seorang penyair Jerman, dramawan, dan sutradara teater.

Seorang praktisi teater berpengaruh pada abad ke-20, Brecht membuat kontribusi sama yang signifikan untuk dramaturgi dan produksi teater, yang terakhir khususnya melalui dampak gempa dari wisata yang dilakukan oleh Ensemble Berliner-pasca-perang perusahaan teater dioperasikan oleh Brecht dan istrinya, panjang waktu kolaborator, dan aktris Helene Weigel.

Dari berusia akhir dua puluhan Brecht berkomitmen seumur hidupnya berpaham Marxis.

Dalam mengembangkan teori dan praktek gabungan 'epik teater' nya, disintesis dan mengeksplorasi teater sebagai forum untuk ide-ide politik dan penciptaan estetika kritis materialisme dialektik.

Bentuk dramatis ini berkaitan dengan inovasi modernis serupa di seni lainnya, termasuk strategi bab yang berbeda dalam Ulysses novel James Joyce, Sergei Eisenstein's evolusi 'montase' yang konstruktivis di bioskop, dan pengenalan Picasso tentang 'kolase' cubist dalam seni visual . Berbeda dengan banyak pendekatan avant-garde lainnya, namun, Brecht tidak memiliki keinginan untuk menghancurkan seni sebagai sebuah institusi, melainkan, ia berharap untuk 're-fungsi' teater untuk penggunaan sosial baru.

Dalam hal ini ia menjadi peserta penting dalam perdebatan estetika nya era-khususnya atas 'seni tinggi / budaya populer' dikotomi-berlomba-lomba dengan orang seperti Adorno, Lukacs, Bloch, dan mengembangkan persahabatan erat dengan Benjamin. Brechtian teater

tema populer diartikulasikan dan bentuk dengan avant-garde eksperimentasi formal untuk menciptakan realisme modernis yang berdiri dalam kontras yang tajam baik untuk varietas yang psikologis dan sosialis. "Karya Brecht adalah yang paling penting dan asli dalam drama Eropa sejak Ibsen dan Strindberg," berpendapat Raymond Williams, sementara Peter Burger dubs dia "penulis materialis yang paling penting dari waktu kita."

metode kerja kolektif dan kolaboratif melekat pada pendekatan Brecht, sebagai Fredric Jameson (antara lain) menekankan. Jameson menggambarkan pencipta pekerjaan bukan sebagai Brecht individu, tetapi lebih sebagai 'Brecht': subjek kolektif yang "jelas tampaknya memiliki gaya yang khas (yang sekarang kita sebut 'Brechtian') tetapi tidak lagi pribadi di borjuis atau individualistis akal. "

Selama karirnya, Brecht kreatif berkelanjutan banyak hubungan jangka panjang dengan penulis lain, komposer, scenographers, direksi, dramaturgs dan aktor;  Ini adalah "teater sebagai [...] eksperimen kolektif sebagai sesuatu yang sangat berbeda dari teater sebagai ekspresi atau pengalaman."  itu katanya.

Dalam memainkan awal, Brecht bereksperimen dengan dada dan ekspresionisme, tetapi dalam pekerjaan selanjutnya, ia mengembangkan gaya yang lebih cocok visi yang unik. Ia membenci "Aristoteles" drama dan upaya untuk memikat penonton menjadi semacam negara trans-seperti, identifikasi total dengan pahlawan ke titik pelupaan lengkap diri, menghasilkan perasaan teror dan kasihan dan, akhirnya, sebuah katarsis emosional.

Dia tidak ingin penonton untuk merasakan emosi - ia ingin mereka untuk berpikir - dan mengarah ke tujuan ini, ia bertekad untuk menghancurkan ilusi teater, dan, dengan demikian, bahwa negara trans-seperti membosankan dia begitu membenci. Ia membayangkan teater sebagai lebih dari ruang debat daripada tempat ilusi.

Hasil penelitian Brecht adalah teknik yang dikenal sebagai "verfremdungseffekt" atau "efek keterasingan". Hal ini dirancang untuk mendorong para penonton untuk mempertahankan detasemen kritis mereka. Teori-teorinya mengakibatkan sejumlah "epik" drama, di antaranya Ibu Keberanian dan Anak-Nya yang menceritakan kisah seorang pedagang keliling yang mencari nafkah dengan mengikuti tentara Swedia dan Imperial dengan gerobak nya tertutup dan menjualnya perlengkapan: pakaian, makanan , brendi, dsb .

Sebagai perang tumbuh dipanaskan, Ibu Keberanian menemukan bahwa profesi ini telah menempatkan dan dia anaknya dalam bahaya, tetapi perempuan tua tabah menolak untuk menyerah kereta nya. Keberanian Ibu dan Anak-nya baik kemenangan dan kegagalan untuk Brecht. Meskipun drama ini sukses besar, ia tidak pernah berhasil dicapai dalam pendengarnya respon, tanpa emosi analitis dia yang diinginkan. Audiens tidak pernah gagal dipindahkan oleh penderitaan para wanita tua keras kepala.

Menjelaskan teknik di Sebuah Organum pendek untuk Teater, Brecht mengatakan, "Dalam

rangka untuk menghasilkan A-efek [efek keterasingan] aktor harus membuang apa pun yang berarti ia telah belajar untuk mendapatkan penonton untuk mengidentifikasi dirinya dengan karakter yang dia bermain. Bertujuan untuk tidak menempatkan penonton ke dalam trans, ia tidak harus pergi ke trans dirinya otot-Nya harus tetap longgar, untuk pergantian kepala, misalnya dengan otot leher tautened, akan 'ajaib' memimpin mata penonton '.

Dan bahkan mereka kepala memutar dengan itu, dan ini hanya dapat mengurangi dari spekulasi atau reaksi yang isyarat mungkin membawa. cara Nya berbicara harus bebas dari lagu parsonical bernyanyi-dan dari semua irama yang meninabobokan penonton sehingga mendapatkan pengertian hilang. Bahkan jika dia bermain pria yang dimilikinya ia tidak harus tampak yang harus dimiliki sendiri, karena bagaimana penonton untuk menemukan apa yang dimiliki jika dia tidak? ... perasaan-Nya tidak boleh di bawah menjadi orang-orang dari karakter, sehingga penonton tidak mungkin di bawah menjadi orang karakter baik penonton harus memiliki kebebasan penuh.. "

Renate Rechtien menunjukkan bahwa bukan hanya teori teater bahwa Brecht prihatin dengan. Dia sama politik. "Brecht selalu bertentangan dengan gagasan resmi yang berlaku afirmatif budaya," Dia berkata, "dan terus berusaha untuk menantang, merusak dan mengubahnya. Ditempa sebagai sarana transformasi masyarakat, seni ... dipahami oleh Brecht untuk lebih dari sekadar penegasan suprastruktural realitas Brecht didefinisikan perannya sebagai apropriasi aktif dan kritis terhadap realitas, dengan artis yang dihadapi, mengekspos dan bertindak atas kontradiksi sosial nyata dengan maksud untuk membawa tentang perubahan sosial "(Bertolt Brecht: Centenary Essay).

Dan adalah benar bahwa, dalam perlawanan melawan gerakan Nazi dan Fasis, Brecht menulis drama yang paling terkenal: Galileo, Keberanian Ibu dan Anak-Nya, Mr Puntila dan manusia Matti, The Rise of Arturo Ui yg dpt melawan, The Kaukasia Kapur Circle, The Good Person dari Sezuan, dan banyak lainnya. Astrid Herhoffer setuju bahwa "Brecht melakukan sendiri dalam pekerjaan kepada penyebab terhina dan tersinggung, dan dalam hal ini komitmen politik yang terletak kekuatan dari karya sastra itu"

Karya-karya Brech:

Drums in the Night (1922), Baal (1923), In the Jungle of the Cities (1923), Edward II (1924), The Elephant Calf (1925), Man Equals Man (1926), The Threepenny Opera (1928), Happy End (1929), Lindbergh's Flight (1929), He Who Says Yes (1929), Rise and Fall of the City of Mahagonny (1930),He Who Says No (1930), The Measures Taken (1930), The Mother (1932), The Seven Deadly Sins (1933), The Roundheads and the Peakheads (1936), The Exception and the Rule (1936), Fear and Misery of the Third Reich (1938), Señora Carrara's Rifles (1937), The Trial of Lucullus (1939), Mother Courage and Her Children (1941), Mr Puntila and His Man Matti (1941), Life of Galileo (1943), The Good Person of Sezuan (1943), Schweik in the Second World War (1944), The Visions of Simone Machard (1944), The Caucasian Chalk Circle

(1945), The Days of the Commune (1949), The Tutor (1950), The Resistible Rise of Arturo Ui (1958), Saint Joan of the Stockyards (1959).

http://wisatateater.blogspot.com/2011/04/bertrold-brech-biography.html

http://wisatateater.blogspot.com/2011/04/daftar-biografi-tokoh.html

Konstantin Stanislavski

Dari Wikipedia bahasa Indonesia, ensiklopedia bebas

Konstantin Stanislavski

Konstantin (Constantin) Sergejevitch Stanislavski (Stanislavsky) (bahasa Rusia Константин Сергеевич Станиславский); 5 Januari 1863–7 Agustus 1938) adalah seorang inovator teater dan seni peran Rusia.

Biografi

Stanislavski dilahirkan dengan nama Konstantin Sergeievich Alexeyev di Moskwa dalam sebuah keluarga kaya. Pertama kali ia tampil dalam seni peran pada usia 7 tahun. Ia mengambil nama panggung Stanislavski pada awal kariernya (kemungkinan untuk menjaga reputasi keluarganya.) Dalam beberapa terjemahan, namanya ditulis "Konstantin Stanislavski".

Pada 1888, Stanislavski mendirikan Perhimpunan Seni dan Sastra di Teater Maly, dan di sana ia memperoleh pengalaman dalam estetika dan seni panggung.

Pada 1897 ia ikut mendirikan Teater Seni Moskwa (MKhAT) bersama Vladimir Nemirovich-Danchenko. Salah satu produksi pertama kelompok ini adalah Burung Camar karya Anton Chekhov. Di MKhAT inilah Stanislavski mulai mengembangkan, berdasarkan tradisi realis dari Aleksandr Pushkin, "Sistem"-nya yang termasyhur (seringkali disebut "Metode", meskipun sebutan ini tidak akurat; metode seni perandikembangkan dari sini). "Sistem" ini belakangan diadaptasi oleh Lee Strasberg, Stella Adler, Robert Lewis, Sanford Meisner, dan banyak tokoh lainnya di Amerika Serikat. Sistem Stanislavski dipusatkan pada pengembangan watak dan dunia panggung yang realistis. Para aktor diajarkan untuk memanfaatkan "Memori Afektif" agar dapat secara wajar menggambarkan emosi seorang watak. Untuk melakukan hal itu, para aktor dituntut memikirkan sebuah momen dalma hidup mereka sendiri ketika mereka merasakan emosi yang diinginkan dan kemudian memainkan kembali emosi tersebut di dalam peran guna mencapai penampilan yang lebih sungguh-sungguh.

Metode Stanislavski mengembangkan sebuah pendekatan sistematis terhadap pelatihan para aktor untuk mengembangkan dari dalam dirinya ke luar.

Stanislavski mengusulkan agar para aktor mempelajari dan mengalami emosi-emosi dan perasaan-perasaan subyektif dan mewujudkannya kepada para penonton melalui sarana-sarana fisik dan vokal, yang juga dikenal sebagai Bahasa teater.

Stanislavski bertahan baik Revolusi Rusia tahun 1905 dan Revolusi Rusia tahun 1917, dengan Lenin yang tampaknya ikut campur untuk melindunginya. Pada 1918, Stanislavski mendirikan Studio Pertama sebagai sekolah untuk aktor muda dan menulis sejumlah karya. buku-buku yang ditulisnya dan terdapat dalam bahasa Inggris antara lain adalah: An Actor Prepares (diterjemahkan oleh Asrul Sani dengan judul "Persiapan Seorang Aktor"), Building a Character, Creating a Role, dan biografi My Life in Art.

Perbedaan-perbedaan antara sistem Stanislavski dan Metode Lee Strasberg

Sistem Stanislavski dapat pula disebut Metode Aksi Fisik yang berbeda dengan Metode Lee Strasberg yang sangat dipengaruhi oleh"Memori Afektif". Stanislavski mempunyai berbagai murid pada setiap tahap penemuan dan eksperimentasinya dengan Metode Universal seni peran. Salah seorang muridnya, Richard Boleslavsky mendirikan Laboratorium Teater Amerika pada 1925. Laboratorium ini mempunyai pengaruh yang sangat hebat terhadap seni peran Amerika, Lee Strasberg sebagai kepalanya. Boleslavsky terlibat dalam tahapan Stanislavski ketika ia bereksperimen dengan Memori Afektif. Teori Stanislavski belakangan berkembang hingga mengandalkan Aksi Fisik yang membangkitkan perasaan dan emosi. Memori Afektif diterapkan dalam Sistem Stanislavski tetapi tidak begitu banyak dalam Metode Lee Strasberg.

Stella Adler, satu-satunya orang Amerika yang belajar pada Stanislavski, diajari Metode Aksi Fisik di Paris selama 5 minggu pada 1934. Dengan pengetahuan yang baru ini ia datang kepada Strasberg dan memperkenalkan kepadanya Sistem/Metode Aksi Fisik yang baru. Lee Strasberg memahami perbedaan-perbedaannya tetapi menolak Metode Aksi Fisik. Ia percaya

bahwa seni peran adalah mengenang kembail emosi. Karena itu Adler berkata tentang Strasberg "Ia sama sekali keliru."

Stanislavski meninggal pada 1938 sehingga antara 1934 ketika ia bertemud engan Stella Adler dan 1938 ia masih menemukan dan memperkeuat hal-hal baru di dalam Sistemnya.

Penting diingat bahwa Stanislavski selalu menganggap sistemnya seolah-olah sebuah daftar isi dari sebuah buku yang besar yang membahas segala aspek dari seni peran. Karyanya yang terakhir, kini dikenal sebagai Metode Aksi Fisik, sama sekali bukanlah penolakan terhadap minatnya yang lebih awal terhadap memori perasaan dan memori afektif. Ia sama sekali tidak pernah menolak pemahaman memori emosi; ia hanya menemukan cara-cara lain untuk mengakses emosi, antara lain keyakinan mutlak akan keadaan-keadaan tertentu; pelatihan imajinasi, dan penggunaan aksi fisik.

Ini sebetulnya tidak benar. Apa yang ditemukan Stanislavski adalah bahwa kebanyakan - memori perasaan dan memori afektif, ketimbang membebaskan si aktor, terlalu sering menimbulkan hasil-hasil yang negatif. Hal ini membuat para aktor tegang, lelah, dan histeris, dan seringkali menyebabkan ia secara emosional membeku. Dalam tulisan-tulisannya di kemudian hari ia percaya bahwa setiap upaya untuk membangkitkan perasaan harus dihindari.

Warisan

Jalan berliku yang panjang yang dimulai dengan sistem Stanislavski membaw kepada aktor dan aktris seperti Jack Nicholson, Marilyn Monroe, James Dean, Marlon Brando, Montgomery Clift, Harvey Keitel, Steve McQueen, Paul Newman, Warren Beatty, Geraldine Page,Dustin Hoffman, Robert De Niro, Al Pacino, Jane Fonda, dan masih banyak lagi. Yang lebih belakangan adalah Benicio Del Toro, Mark Ruffalo, Johnny Depp, dan Sean Penn.

Charlie Chaplin berkata, "Buku Stanislavki Persiapan Seorang Aktor, menolong semua orang untuk menjangkau seni dramatis yang besar. Buku ini mengajarkan apa yang dibutuhkan seorang aktor untuk membangkitkan ilham yang ia butuhkan untuk mengungkapkan emosi-emosi yang mendalam."

Sir John Gielgud berkata, "Sutradara ini menemukan waktu untuk menjelaskan seribu kali apa yang selalu mengganggu para aktor dan mempesona para murid." Gielgud juga pernah berkata, "Buku Stanislavski yang kini terkenal adalah sumbangan kepada Teater dan siswa-sisanya di seluruh dunia."

Tujuan Stanislavski adalah menemukan sebuah Metode/Sistem Universal yang dapat menolong para aktor. Sebagai kesimpulan dari semuanya, Stanislavski berkata tentang Sistemnya, "Ciptakanlah metode anda sendiri. Jangan bergantung membabi buta pada metode saya. Ciptakanlah sesuatu yang menolong bagi anda! Tetapi saya mohon, patahkanlah terus tradisi."

http://id.wikipedia.org/wiki/Konstantin_Stanislavski

Jerzy Grotowski

From Wikipedia, the free encyclopedia

Jerzy Grotowski

Grotowski c.1972

Born 11 August 1933Rzeszów, Poland

Died 14 January 1999 (aged 65)Pontedera, Italy

Occupation Theatre director

Jerzy Grotowski (11 August 1933 - 14 January 1999) was a Polish theatre director and innovator of experimental theatre, the "theatre laboratory" and "poor theatre" concepts.

Grotowski was born in Rzeszów, Poland on 11 August 1933 and died in Pontedera, Italy on 14 January 1999, aged 65.[1]

Biography

Career

Theatre of Productions

Grotowski made his directorial debut in 1958 with the production "Gods of Rain" which introduced Grotowski's bold approach to text, which he continued to develop throughout his career, influencing many subsequent theatre artists. Later in 1958 Grotowski moved

to Opole where he was invited by the theatre critic and dramaturg Ludwik Flaszen to serve as Director of the Theatre of 13 Rows. There he began to assemble a company of actors and artistic collaborators which would help him realize his unique vision. It was also there that he began to experiment with approaches to performance training which enabled him to shape the young actors - initially allocated to his provincial theatre - into the transformational artists they eventually became.

Among the many productions for which his theatre company became famous were "Orpheus" by Jean Cocteau, "Shakuntala" based on text by Kalidasa, "Dziady (Forefathers' Eve)" by Adam Mickiewicz and "Akropolis" by Stanisław Wyspiański. This last production was the first complete realization of Grotowski's notion of 'poor theatre.' In it the company of actors (representing concentration camp prisoners) build the structure of a crematorium around the audience while acting out stories from the Bible and Greek mythology. This conceptualization had particular resonance for the audiences in Opole, as the Auschwitz concentration camp was only sixty miles away. "Akropolis" received much attention, and could be said to have launched Grotowski's career internationally due to inventive and aggressive promotion by visiting foreign scholars and theatre professionals. A film of the production was made with an introduction by Peter Brook, which constitutes one of the most accessible and concrete records of Grotowski's work.

In 1964 Grotowski followed success with success when his theatre premiered "The Tragical History of Doctor Faustus" based on the Elizabethan drama by Marlowe, featuring Zbigniew Cynkutis in the title role. Foregoing the use of props altogether, Grotowski let the actors' bodies represent different objects, establishing an intimate dynamic of relation between actors and spectators by seating audience members as the guests at Faust's last supper, with the action unfolding on and around the table where they were seated.

In 1965 Grotowski moved his company to Wrocław relabeling them a "Teatr Laboratorium", in part to avoid the heavy censorship to which professional 'theatres' were subject in Poland at that time. Work had already begun on one of their most famous productions, "The Constant Prince". Debuting in 1967, this production is thought by many to be one of the greatest theatrical works of the 20th century. Ryszard Cieslak's performance in the title role is considered the apogee of Grotowski's approach to acting. In one of his final essays, Grotowski detailed how he worked individually with Cieslak for more than a year to develop the details of the actor's physical score before combining this central element of the performance with the work of other actors and the context of torture and martyrdom intrinsic to the play.

The last professional production from Grotowski as a director was in 1969. Entitled "Apocalypsis Cum Figuris" it is widely admired. Again using text from the Bible, this time combined with contemporary writings from authors such as T.S. Eliot and Simone Weil, this production was cited by members of the company as an example of a group 'total act'. The development of Apocalypsis took more than three years, beginning as a staging of Slowacki's Samuel Zborowski and passing through a separate stage of development as a

staging of the Gospels,Ewangelie (elaborated as a completed performance though never presented to audiences) before arriving to its final form. Throughout this process, Grotowski can already be seen abandoning the conventions of traditional theatre, straining at the boundaries of what he later termed Art as presentation.

Grotowski revolutionized theatre, and, along with his first apprentice Eugenio Barba, leader and founder of Odin Teatret, is considered a father of contemporary experimental theatre. Barba was instrumental in revealing Grotowski to the world outside the iron curtain. He was the editor of the seminal book, Towards a Poor Theatre (1968) which Grotowski wrote together with Ludwik Flaszen, in which it is declared that theatre should not, because it could not, compete against the overwhelming spectacle of film and should instead focus on the very root of the act of theatre: actors co-creating the event of theatre with its spectators.

Theatre - through the actor's technique, his art in which the living organism strives for higher motives - provides an opportunity for what could be called integration, the discarding of masks, the revealing of the real substance: a totality of physical and mental reactions. This opportunity must be treated in a disciplined manner, with a full awareness of the responsibilities it involves. Here we can see the theatre's therapeutic function for people in our present day civilization. It is true that the actor accomplishes this act, but he can only do so through an encounter with the spectator - intimately, visibly, not hiding behind a cameraman, wardrobe mistress, stage designer or make-up girl - in direct confrontation with him, and somehow " instead of" him. The actor's act - discarding half measures, revealing, opening up, emerging from himself as opposed to closing up - is an invitation to the spectator. This act could be compared to an act of the most deeply rooted, genuine love between two human beings - this is just a comparison since we can only refer to this "emergence from oneself" through analogy. This act, paradoxical and borderline, we call a total act. In our opinion it epitomizes the actor's deepest calling.[2]

Debut in the west

The year 1968 marked Grotowski's debut in the West. His company performed the Stanislaw Wyspianski play Akropolis/Acropolis (1964) at the Edinburgh Festival. This was a fitting vehicle for Grotowski and his Poor Theatre because his treatment of the play in Poland had already achieved wider recognition, and was published in Pamiętnik Teatralny (Warsaw, 1964), Alla Ricerca del Teatro Perduto (Padova, 1965), andTulane Drama Review (New Orleans, 1965). It marked the first time many in Britain had been exposed to "Poor Theatre". The same year his great book called Towards A Poor Theatre appeared in Danish, published by Odin Teatrets Forlag. It appeared in English the following year, published by Methuen and Co. Ltd., with an Introduction by Peter Brook, then Director of the Royal Shakespeare Company. In it he writes feelingly about Grotowski's private consulting for the Company; he/they felt Grotowski's work was unique but equally understood that its value was diminished if talked about too much, if faith were broken with the consultant.

Grotowski's company made its debut in the United States under the auspices of the Brooklyn Academy of Music in the fall of 1969. BAM built a theatre for Grotowski's company in the Washington Square Methodist Church in Greenwich Village. Three productions were presented: Akropolis, The Constant Prince and Apocalypsis Cum Figuris during a three week run.

Paratheatrical phase

In 1973 Grotowski published "Holiday,"[citation needed] which outlined a new course of investigation. He would pursue this 'Paratheatrical' phase until 1978. This phase is known as the 'Paratheatrical' phase of his career because it was an attempt to transcend the separation between performer and spectator. Grotowski attempted this through the organization of communal rites and simple interactive exchanges that went on sometimes for extended periods, attempting to provoke in participants a deconditioning of impulse. The most widely circulated description of one of these post-theatrical events (a "beehive") is given by Andre Gregory, Grotowski's longtime friend and the American director whose work he most strongly endorsed, in My Dinner with Andre. Various collaborators who had been important to Grotowski's work in what he termed his "Theatre of Productions" phase had difficulty following him in these explorations beyond the boundary of conventional theatre. Other, younger members of the group came to the foreground, notably Jacek Zmysłowski, whom many would consider Grotowski's closest collaborator in this period. Theatre critics have often exoticized and mystified Grotowski's work on the basis of these paratheatrical experiments, suggesting that his work should be seen in the lineage of Antonin Artaud, a suggestion Grotowski strongly resisted. Later in life, he clarified that he quickly found this direction of research limiting, having realized that unstructured work frequently elicits banalities and cultural cliché from participants.

Theatre of Sources

In this period of his work, Grotowski traveled intensively through India, Mexico, Haiti and elsewhere, seeking to identify elements of technique in the traditional practices of various cultures that could have a precise and discernible effect on participants. Key collaborators in this phase of work include Włodzimierz Staniewski, subsequently founder of Gardzienice Theatre Association, Jairo Cuesta and Magda Złotowska, who traveled with Grotowski on his international expeditions. His interest in ritual techniques linked to Haitian practice led Grotowski to a long-standing collaboration with Maud Robart and Jean-Claude Tiga of Saint Soleil. Always a master strategist, Grotowski made use of his international ties and the relative freedom of travel allowed him to pursue this program of cultural research in order to flee Poland following the imposition of martial law. He spent time in Haiti and in Rome, where he delivered a series of important lectures on the topic of theatre anthropology at the University of Rome La Sapienza in 1982 before seeking political asylum in the United States. His dear friends Andre andMercedes Gregory helped Grotowski to settle in the US, where he taught at Columbia University for one year while attempting to find support for a new program of research.

Objective Drama

Unable (despite the best efforts of Richard Schechner) to secure resources for his projected research in Manhattan, in 1983 Grotowski was invited by Professor Robert Cohen to UC Irvine, where he began a course of work known as 'Objective Drama'. This phase of research was characterized by an investigation of the psychophysiological impact of selected songs and other performative tools derived from traditional cultures on participants, focusing specifically on relatively simple techniques that could exert a discernible and predictable impact on the doer regardless of her belief structures or culture of origin. Ritual songs and related performative elements linked to Haitian and other African diaspora traditions became an especially fruitful tool of research. During this time Grotowski continued several important collaborative relationships begun in earlier phases, with Maud Robart, Jairo Cuesta, and Pablo Jimenez taking on significant roles as performers and research leaders in the project. He also initiated a longstanding creative relationship with American director James Slowiak and discovered the individual to whom he would ultimately pass responsibility for his life-long research, Thomas Richards, son of legendary North-American black director Lloyd Richards.

Art as vehicle

In 1986, Grotowski was invited by Roberto Bacci of the Centro per la Sperimentazione e la Ricerca Teatrale to shift the base of his work to Pontedera, Italy, where he was offered an opportunity to conduct long-term research on performance without the pressure of having to show results until he was ready. Grotowski gladly accepted, taking with him three assistants from Objective Drama research (Richards, Jimenez and Slowiak) to help in founding his Italian Workcenter. Robart also led a work-team in Pontedera for several years, after which time funding cuts necessitated downscaling to a single research group, led by Richards. Grotowski took the term used to describe his final phase of research from a talk by Peter Brook, who coined the phrase "art as vehicle" to characterize the focus of his attention. "It seems to me," Brook said, "that Grotowski is showing us something which existed in the past but has been forgotten over the centuries; that is that one of the vehicles which allows man to have access to another level of perception is to be found in the art of performance." Toward that end, he drove Richards to take on increasingly greater responsibility and leadership in the work, until he was not only the primary doer in the practice of Art as Vehicle, but also its leader and "director" (if such a term can be accurately used) of the performance structures created around these Afro-Caribbean vibratory songs, most significantly 'Downstairs Action' (filmed by Mercedes Gregory in 1989) and 'Action', on which work began in 1994 and continues to the present. Italian actor Mario Biagini, who joined the Workcenter shortly after its founding, also became a central contributor to this research. In 1995, Grotowski changed the name of the Italian center to the Workcenter of Jerzy Grotowski and Thomas Richards to signal the unique and central place Richards held in his work. Although Grotowski died in 1999 at the end of a prolonged illness, the research of Art as Vehicle continues at the Pontedera Workcenter, with Richards as Artistic Director and Biagini as Associate Director. Grotowski's Will declared the two his "universal heirs," holders of copyright on the entirety of his textual output and intellectual property.

Bibliography

Wroclaw: Grotowski

Towards a Poor Theatre (Introduction by Peter Brook) (1968)

The Theatre of Grotowski by Jennifer Kumiega, London: Methuen, 1987.

At Work with Grotowski on Physical Actions by Thomas Richards, London: Routledge, 1995.

The Grotowski Sourcebook ed. by Lisa Wolford and Richard Schechner, London: Routledge, 1997.

A Dictionary of Theatre Anthropology: The Secret Art of the Performer by Eugenio Barba (2001)

http://en.wikipedia.org/wiki/Jerzy_Grotowski

Jerzy Grotowski

(Terjemahan)

Dari Wikipedia, ensiklopedia bebas

Jerzy Grotowski

 Grotowski c.1972

Lahir 11 Agustus 1933 Rzeszów , Polandia

Meninggal 14 Januari 1999 (umur 65) Pontedera , Italia

Pendudukan Teater direktur

Jerzy Grotowski (11 Agustus 1933 - 14 Januari 1999) adalah seorang Polandia sutradara teaterdan inovator teater eksperimental , "teater laboratorium" dan "miskin teater" konsep.

Grotowski lahir di Rzeszów , Polandia pada tanggal 11 Agustus 1933 dan meninggal diPontedera , Italia pada tanggal 14 Januari 1999, berusia 65. [1]

Biografi

Karir

Teater Productions

Grotowski membuat debutnya sebagai sutradara pada 1958 dengan "Dewa Hujan" produksi yang memperkenalkan pendekatan berani Grotowski untuk teks, yang ia terus mengembangkan sepanjang karirnya, mempengaruhi banyak seniman teater berikutnya. Kemudian pada tahun 1958 Grotowski pindah ke Opole di mana ia diundang oleh kritikus teater dan dramaturg Ludwik Flaszen untuk melayani sebagai Direktur Teater dari 13 Baris. Di sana ia mulai mengumpulkan perusahaan aktor dan kolaborator artistik yang akan membantu dia mewujudkan visi unik. Itu juga ada bahwa ia mulai bereksperimen dengan pendekatan pelatihan kinerja yang memungkinkan dia untuk membentuk aktor muda - awalnya dialokasikan untuk teater provinsi - ke para seniman transformasional mereka akhirnya menjadi.

Di antara produksi banyak yang perusahaan teater menjadi terkenal adalah "Orpheus" oleh Jean Cocteau , " Shakuntala "berdasarkan teks dengan Kalidasa , " Dziady (Hawa nenek moyang ') "oleh Adam Mickiewicz dan "Akropolis" oleh Stanisław Wyspianski . Ini produksi terakhir adalah realisasi lengkap pertama dari gagasan Grotowski dari 'teater miskin. " Di dalamnya perusahaan aktor (mewakili tahanan kamp konsentrasi) membangun struktur sebuah krematorium di seluruh penonton sementara memerankan cerita-cerita dari Alkitab dan mitologi Yunani. Konseptualisasi ini memiliki resonansi khusus untuk penonton di Opole, sebagai Auschwitz kamp konsentrasi hanya enam puluh mil. "Akropolis" menerima banyak perhatian, dan bisa dikatakan telah meluncurkan karier Grotowski internasional karena inventif dan agresif promosi dengan mengunjungi ulama asing dan profesional teater. Sebuah film produksi dibuat dengan pengantar oleh Peter Brook , yang merupakan salah satu catatan paling mudah dan beton pekerjaan Grotowski.

Pada tahun 1964 Grotowski diikuti sukses dengan kesuksesan ketika teater perdana "Sejarah tragis Dokter Faustus" yang didasarkan pada drama Elizabethan oleh Marlowe, menampilkan Zbigniew Cynkutis dalam peran judul. Brondong penggunaan alat peraga sama sekali, Grotowski membiarkan tubuh aktor 'mewakili objek yang berbeda, membentuk dinamis intim hubungan antara aktor dan penonton dengan penonton duduk sebagai tamu di perjamuan terakhir Faust, dengan aksi berlangsung di dan di sekitar meja tempat mereka duduk.

Pada tahun 1965 Grotowski pindah perusahaan untuk Wroclaw relabeling mereka "Teatr Laboratorium", sebagian untuk menghindari sensor berat untuk yang 'teater' profesional menjadi subyek di Polandia pada waktu itu. Pekerjaan sudah mulai di salah satu produksi mereka yang paling terkenal, "The Prince Konstan". Memulai debutnya pada 1967, produksi ini dianggap oleh banyak untuk menjadi salah satu karya teater terbesar abad ke-20. Kinerja Ryszard Cieslak dalam peran judul dianggap sebagai apogee dari pendekatan Grotowski untuk bertindak.Dalam salah satu esai terakhir, Grotowski rinci bagaimana ia bekerja secara individual dengan Cieslak selama lebih dari satu tahun untuk mengembangkan rincian skor fisik aktor sebelum menggabungkan unsur sentral kinerja dengan karya aktor lain dan konteks penyiksaan dan mati syahid intrinsik untuk bermain.

Produksi profesional terakhir dari Grotowski sebagai direktur adalah pada tahun 1969. Berjudul "apocalypsis Cum Figuris" itu secara luas dikagumi. Lagi-lagi menggunakan teks dari Alkitab, kali ini digabungkan dengan tulisan-tulisan kontemporer dari penulis seperti TS Eliot dan Simone Weil, produksi ini dikutip oleh anggota perusahaan sebagai contoh "aksi total kelompok. Perkembangan apocalypsis waktu lebih dari tiga tahun, dimulai sebagai pementasan Slowacki Samuel Zborowski dan melewati tahap yang terpisah dari pembangunan sebagai pementasan Injil, Ewangelie (diuraikan sebagai kinerja selesai meskipun tidak pernah disajikan kepada penonton) sebelum tiba ke nya akhir bentuk. Sepanjang proses ini, Grotowski sudah dapat dilihat meninggalkan konvensi teater tradisional, berusaha pada batas apa yang kemudian disebut Seni sebagai presentasi.

Grotowski merevolusi teater, dan, bersama dengan pertamanya magang Eugenio Barba , pemimpin dan pendiri Odin Teatret , dianggap sebagai ayah dari teater eksperimental

kontemporer . Barba berperan dalam mengungkap Grotowski kepada dunia luar tirai besi. Dia adalah editor buku seminalis, Menuju Teater Miskin (1968) yang Grotowski wrote bersama-sama dengan Ludwik Flaszen , di mana dinyatakan bahwa teater tidak boleh, karena bisa tidak, bersaing dengan tontonan yang luar biasa dari Film dan harus fokus pada akar dari tindakan teater: aktor co-menciptakan peristiwa teater dengan penonton nya.

Teater - melalui teknik aktor, seninya di mana organisme hidup berjuang untuk motif yang lebih tinggi - memberikan kesempatan bagi apa yang dapat disebut integrasi, membuang topeng, pengungkapan substansi nyata: suatu totalitas reaksi fisik dan mental. Kesempatan ini harus diperlakukan dengan cara yang disiplin, dengan kesadaran penuh tanggung jawab melibatkan. Di sini kita dapat melihat fungsi terapeutik teater bagi orang-orang dalam peradaban kita sekarang. Memang benar bahwa aktor menyelesaikan tindakan ini, tetapi ia hanya dapat melakukannya melalui perjumpaan dengan penonton - erat, tampak, tidak bersembunyi di balik juru kamera, nyonya lemari pakaian, desainer panggung atau make-up girl - dalam konfrontasi langsung dengan dia, dan entah bagaimana "bukan" dia. Aktor tindakan - membuang setengah-setengah, mengungkapkan, membuka, muncul dari dirinya sendiri sebagai lawan menutup up - adalah seruan untuk penonton. Tindakan ini dapat dibandingkan dengan suatu tindakan kasih, sebagian besar berakar sejati antara dua manusia - ini hanya perbandingan karena kita hanya bisa lihat ini "kemunculan dari diri sendiri" melalui analogi. Tindakan ini, paradoks dan perbatasan, kita sebut tindakan total. Menurut pendapat kami itu melambangkan panggilan aktor yang paling dalam. [2]

Debut di barat

Tahun 1968 menandai debut Grotowski di Barat. Perusahaannya melakukan Wyspianski Stanislaw bermain Akropolis / Acropolis (1964) diFestival Edinburgh . Ini adalah kendaraan yang cocok untuk Grotowski dan Teater Miskin karena perlakuan dari drama di Polandia telah mencapai pengakuan yang lebih luas, serta diumumkan dalam Pamiętnik Teatralny (Warsawa, 1964), Alla Ricerca del Teatro Perduto(Padova, 1965), dan Tulane Drama Review (New Orleans, 1965). Ini menandai pertama kalinya banyak di Britania telah terpapar dengan "Kasihan Theatre". Pada tahun yang sama buku besar yang disebut Menuju Teater Miskin muncul di Denmark, yang diterbitkan oleh Odin Teatrets FORLAG. Ternyata di Inggris pada tahun berikutnya, diterbitkan oleh Methuen dan Co Ltd, dengan Pengantar oleh Peter Brook , maka Direktur Royal Shakespeare Company. Di dalamnya dia menulis penuh perasaan tentang konsultasi pribadi Grotowski untuk Perusahaan, ia / mereka merasa pekerjaan Grotowski itu unik namun sama-sama dipahami bahwa nilai itu berkurang jika berbicara tentang terlalu banyak, jika iman yang dipecah dengan konsultan.

Perusahaan Grotowski memulai debutnya di Amerika Serikat di bawah naungan Brooklyn Academy of Music pada musim gugur 1969. BAM membangun sebuah teater untuk perusahaan Grotowski di Washington Square Methodist Church di Greenwich Village. Tiga produksi dipresentasikan: Akropolis, Pangeran yang konstan dan Figuris Cum apocalypsis selama jangka tiga minggu.

fase Paratheatrical

Pada tahun 1973 Grotowski diterbitkan "Holiday," [ rujukan? ] yang digariskan kursus baru penyelidikan. Dia akan mengejar 'Paratheatrical' fase hingga 1978. Fase ini dikenal sebagai fase 'Paratheatrical' dalam karirnya karena merupakan upaya untuk mengatasi pemisahan antara pemain dan penonton. Grotowski mencoba ini melalui penyelenggaraan upacara komunal dan pertukaran interaktif sederhana yang berlangsung kadang-kadang untuk waktu yang lama, mencoba memprovokasi peserta deconditioning dari impuls. Gambaran yang paling banyak beredar dari salah satu peristiwa teater pasca (suatu "sarang lebah") diberikan oleh Andre Gregory , teman lama Grotowski dan direktur Amerika yang karyanya paling kuat mendukung, dalam My Dinner dengan Andre . Berbagai kolaborator yang telah penting untuk pekerjaan Grotowski dalam apa yang disebut-Nya "Theatre of Productions" fase mengalami kesulitan mengikutinya dalam eksplorasi di luar batas teater konvensional. Lain, anggota muda dari kelompok datang ke latar depan, terutama Jacek Zmysłowski, yang banyak akan mempertimbangkan Grotowski kolaborator terdekat dalam periode ini. Teater kritikus sering exoticized dan bingung kerja Grotowski atas dasar percobaan ini paratheatrical, menunjukkan bahwa karyanya harus dilihat dalam garis keturunan dari Antonin Artaud , seorang Grotowski saran sangat ditentang. Di kemudian hari, dia mengklarifikasi bahwa dia dengan cepat menemukan arah penelitian membatasi, setelah menyadari bahwa pekerjaan tidak terstruktur sering memunculkan hal-hal dasar dan budaya klise dari peserta.

Teater Sumber

Dalam periode dari karyanya, Grotowski bepergian secara intensif melalui India, Meksiko, Haiti dan di tempat lain, untuk mengidentifikasi elemen-elemen teknik dalam praktek-praktek tradisional dari berbagai budaya yang dapat memiliki efek yang tepat dan jelas terhadap peserta. Kunci kolaborator dalam tahap kerja meliputi Włodzimierz Staniewski , kemudian pendiri Teater Gardzienice Asosiasi , Jairo Cuesta dan Magda Złotowska, yang bepergian dengan Grotowski di ekspedisi internasional. Minatnya dalam ritual teknik terkait dengan praktek Haiti dipimpin Grotowski ke kolaborasi lama dengan Maud Robart dan Jean-Claude Tiga Saint Soleil. Selalu ahli strategi menguasai, Grotowski memanfaatkan hubungan internasional dan kebebasan relatif perjalanan memungkinkan dia untuk mengejar program ini penelitian budaya untuk Polandia melarikan diri setelah penerapan darurat militer. Dia menghabiskan waktu di Haiti dan di Roma, di mana ia menyampaikan serangkaian kuliah penting pada topik antropologi teater di Universitas Roma La Sapienza tahun 1982 sebelum mencari suaka politik di Amerika Serikat. Sayang Nya teman Andre dan Mercedes Gregorius membantu Grotowski untuk menetap di AS, di mana ia mengajar di Columbia University selama satu tahun ketika mencoba untuk mencari dukungan untuk program baru penelitian.

Drama Tujuan

Tidak dapat (meskipun upaya terbaik Richard Schechner ) untuk mengamankan sumber daya untuk penelitian diproyeksikan di Manhattan, pada tahun 1983 Grotowski diundang oleh Profesor Robert Cohen ke UC Irvine, di mana ia mulai suatu program kerja yang dikenal sebagai 'Drama Tujuan'. Tahap penelitian ditandai oleh penyelidikan dari dampak

psychophysiological lagu-lagu yang dipilih dan alat performatif lain yang berasal dari budaya tradisional pada peserta, dengan fokus khusus pada teknik yang relatif sederhana yang bisa menimbulkan dampak yang terlihat dan dapat diprediksi pada pelaku terlepas dari keyakinannya struktur atau budaya asal. Ritual lagu dan unsur-unsur performatif terkait terkait dengan Haiti dan tradisi diaspora Afrika menjadi alat yang sangat bermanfaat penelitian. Selama ini Grotowski terus beberapa hubungan kolaboratif yang penting dimulai pada tahap awal, dengan Maud Robart, Jairo Cuesta, dan Pablo Jimenez mengambil peran penting sebagai pelaku dan pemimpin penelitian dalam proyek. Dia juga memprakarsai hubungan jangka panjang dengan Amerika kreatif sutradara James Slowiak dan menemukan individu kepada siapa dia akhirnya akan berlalu tanggung jawab untuk seumur hidup penelitiannya, Thomas Richards, putra legendaris direktur Amerika Utara hitam Lloyd Richards .

Seni sebagai kendaraan

Pada tahun 1986, Grotowski diundang oleh Roberto Bacci dari Centro per la Sperimentazione e la Ricerca Teatrale untuk menggeser dasar karyanya untuk Pontedera, Italia, di mana ia ditawari kesempatan untuk melakukan penelitian jangka panjang terhadap kinerja tanpa tekanan karena menunjukkan hasil sampai dia siap. Grotowski dengan senang hati menerima, membawa bersamanya tiga asisten dari penelitian Drama Tujuan (Richards, Jimenez dan Slowiak) untuk membantu dalam mendirikan Workcenter Italia. Robart juga memimpin tim kerja di Pontedera selama beberapa tahun, setelah waktu mengharuskan pemotongan dana downscaling ke sebuah kelompok penelitian tunggal, dipimpin oleh Richards. Grotowski mengambil istilah yang digunakan untuk menggambarkan fase terakhir dari penelitian dari bicara olehPeter Brook , yang menciptakan istilah "seni sebagai kendaraan" untuk menandai fokus perhatiannya. "Menurut saya," kata Brook, "bahwa Grotowski menunjukkan kita sesuatu yang ada di masa lalu tetapi telah dilupakan selama berabad-abad, yaitu bahwa salah satu kendaraan yang memungkinkan orang untuk memiliki akses ke tingkat lain persepsi adalah untuk ditemukan dalam seni kinerja. " Menjelang itu, dia melaju Richards untuk mengambil tanggung jawab yang semakin besar dan kepemimpinan dalam pekerjaan, sampai dia tidak hanya pelaku utama dalam praktek Seni sebagai kendaraan, tetapi juga pemimpin dan "sutradara" (jika istilah seperti dapat akurat digunakan) dari struktur kinerja diciptakan sekitar Afro-Karibia ini getaran lagu, 'Di bawah Action' paling signifikan (difilmkan oleh Mercedes Gregory pada tahun 1989) dan 'Aksi', yang bekerja mulai pada tahun 1994 dan terus hingga saat ini. Italia aktor Mario Biagini, yang bergabung Workcenter lama setelah didirikan, juga menjadi kontributor penting bagi penelitian ini. Pada tahun 1995, Grotowski mengubah nama pusat Italia ke Workcenter dari Jerzy Grotowski dan Thomas Richards untuk sinyal yang unik dan tempat sentral Richards diadakan dalam pekerjaannya. Meskipun Grotowski meninggal pada tahun 1999 pada akhir penyakit berkepanjangan, penelitian Seni sebagai kendaraan terus di Pontedera Workcenter, dengan Richards sebagai Direktur Artistik dan Biagini sebagai Associate Director. Yang Grotowski akan mendeklarasikan kedua "pewaris universal," pemegang hak cipta pada keseluruhan output tekstual dan kekayaan intelektual.

Bibliografi

Wroclaw: Grotowski

Menuju Teater Miskin (Pengantar oleh Peter Brook) (1968)

Teater Grotowski oleh Jennifer Kumiega, London: Methuen, 1987.

Pada Bekerja dengan Grotowski pada Tindakan Fisik oleh Thomas Richards, London: Routledge, 1995.

Buku panduan ed Grotowski. oleh Lisa Wolford dan Richard Schechner , London: Routledge, 1997.

Kamus Teater Antropologi: Seni Rahasia Performer dengan Eugenio Barba (2001)